ratsdeville

HUMAN AFTER ALL @ patrick mikhail

20 mai au 1 juin | May 20 to June 1
vernissage 20 mai 17h00 | May 20 ~ 5:00PM
patrickmikhailgallery.com

Delphine Kim Thériault De Carufel, Last Lover, 2017, mixed media, 20 X 20 X 28 pouces

MARIE ARCHAMBAULT - DELPHINE KIM CARRUFEL - MY-VAN DAM - GALEN EVI - MICHAËLLE SERGILE

Une exposition de nouvelles œuvres mettant en vedette cinq artistes émergents montréalais réunis pour étudier l'impact physique et psychologique de l'empreinte humaine. L'exposition marque la dernière édition des PROJETS ESSENTIELS, et fait partie de l'engagement de la galerie à fournir aux jeunes artistes émergents une plate-forme pour déclencher et faire avancer leurs pratiques professionnelles. Les cinq artistes de Humain Après Tout ont développé une installation spécifique au site qui étudie l'évolution des traces que chaque être humain laisse derrière lui dans son voyage. L'exposition remet en question l'impact des transformations constantes de l'empreinte humaine, ainsi que ses répercussions sur la mémoire d'un individu.

An exhibition of new works featuring five emerging Montréal artists coming together to investigate the physical and psychological impact of the human imprint.  The exhibition marks the latest installment in the ESSENTIAL PROJECTS SERIES, and is part of the gallery’s commitment to providing young, emerging artists with a platform to ignite and advance their professional practices. The five artists in Human After All have developed a site-specific installation that investigates the evolution of the traces that each human leaves behind in their journey.  The exhibition questions the impact of the constant transformations of the human footprint, as well as the repercussions on an individual’s memory.

LA VOÛTE @ giv

« OFFWORLD »
Commissaire : Anne Golden
projection 24 mai 19h00 | May 24 ~ 7:00PM
givideo.org

Geneviève Lebleu, Emerald Tablets, 2017, arrêt sur image

GENEVIÈVE LEBLEU - SONYA STEFAN - TRACEY PETERS - BERNY HI - YOUSRA BENZIANE - ZACHARY FINKELSTEIN - ESTHER VALIQUETTE

Dans les possibles futures de la science fiction, nous pourrions ingérer des pilules à la place de la nourriture. Les robots pourraient se révéler, en apparence, d’une aide précieuse, sans pour autant avoir notre meilleur intérêt à cœur. Nous pourrions rencontrer des extraterrestres bien plus intelligents et technologiquement avancés que nous. Le voyage dans le temps pourrait devenir possible, bien que quelqu’un puisse, d’un mauvais pas, changer le cours de l’histoire. Et, parmi ces potentialités, il y aurait une seule personne ou entité qui pourrait nous sauver de la destruction assurée. Autant de scénarios classiques de science-fiction. Le genre est en effet souvent chargé de messages nous alertant des conséquences de nos actions.

In potential science fiction futures, we might consume pills instead of food. Robots might be outwardly helpful and indispensable, but not have our best interests at heart. We might meet extraterrestrials much smarter and more technologically advanced than us. Time travel might become possible but someone will likely change the course of history with one false move. And amidst all of these potentialities, there will be just one person or being who can save us from assured destruction. These are some of the myriad tropes found in science fiction. The genre is often tasked with issuing warnings about the consequences of our actions.

UP: RISE @ lsb

jusqu'au 14 mai | until May 14
vernissage 12 mai 17h00 | May 12 ~ 5:00PM
galeriedartlsb.ca

Lori Burnet, Neighbourhood 1

SASHA SICURELLA - IFEOMA U. ANYAEJI - LORI BURNETT - JOEY MOSCOVITCH

Une collaboration entre quatre artistes qui explorent l'interconnexion de l'art, de l'identité et de l'humanitarisme grâce à l'expression créative. L'exposition met en vedette la photographie, la sculpture, le mot écrit, le graphisme et la vidéo. Le projet rassemble trois succès non lucratifs : Dans La Rue, I AM : International Foundation et le JHA Fund (Madagascar) contribuent chacun à des causes humanitaires et ont un impact social et économique important en Asie, en Afrique, en Europe, en Amérique du Nord et en Amérique du Sud.

