ratsdeville

FRANCOISE ISSALY @ marie-uguay

« REMPLIR LE VIDE »
jusqu'au 29 oct | until Oct 29
accesculture.com/maisondelaculturemarieuguay

Au cours de l’été 2015, je suis partie faire une résidence de deux mois au CEAC (Chinese European Art Center) à Xiamen, en Chine. Lors de cette résidence j’ai exploré une nouvelle avenue de mon travail en réalisant une installation. Cette installation, constituée de papiers découpés, se développe dans l’espace et est in situ. Je travaille à partir de motifs abstraits réalisés à l’acrylique. J’utilise des médiums acryliques que je mélange afin d’obtenir la consistance qui me satisfait et je trace ainsi une série d’arabesques, abstrait, intuitifs, méditatifs, sur une feuille de vinyle. Une fois le médium sec, je décolle ces motifs et les utilise pour en faire des pochoirs qui me permettent de les transférer sur les papiers que je vais par la suite découper. Peintre dans l’âme, ce processus me rattache à l’action même de peindre, tout en me permettant d’extrapoler la notion de peinture, et, d’une certaine manière, de lui permettre de se manifester dans l’espace tridimensionnel.

LES GRANDS VOYAGEURS @ diagonale

Commissaire : Ann Stouvenel
1 sept au 7 oct | Sept 1 to Oct 7
artdiagonale.org

Vincent Chevillon, Lisières, 2014 ~ avec le soutien de la FNAGP

PATRICK BEAULIEU - VINCENT CHEVILLON - ERIC GIRAUDET DE BOUDEMANGE - RAPHAËLLE DE GROOT - KAPWANI KIWANGA - NADIA MYRE - ELÉONORE SAINTAGNAN - SÉBASTIEN RÉMY & CYRIL VERDE

Tout part d’un voyage, de l’idée même au déplacement physique. Des mers traversées aux populations rencontrées, du simple clic sur « envoyé » aux terres foulées, les artistes globe-trotteurs nous rapportent des histoires fabuleuses. Ces témoignages renvoient à des découvertes fortuites, au cours d’escales, ici et là, quelque part dans notre société globale et post-digitale. La curiosité pousse jusqu’à la collecte d’informations auprès de ceux qui peuvent le plus en témoigner. Le déplacement de ces récits, de leur lieu d’origine jusqu’à nous, est opéré pour l’occasion par ces grands voyageurs, naviguant dans les creux qui subliment la réalité.

Everything begins with a journey, from the idea itself to the physical displacement. From oceans crossed to populations encountered, from a simple click on “send” to treading on well-worn paths, globe-trotting artists are full of wonderful tales. These stories recall fortuitous discoveries made on stopovers, here and there, somewhere in our global and post-digital world. Curiosity leads to the collection of information from those who are most willing to share it. The transfer of these stories, from their point of origin to here, is led by these great travellers who navigate the depths that sublimate reality.

JIM HOLYOAK + LUKE PAINTER @ clark

jusqu'au 3 déc | until Dec 3
centreclark.com

 

JIM HOLYOAK
« THE THICKET »

Jim Holyoak, The Thicket (détail), 2016

Avec la collaboration sonore de Nick Kuepfer - C’est à la suite d’une résidence à Mumbai (Inde) que l’artiste Jim Holyoak a conçu The Thicket, dont le titre réfère à des touffes de végétation ou d’arbres serrés les uns contre les autres. Plus spécifiquement, l’artiste puise son inspiration des figuiers banians, ces derniers souvent utilisés comme sujet de dessin d’observation lors de son séjour en Inde. Cet arbre atteint parfois une taille énorme et se déploie de manière si complexe qu’il donne l’impression d’être une forêt à lui seul. Le figuier banian a pour particularité de créer sa propre architecture à travers un tronc dont les racines aériennes s’entremêlent les unes aux autres, créant alors un vaste réseau de lignes qui partent du ciel vers le sol.

