ratsdeville

3 EXPOS @ fofa

jusqu'au 23 oct | until Oct 23
concordia.ca/fofa-gallery

 

NIKHIL CHOPRA
Commissaire Renee Baert & collectif CARGO: Commissaires regroupés
« LA PERLE NOIRE »

Nikhil Chopra, La Perle Noire: Le Marais, 2013, Justin Meekel and Loise Braganza. Image courtesy of GB Agency and the artist.

La toute première exposition en terre canadienne de l’artiste goan se déroulera dans la grande salle de la Galerie FOFA ainsi qu’au parc Jarry, à Montréal. Célèbre pour les performances de longue durée qu’il exécute aux quatre coins du monde, M. Chopra fait appel au théâtre, à la peinture, au spectacle, à l’art en direct et au dessin. Performance dessinée déployée sur 57 heures et plusieurs sites, La Perle Noire illustre d’éternels dilemmes comme l’identité et la différence ou l’exotisme et le quotidien. De même, elle explore les multiples valences associées à la notion de lieu.

The Goa-based artist is known for durational performances presented throughout the world which bridge theatre, painting, performance, live arts and drawings. This is his first Canadian exhibition. La Perle Noire is a 57-hour drawing performance inhabiting multiple spaces, and exploring questions of identity and difference, exoticism and the everyday, and the multiple valences of place.

 

AANCHAL MALHOTRA
« REMNANTS OF A SEPARATION »

Le projet de mémoire de maîtrise en beaux-arts d’Aanchal Malhotra, Remnants of a Separation, se veut une narration d’une histoire parallèle de la partition des Indes – devenues l’Inde et le Pakistan en 1947 – s’articulant autour de vestiges matériels. Ce projet consiste en une étude approfondie d’objets que les réfugiés ont emportés lorsqu’ils ont fui leurs maisons de part et d’autre de la frontière, ou qui n’ont jamais voyagé, mais ont survécu aux événements et existent encore aujourd’hui. Il s’agit également d’une exploration des récits personnels et collectifs des peuples du sous-continent, des vies et des familles des migrants, des circonstances qui les ont menés à partir et des conséquences de ces évènements.

Aanchal Malhotra’s MFA thesis project, Remnants of a Separation attempts to narrate an alternative history of the Partition of India [into India and Pakistan] in 1947, through material remnants. This project is an in-depth study of the objects that refugees either took with them when they fled their homes on either side of the border in 1947, or the objects that never migrated but have survived the event and still exist today. It is also an exploration of personal and collective histories of the people of the subcontinent; the lives and families of those who migrated, the circumstances that led them to do so and the consequences of this event.

 

YOSHIMI LEE
« LA FEMME MAISON »

Qu'est ce que la maison ? Pendant huit mois, Yoshimi Lee est devenue la première maison de Yulia. L'invasion d'un corps par un autre, la perte totale de contrôle, c'est tout simplement surréaliste.  Un corps rejetant l'autre, un corps envahissant l'autre, un corps prenant place, toute la place. La trop longue attente, se sentir forte, ne rien savoir, douter de tout, être sure que tout ira bien; on l'aime déjà. Yoshimi s'enfonce à créer un toit, un abri, une fondation, un lieu où grandir, où se disputer, où chanter.

Yoshimi Lee's exhibition La femme maison questions notions surrounding the home. She asks: is home the safe place where childhoods are spent? Is it the nostalgic site of our summer vacations? Or is home where we settle permanently once our adult years have arrived? For eight months, Yoshimi embodied Yulia's first house. The artist's transformation from body to house reconsiders the physical and emotional concepts of the home.  La femme maison represents the rebuilding a home, both an individual and collective undertaking, from foundation to roof, where one can grow, face challenges, or happily sing along.