A collaboration between four artists which explores the interconnectedness of art, identity, and humanitarianism through creative expression. The exhibition will feature photography, sculpture, written word, graphic design and video. The project brings together three successful non profits : Dans La Rue, I AM: International Foundation, and JHA Fund (Madagascar) each contributing to humanitarian causes and having significant social and economic impact in Asia, Africa, Europe, North America and South America.

GENEVIÈVE BOIVIN-ROUSSY @ galerie g

« RIVIÈRE DE BOIS »
jusqu'au 26 mai | until May 26
galeriegilford

Rivière de bois marque une nouvelle étape dans le travail de l’artiste. Une méthode de création plus posée, contemplative, un temps d’arrêt obligé. Pour réaliser la collection, Gex s’est promenée le long d’une rivière, au plus creux de son bois de Saint-Adrien-de-Ham pour l’exprimer en différentes perspectives. Un médium mixte donc. Une superposition de couches, craquelées et brutes. Un travail sur la mémoire, le souvenir. Les traces, les legs sur lesquels on se construit. Une forêt entrecoupée de ponts aux horizons différents. Les choix que l’on fait. Rivière de bois c’est un travail sur l’équilibre. Un regard contemplatif et doux. Une simplicité chargée.

SECOND GESTURE @ wood land school

11 mai au 29 juillet | May 11 to July 29
vernissage 11 mai 18h00 | May 11 ~ 6:00PM
sbcgallery.ca

Tsēma Igharas, Riot Rock Rattles, Copper, Rawhide, Ceramic, Glass Beads, Dentalium Shells, Penny Shards and Mount Edziza Soil Sample, installation, 2016-present.

ELISA HARKINS - TSĒMA IGHARAS - HILDA NICHOLAS - JOI T. ARCAND - BRIAN JUNGEN - GABRIELLE L’HIRONDELLE HILL - MARIANNE NICOLSON - ANNIE POOTOOGOOK - WENDY RED STAR - ELISA HARKINS & NATHAN YOUNG

Wood Land School: Kahatènhston tsi na’tetiátere ne Iotohrkó:wa tánon Iotohrha / Traçant la ligne de janvier à décembre est conçue comme une exposition d'une durée d'un an qui se déploie à travers une série de gestes — un ensemble d'activités qui font entrer et sortir des œuvres de l'espace de la galerie — de sorte que l'exposition est en constant devenir.

Wood Land School: Kahatènhston tsi na’tetiátere ne Iotohrkó:wa tánon Iotohrha / Drawing a Line from January to December is conceived as a single year-long exhibition that unfolds through a series of gestures—clusters of activity that bring works into and out of the gallery space—such that the exhibition is in a constant state of becoming.

CLINT NEUFELD + RENATO GARZA CERVERA + JESSICA HOUSTON @ art mûr

6 mai au 17 juin | May 6 to June 17
vernissage 6 mai 15h00 | May 6 ~ 3:00PM
artmur.com

 

CLINT NEUFELD
« GRID ROADS AND A DEAD MAN’S HAND »

Clint Neufeld, Three Deuce’s, 2010

Le sculpteur Clint Neufeld propose un ensemble de huit œuvres créées entre 2011 et 2016. Sept objets et une vidéo qui ont comme dénominateur commun la céramique, les moteurs et la domesticité. Pour fabriquer ses sculptures en céramique, Neufeld procède d’abord par moulage direct de différentes composantes de moteurs choisis. Il transpose ensuite ces dernières en céramique en pratiquant par coulage. Après avoir appliqué les glaçures, il effectue la cuisson des composantes.