With an audio piece by Nick Kuepfer - Following his artist residency in Mumbai (India), Jim Holyoak created The Thicket, whose title refers to tufts of vegetation or a dense growth of bushes or small trees. More specifically, the artist was inspired by the banyan fig trees that were frequent subjects for his observational drawings while in India. This tree often grows to an enormous size and in such complex ways that it can actually look like a forest itself. The banyan tree has the unusual characteristic of creating its own architecture through aerial roots that stem from its trunk and tangle with each other, forming a vast network of interconnected lines that reach downward from above.

 

LUKE PAINTER
« THE TEASERS AND THE TORMENTORS »

Luke Painter, The Teasers and the Tormentors, 2016

Luke Painter est connu pour ses dessins et ses animations qui prennent leur source dans l’art, l’architecture et le design. Ces références lui permettent de créer des univers uniques où s’entremêlent différents fragments issus des grands courants historiques et populaires. Avec The Teasers and the Tormentors, l’artiste poursuit cette exploration en s’appuyant sur l’histoire de la scénographie issue du cinéma, du théâtre et de spectacles d’illusion du XXe siècle. Le titre fait directement référence à des rideaux horizontaux et verticaux ajustables qui permettent de modifier l’ouverture architecturale de l’avant-scène, venant transformer la vision que le spectateur aura d’un tableau qui se déploie devant lui.

Luke Painter is known for his drawings and animations that are inspired by art, architecture and design. These references contribute to creating a unique universe where fragments of history and popular trends intermingle. With The Teasers and the Tormentors, the artist continues this exploration by delving into the history of scenography in film, theatre, and 20th century magic shows. The title is a direct reference to the moveable horizontal and vertical curtains used to reduce the opening at the forestage, thereby controlling how much of the scenery the audience is allowed to see.

YANN POCREAU + LIEVEN MEYER @ uqam

30 août au 8 oct | Sept 30 to Oct 8
vernissage 6 sept 17h30 | Sept 6 ~ 5:30PM
galerie.uqam.ca

 

YANN POCREAU
« PATRIMOINES »

Yann Pocreau, image tirée du diaporama Mémoires, 2016

Fruit d’un travail effectué dans le cadre du programme de résidence d’été de la Galerie de l’UQAM, l’exposition s’inscrit dans le contexte de la construction du nouveau Centre hospitalier de l’Université de Montréal (CHUM) en lieu et place de l’Hôpital Saint-Luc. En résulte un projet où dialoguent patrimoine matériel et immatériel, œuvres et objets, récits et artéfacts. Il ouvre les questions de l’art et de la santé, de la mémoire, de la lumière et de leurs impacts sur le bien-être. Afin d’explorer les idées soulevées par l’exposition Patrimoines, la Galerie de l’UQAM prévoit un programme d’activités parallèles comprenant une table ronde, un forum étudiant, ainsi que deux visites de l’exposition en compagnie de l’artiste.

 

LIEVEN MEYER
« AWAY FROM KEYBOARD »

Lieven Meyer, Away From Keyboard (détail), 2016, image tirée de l’installation vidéo

L’artiste y présente une installation vidéo explorant les nouvelles configurations de l’esthétique classique, en quelque sorte un "néoclassicisme 2.0", dans la culture numérique contemporaine des réseaux sociaux. Away from Keyboard questionne notre rapport aux idéaux, entre la matérialité de la sculpture et l’évanescence des identités développées en ligne.

Claire Moeder ~ visite d’atelier : Claire Hannicq

L’arbre qui cache la forêt
Première proposition d’une série de visites d’atelier, ce texte invite à une immersion dans un lieu à la suite d’un artiste et de ses recoins de création. Plutôt qu’une analyse ou une approche critique, il se veut un partage des affinités et des surprises rencontrées avec des artistes en passant la porte de leur atelier.

Photos : Claire Hannicq

Claire Hannicq est une jeune artiste française en résidence à la Fonderie Darling. Arrivée avec peu de matériel elle a agit avec des matériaux d’apparence simple. Durant 6 mois, elle a frappé une masse de plomb, brulé du papier photographique, carbonisé des branches, capturé l’obscurité de la forêt laurentienne. Ces gestes à la fois méticuleux et iconoclastes rendent l’évidence de la forme moins directe : quelque chose se passe et la matière n’est plus là, n’est plus simplement rendue visible. Dans l’atelier les indices du processus sont rares, peut être. Il y a peu de traces des actes de Claire Hannicq dans cet espace. Tout y semble être retenu et contenu dans un seul objet final, qui condenserait tous les gestes, contiendrait toutes les strates de temps déployé pour le créer. L’objet est là sur un socle ou contre un mur dans une apparition timide mais prometteuse : il est l’arbre qui cache la forêt.