LIEVEN DE BOECK @ fonderie darling

« LET US BE US, AGAIN AND AGAIN, AND ALWAYS »
Commissaire : Emmanuel Lambion
jusqu'au 23 août | until August 23
fonderiedarling.org

Présentation simultanée de deux installations qui se répondent tant formellement que conceptuellement. Le projet White Flags, est né en réaction à la visite que l’artiste fit au siège des Nations Unies à New York. Frappé par le déploiement strictement alphabétique des drapeaux des 192 états membres  de l’institution, De Boeck commença à s’interroger sur d’autres façons de les regrouper par affinités formelles. Il identifia ainsi 6 catégories de motifs (les abstraits, les croix, les cercles, les étoiles, les croissants, les figuratifs) avant de les classer par la suite sur le nombre de couleurs utilisées par drapeau. L’étape suivante fut d’éliminer toute valeur chromatique. Épurés, blanchis et comme métaphoriquement nettoyés, ces ersatz des étendards nationaux se voient à priori et de prime abord dépossédés de leurs spécificités et fonctions originales. Tout se passe comme si De Boeck avait en quelque sorte neutralisé les symboles et références religieux, historiques et idéologiques qu’ils portent en eux.

Two installations dialoguing together both formally and conceptually. The White Flags project follows the artists’ visit to the United Nations headquarters in New York. Struck by the strictly alphabetical deployment of the flags of the 192 member states of the institution, De Boeck began to question the ways in which the flags are grouped by formal affinities. He thus identified six categorical patterns – the abstract, crosses, circles, stars, crescents, and the figurative - before classifying them based on their number of colors to avoid the alphabetical classification. The second phase of the project was to eliminate any coloration and to create paper cut versions of the flags with as many layers as there are colors used. Purified and bleached, these ersatz national flags made of paper are expropriated from their original specificity and function. The ending result is as if de Boeck has somehow neutralized the flags symbols and religious references, as well as their historical and ideological meanings, all of which form, in part, their identity.

JOHN PLAYER + MICHEL HUNEAULT @ pfo

jusqu'au 20 juin | until June 20
pfoac.com

 

JOHN PLAYER
« NOUVEAUX TABLEAUX »

Le travail de John Player présente une vision sobre et détachée de la culture de surveillance. Une incessante défense par rapport à une menace inconnue mais constante est dévoilée dans des images glanées dans les médias de masse, dans les journaux et dans des archives, pour la plupart trouvés sur Internet. Ces images ont en commun une sorte d'esthétique du pouvoir et du contrôle, qui est aujourd'hui courante et même attendue, ainsi qu'une inertie paradoxale. L'obsession de la vitesse et du contrôle de la culture dominante est confrontée à la lenteur de la peinture; la banalité et la distraction de la technologie sont ici mises au défi par le soin de l'art pictural.

John Player's work presents a restrained and detached view of surveillance culture. Endless defense from an unknown but constant threat is unveiled in appropriated images from mass media, newspapers and archives found largely on the Internet. The imagery shares a kind of aesthetic of power and control, now commonplace and even expected, as well as a paradoxical inertia. Dominant culture's obsession with speed and control is confronted with the slow read of painting; the banality and distraction of technology challenged by painterly care.

 

MICHEL HUNEAULT
« 10 MINUTES À TOHOKU »

10 minutes à Tohoku est le volet vidéo de Post Tohoku, projet d'art documentaire transmédia de Michel Huneault, qui nous amène au Japon un an après le passage du tsunami de mars 2011. Le 11 mars cette même année, la côte pacifique de Tohoku au Japon a été frappée d'une triple catastrophe : tremblement de terre, tsunami, incident nucléaire. 15 879 morts, 6130 blessés, 2698 disparus, 128 884 édifices complètement détruits, 268 905 à moitié détruits, et 691 766 autres partiellement endommagés. Comment vivre près ou à l'intérieur même d'un paysage si traumatisé? Comment représenter et imaginer les impacts à long terme d'une telle catastrophe, pour en tirer du sens et des leçons? Est-ce que Tohoku se reconstruira, tant physiquement que dans notre imaginaire? Michel Huneault s'est rendu dans la région 14 mois après les événements avec ces questions en tête. 10 minutes à Tohoku est un montage de plans méditatifs tournés sur 250 km de la côte touchée par le tsunami, de Fukushima à Kesennuma.