The title of Clint Neufeld’s ceramic incarnation of a Detroit diesel engine, Screaming Jimmy, the first time we met in that field I knew you were the one (2016), now in the collection of the Remai Modern, speaks volumes. That a diesel engine should have a nickname—Screaming Jimmy—is emblematic of the artist’s practice of using objects that come with baggage, with their own histories; and too, it references the stories Neufeld finds reflected back at him, an anthropology by engine. The title also chronicles Neufeld’s first compelling encounter with the (real) Detroit diesel, what the artist describes as something not more complicated than a recognition of beauty, and a desire to share with others the rethinking of the engine as aesthetic object.

 

RENATO GARZA-CERVERA
« HUMAN TIDES (HUMAN CONFLICTS II) »

Renato Garza Cervera, Human Tides (Conflicts II), 2017

L’œuvre de Renato Garza Cervera, multidisciplinaire et multiforme, porte un regard critique sur les sociétés contemporaines, mettant entre autre en lumière la marginalisation systémique de groupes sociaux (Fun Enhancers, Of Genuine Contemporary Beast) et les phénomènes d’appropriation culturelle (Springbreaker Tsantsas). Par des corpus traversés d’ironie, l’artiste élabore une recherche sur la notion d’identité, développée par de constants allers-retours entre l’identification et la différenciation, entre la proximité et la distance, où la monstration de l’autre, si étranger soit-il, semble aussi être un appel à s’y reconnaître.

When does a line on a page become figurative? The series of drawings by Mexican artist Renato Garza Cervera entitled Human Tides (Conflicts II) satisfies this question: each vertical line assumes a human body; each horizontal line provides its shadow. The drawings, created with India ink on cotton paper, represent bodies reduced to an elemental state. We require no more or less detail in order to read Cervera’s mark-making as figures in an expansive and featureless place.

 

JESSICA HOUSTON
« THIS MOUNTAIN »

Jessica Houston, Heritage Of All, 2017

Issue d’un séjour sur l’île de Baffin, la série This Mountain poursuit les réflexions de l’artiste new-yorkaise Jessica Houston quant à l’Arctique canadien et à la couleur (Horizon Felt, présenté en 2015 à Art Mûr, et I Colori di Corigliano, 2010). Dans cette exposition, l’artiste s’oppose à la conception idéalisée du Nord immaculé et la confronte à un environnement habité changeant au rythme du développement de l’industrie minière dans la région.

Jessica Houston’s most recent works look north. What is north? Where is it? Is it a fixed place, or something else? Her second solo show at Art Mûr brings together paintings, a sound sculpture, and chine collé prints, all of which reveal a fragile, fluid, and often fractured, north.

ED ATKINS @ dhc

« MODERN PIANO MUSIC »
20 avril au 3 sept | April 20 to Sept 3
vernissage 19 avril 17h30 | April 19 ~ 7:30PM
dhc-art.org

Ed Atkins crée des vidéos numériques générées par ordinateur qui mettent l’accent sur la réalité corporelle, analogique. Les vidéos présentées à DHC/ART ont l’étonnante capacité de nous ramener à notre corps, en dépit – ou peut-être en raison – de leur constitution numérique, immatérielle. Les animations elles-mêmes portent sur la représentation de choses, de sensations et d’expériences strictement physiques – un terrain affectif singulièrement humain incarné par des personnages animés par ordinateur étonnamment réalistes. De plus, par leur échelle imposante, les installations vidéo d’Atkins ont la faculté de déconcerter profondément le spectateur et de brouiller la distinction entre ce qui est vivant et ce qui ne l’est pas, entre ce qui se meut de son propre chef et ce qui est «animé».

Ed Atkins makes digital, computer-generated videos that emphatically stress corporal, analogue reality. The videos exhibited at DHC/ART have the startling ability to return us to our bodies despite – or perhaps because of – their bodiless, digital constitution. The animations themselves centre on representations of starkly physical things, sensations, and experiences – a singularly human affective terrain performed by uncannily realistic computer-animated surrogates. In combination with the imposing scale and volume of their installation, an Atkins video can profoundly unsettle the viewer, disturbing the distinction between what is alive and what is not, what moves of its own volition and what is ‘animated’.