VÉRONIQUE LA PERRIÈRE M. @ vidéographe

« LE SOUFFLE D'URANIE »
projection 22 oct 18h30 | Oct 22 ~ 6:30PM
videographe.qc.ca

Le Souffle d’Uranie, 2014, image extraite de la vidéo, vidéo HD, son et image, 9 min.

L’artiste présente une nouvelle phase d’un projet initié en 2012 intitulé La clinique alchimique, qui est en dialogue direct avec le triptyque du Jardin des délices de Jérôme Bosch. Adapte du mélange des médiums, des matières et des techniques, Véronique La Perrière M. offre au spectateur avec  Le Souffle d’Uranie toute la splendeur de la naissance et de l’évanescence de paysages cosmiques, à la fois figuratifs et abstraits.

“Dans un entrecroisement des médiums, ma pratique en vidéo entretient (…) un dialogue intime avec le dessin et ses processus. Conjointement avec l’image vidéo, j’utilise l’acte de dessiner comme un médium pour réfléchir au temps et à notre condition existentielle. La vidéo « Le souffle d’Uranie », réalisée lors d’une résidence d’artiste chez Vidéographe, s’inscrit dans cette rencontre entre la manipulation de l’image vidéographique et le dessin.

MARQUER L’ESPACE @ skol

« SKOOL 2014 - UN LABORATOIRE DE RECHERCHE EN DESSIN »
jusqu'au 22 août | until August 22
skol.ca

TIM MESSEILLER - SANTIAGO TAVERA - CHRISTINE GARVEY - MATTHEW-ROBIN NYE - CAMERON FORBES - BETH FREY

Historiquement, le dessin a surtout été considéré comme un outil préparatoire de planification et d’élaboration servant d’autres médiums. Depuis quelques années, nous assistons à un intérêt renouvelé pour le dessin, davantage considéré comme un médium souple et expressif. Le dessin peux désormais être un volet des arts performatifs, un médium topographique, un acte collaboratif ou encore le moteur d’une réflexion critique pour la recherche en art. Tout au long de l’été, l’équipe de SKOOL s’intéressera à différentes approches personnelles du dessin via diverses activités, incluant des discussions, des ateliers et une publication.

Historically drawing has been primarily recognized as a preparatory tool, an aid to planning and making within other mediums. In recent years, there has been a shift, presenting a new found interest in drawing as an agile and expressive medium in its own right. Drawing has been investigated as a performative tool, a medium for mapping, a collaborative action, and a critical form of research. Throughout the summer, the SKOOL team will examine their own diverse approaches to drawing through activities including discussions, workshops, and a publication.

BENNY MERRIS @ battat

« COMMENT PENSENT ( LES FORÊTS) »
jusqu'au 28 juin | until June 28
battatcontemporary.com

Benny Merris, An Other Another 9, 2014, impression au jet d'encre - inkjet print, 63.5 x 48 cm-25 x 19''

Benny Merris peint au cœur de la noosphère. Si vous vous demandez ce que peut bien être la noosphère, on peut la définir comme étant cette partie de la biosphère qui se trouve affectée par la pensée, l'activité, la culture et la connaissance humaine. Ici, les concepts de nature et de culture ne font pas que se rencontrer, ils se lient et évoluent simultanément, de manière symbiotique. Merris tâche d'imprégner ses œuvres d'une énergie équivalente. Ses références sont tant visuelles qu'elles peuvent découler du processus de création, et ses peintures, estampes et dessins reflètent ces intérêts par l'usage de la couleur, de la lumière et de la matérialité dont témoigne son travail.