Michel Huneault's 10 minutes at Tohoku is the video component of Post Tohoku, a transmedia art documentary project, bringing us to Japan one year after the 2011 tsunami hit the region. On March of that year, the Tohoku coast of Japan was devastated by a triple catastrophe: earthquake, tsunami, nuclear incident. 15 880 deaths, 2694 missing, 128 931 buildings destroyed. Michel Huneault travelled to Tohoku a year after the event with these questions in mind: How to represent the long term physical and psychological impacts of such a catastrophe, the trauma, the void? How to make sense of it while avoiding disaster porn? How to live near or in this scarred landscape for the years to come? Will Tohoku rebuild, physically and in our minds? 10 minutes at Tohoku is the resulting meditative video, shot along 250 km of the affected coast, from Fukushima to Kesennuma.

JULIE TAMIKO MANNING & MATT MIWA @ mai

« THE TASHME PROJECT: THE LIVING ARCHIVES »
jusqu'au 17 mai | until May 17
m-a-i.qc.ca

Mise en scène par Mieko Ouchi, The Tashme Project: The Living Archives  reconstitue le destin méconnu des Nisei, la deuxième génération de Canadiens d’origine japonaise marquée par l’internement forcé dans des camps pendant la Deuxième Guerre mondiale. Souvent occulté, ce chapitre de l’histoire canadienne revit grâce aux entrevues de vingt septuagénaires et octogénaires. De l’époque des camps jusqu’à aujourd’hui, c’est tout le parcours de ces Nisei qui est mis en relief, brisant le silence et la honte : les souvenirs de jeux et d’aventures dans les camps, l’injustice, la réinstallation dans la misère de l’après-guerre, les souvenirs des décennies suivantes.

The Tashme Project: The Living Archives pieces together the unknown stories of the Nisei, the second generation of Japanese Canadians. The piece brings to life the accounts of twenty members of this community, whose childhoods were impacted by the forced World War II internment. Often hidden, this chapter of Canadian history is revisited through interviews conducted by show creators Julie Tamiko Manning and Matt Miwa: memories of games and adventures in the camps, memories of injustice, deportation and resettlement in the painful post-war period, and memories of the decades that followed. The entire history of the Nisei, from the camps to present day, takes the stage, breaking silence and shame.

THE REBEL YELLS @ fofa

« DRESS AND POLITICAL RE-DRESS IN CONTEMPORARY INDIGENOUS ART »
Commissaires : Lori Beavis et Rhonda L. Meier
jusqu'au 29 mai | until May 29
concordia.ca/fofa

Shelley Niro, The Rebel, 2014 (originally printed in 1987)

SHELLEY NIRO - SONNY ASSU - LORI BLONDEAU - DANA CLAXTON - DAYNA DANGER - ROSALIE FAVELL - DAVID GARNEAU - TERRANCE HOULE - MERYL MCMASTER - MIKE PATTEN - SKAWENNATI

L’exposition examine l’impact de la photo The Rebel (« la rebelle ») de Shelley Niro. Véritable icône de l’histoire de l’art autochtone canadien, ce portrait dépeint la mère de l’artiste souriant gaiement, vêtue de façon décontractée et étendue comme une « pin‑up » sur le coffre de la voiture familiale, une AMC Rebel d’époque. Selon les conservatrices Lori Beavis et Rhonda Meier, cette image a marqué un tournant dans la politique de l’autoreprésentation autochtone et elle a influencé les générations subséquentes. Elles ont sélectionné dix autres artistes canadiens dont l’œuvre s’inspire de l’emblématique photo. Chacun d’eux aborde de son propre point de vue critique en tant qu'autochtone la problématique de la représentation dans le contexte politique tendu du pays. L’exposition permet ainsi de revisiter le débat sur les questions de représentation, de stéréotype et d’identité.