I’VE ONLY KNOWN MY OWN @ optica

Commissaire : Nicole Burisch
21 avril au 10 juin | April 21 to June 10
vernissage 21 avril 18h00 | April 21 ~ 18h00
optica.ca

Nadège Grebmeier Forget, Murs de vent, 2016

NADÈGE GREBMEIER FORGET - AUTUMN KNIGHT - MICHELLE LACOMBE - URSULA JOHNSON - MIKHEL PROULX

I’ve Only Known My Own est une exposition collective qui explore sous quelles formes la matérialité du corps est représentée à travers le mesurage, le processus et la documentation. Les œuvres basées sur la performance qui font partie de ce projet renvoient et réagissent de plusieurs façons aux héritages du féminisme et de l’art conceptuel. Elles se penchent sur les manières dont la substance corporelle pourrait agir telle une force produisant ses propres systèmes (il-logiques) et dont cette matérialisation pourrait opérer en tant que forme de résistance. I’ve Only Known My Own examine également comment le corps physique pourrait être allié aux nouvelles technologies, être modifié ou amplifié par différents modes de communication, prendre des formes de présence médiatisée et susciter des questionnements sur la présentation et la diffusion de l’éphémère.

I’ve Only Known My Own is a group exhibition that explores how the materiality of the body is represented through measurements, process, and documentation. In many ways, the performance-based works included in this project reference and respond to the legacies of feminist and conceptual art. They reflect upon how the matter of the body might act as a force that generates its own (il/logical) systems, and how this material embodiment might function as a form of resistance. I’ve Only Known My Own also considers how the material body might intersect with new technologies, be altered or amplified through various modes of communication, take on forms of mediated presence, and activate questions around the presentation and dissemination of ephemera.

NELLY-ÈVE RAJOTTE @ fifa

« BLANC »
projection 31 mars 20h45 | March 31 ~ 8:45PM
cinematheque.qc.ca

Ouverture sur un cinéparc enneigé : un écran de cinéma blanc au centre du paysage invite le spectateur à s’y perdre. S’enchaîne une suite de déplacements robotiques aériens. Le sublime du paysage nordique canadien est survolé par un œil-machine, associé au point de vue du spectateur.  

The work opens onto a snow-covered drive-in: a white movie screen in the middle of the landscape, inviting viewers to lose themselves within its frame. What follows are a series of robotic aerial manoeuvres: an eye-machine hovers over the sublime Nordic countryside, in line with the viewer’s perspective.

SIMON DUMAS & MICKAËL LAFONTAINE @ topo

« CHŒUR(S) POUR CASTELET »
6 avril au 21 mai | April 6 to May 21
vernissage 6 avril 17h00 | April 6 ~ 5:00PM
agencetopo.qc.ca

Chœur(s) pour castelet est à la base une installation dont le cœur est fait de poésie. Dans la vitrine, au centre d’un petit plateau noir, se tiennent un certain nombre de personnages. Ce sont les habitants d’un castelet particulier, hommes et femmes, qui interpellent le visiteur.

« Viens ici. Psst, psst... Veux-tu entendre un poème ? »

Ce sont des poètes, du Québec et de la Belgique. Des présences poétiques différées et ramenées aux proportions du castelet. Lorsque, pour répondre à l’appel, les visiteurs s’approchent de la vitrine, les poètes récitent en même temps un flot de vers qui pourtant ne sont pas confus. Puis, graduellement, ils se cèdent mutuellement la parole. Les vers s’enchaînent, rapidement au début, puis plus lentement jusqu’à ce qu’un seul poète se fasse entendre. Il dit son poème — les autres le laissent dire — puis s’efface graduellement, laissant la place à une trame sonore et visuelle, un paysage faisant écho à la poésie. Puis le sol s'anime, le texte se fait visuel. Quand tombe le dernier mot du poète, les autres reviennent et interpellent de nouveau le visiteur.