Benny Merris is painting in the noosphere. If you're wondering just what the noosphere is, it's defined as that part of the biosphere that is affected by human thought, activity, culture, and knowledge. Nature and culture not only intersect here, they move together symbiotically. Merris imbues his artwork with similar energy. His references are visual as well as process-oriented, and his paintings, prints, and drawings manifest these interests in the way he considers color, light, and materiality in his work.

RENCONTRE NORD-SUD @ pfo

jusqu'au 8 mars | until March 8
pfoac.com

Jutai Toonoo, New Ice, 2012, conté on black paper, 76 x 111 cm

SHUVINAI ASHOONA - ED PIEN - TIM PITSIULAK - ITEE POOTOOGOOK - JUTAI TOONOO - PAPIARA TUKIKI

Rencontre Nord-Sud - un dialogue entre le travail d'Ed Pien issu de son séjour à Cape Dorset et les oeuvres d'artistes avec qui il a partagé les ateliers Kinngait. Ces artistes sont membres d'une nouvelle génération qui est en train de redéfinir l'art inuit. Cette rencontre de 3 semaines s'est faite dans le cadre de la résidence inaugurale du programme de résidence d'artistes Nord-Sud mis sur pied par le Groupe financier banque TD. Depuis les années 1960, la Banque Toronto-Dominion a développé un axe de collectionnement unique visant la création d'une collection d'art inuit de grande profondeur. Ce nouveau programme ajoute une dimension très pertinente que nous tenions à souligner. Alors que les artistes inuits continuent à préserver les traditions nordiques tout en s'adaptant à des modes de vie du Sud, le contact entre artistes comme Ed Pien qui se confrontent aux réalités propres au Nord élargit leur vision du monde et celles de ceux qu'ils rencontrent. La galerie tient à remercier Feheley Fine Arts avec qui il partage Centre Space à Toronto.

North-South Encounter - an exhibtion of works produced by Ed Pien during his time in Cape Dorset and of the artists with whom he shared the Kinngait studios. These artists are members of a new generation that is redefining Inuit art. This three week encounter took place as the inaugural North-South Visiting Artists Residency Program established by TD Bank Group. Since the 1960s the Toronto-Dominion Bank has developed an in-depth Inuit art collection. This exhibition highlights the dialogue and relevance of this new residence program. Inuit artists now continue to preserve Northern traditions while adapting to southern influences, spending time and working with artists like Ed Pien who are confronted by the realities these Inuit artists face, expanding worldviews mutually. The gallery would like to thank Feheley Fine Arts with whom it shares Centre Space in Toronto.

KENT MONKMAN @ mccord

« BIENVENUE À L’ATELIER »
jusqu'au 1 juin | until June 1
musee-mccord.qc.ca

Bienvenue à l’atelier : une allégorie de la réflexion artistique et de la transformation (détail), 2014, Acrylique sur toile © Kent Monkman

Dans le cadre de sa résidence, l’artiste de descendance crie de renommée internationale met en lumière la relation entre la photographie et la peinture. Pour ce faire, Kent Monkman a choisi d’explorer la collection des Archives photographiques Notman du Musée McCord – qui contient à elle seule près d’un million de photographies, dont près de 400 000 prises par le photographe William Notman (1826-1891) – afin de créer une installation originale. « Nous sommes particulièrement heureux d’accueillir Kent Monkman qui donne, à travers son œuvre allégorique, une nouvelle vie aux photographies de nos Archives Notman tout en nous invitant à réfléchir sur le contexte du travail de l’artiste. Voilà un merveilleux exemple de dialogue entre le passé et le présent, l’art actuel et l’histoire », a déclaré Suzanne Sauvage, présidente et chef de la direction du Musée McCord.

During his residency, this internationally renowned contemporary artist of Cree ancestry has focused his attention on the relationship between photography and painting. To this end, he turned to the McCord Museum’s Notman Photographic Archives – which alone contain almost one million photos, including some 400,000 taken by photographer William Notman (1826-1891) – to create an original installation. “We are particularly pleased to welcome Kent Monkman, who, through his allegorical piece, breathes new life into photographs from our Notman Archives and invites us to reflect on the notion of the artist’s mission. This result is a wonderful example of the dialogue between past and present, contemporary art and history,” stated Suzanne Sauvage, President and Chief Executive Officer of the McCord Museum.