This exhibition explores the impact of The Rebel, a photograph by Shelley Niro. Now iconic in the history of Canadian Indigenous art, it captures Niro’s mother casually dressed and grinning mirthfully, reclined like a pin-up girl on the trunk of the family car, a vintage Rebel. Curators Lori Beavis and Rhonda Meier argue that The Rebel marked a key moment in the politics of Indigenous self-representation, and was influential for generations to come. In addition to Niro, they have selected ten artists from across Canada whose work has been influenced by The Rebel.   Each addresses the problematics of representation from their critical positions as Aboriginal people within the charged Canadian political landscape. The exhibition thus provides the opportunity to discuss issues of representation, stereotypes, and identity in a revitalized way.

XL3 @ espace 40

« COLOSSAL »
24 avril au 1 mai | April 24 to May 1
vernissage 24 avril 18h00 | April 24 ~ 6:00PM
espace40.com

Reno Hébert

ANDRÉ DEMERS - ANNE-MARIE BÉLANGER - BERTRAND LAVOIE - CHLOÉ SURPRENANT - DOMINIQUE DESBIENS - ETIENNE MARTIN - MICHEL PEDNAULT - BRUNO ROUYÈRE - JEAN-DANIEL ROHRER - PHILIPPE MAYER - SOPHIE WILKINS - MELSA MONTAGNE - BOB DESAUTELS - JULIE ROBINSON - ZOLTAN VEEVAETE - FRÉDÉRICK OUELLET - RENO HÉBERT - NADINE SAMUEL - CATHERINE MORIN - ROBERT TRÉPANIER - NATHAN BARTLEY - MATTHEW BELVAL - JEAN-MICHEL CHOLETTE - CLOCKSHOVEL - PASCAL LEO CORMIER - HARRY CORRIGAN - MÉLANY FAY - SÉBASTIEN GAUDETTE - JEAN-FRANÇOIS LABELLE - OLIVIER MARTINEAU

Forts du succès des deux premières éditions de ce rassemblement artistique hors du commun, les commissaires de ces expositions de type colossal ont sélectionné 30 artistes en arts visuels qui ont dû relever pour une troisième fois le défi de taille de créer des œuvres de formats surdimensionnés.

MORIDJA KITENGE BANZA + NATHALIE RODACH @ joyce yahouda

jusqu'au 9 mai | until May 9
joyceyahoudagallery.com

 

MORIDJA KITENGE BANZA
« BANQUE DU CANADA »
Commissaire : Pierre Beaudoin

Banque du Canada 100 $, 2015, impression numérique sur papier

« Moridja Kitenge Banza est un passionné d’histoire, tant dans sa pratique artistique que dans sa vie de tous les jours. Pour l’artiste, les faits passés et documentés jouent un rôle primordial dans la détermination du caractère, de l’identité et de l’âme d’une nation. […]

« In his practice as in his everyday life, Moridja Kitenge Banza is a passionate history buff. For the artist, the documented events of the past play an essential role in determining a nation’s character, identity, and soul. […]

 

NATHALIE RODACH
« CRIS ET FÉMINITÉS »

2013, Encre sur film de radiologie

Nathalie Rodach interroge le rapport de l’Homme à son destin. Pour l'exposition Cris et Féminités, elle  tisse des liens entre le spirituel, l’organique et le trivial. Dans la série Féminités, Rodach explore des chemins de vie et brode les interrogations de la femme.

Nathalie Rodach questions the relationship between Man and his fate. For the exhibition Cris et Féminités, Rodach weaves links between the spiritual, the organic, and the trivial. In the series Féminités (Femininities), through weaving, Rodach explores life’s paths and the questioning of women.

TALK SHOW @ sbc

28 fév au 25 avril | Feb 28 to April 25
vernissage 28 fév 19h00 | Feb 28 ~ 7:00PM
sbcgallery.ca

Talk Show, 2015, CC BY-SA 3.0. Phrontis.

JAMES BALDWIN - CALEB BEHN - LAUREN BERLANT - NADINE BLUMER - MATHIEU BOUCHARD - BERTOLT BRECHT - WILLIAM F. BUCKLEY JR. - JENNIFER CHAN - ALAN CONTER - HEATHER DAVIS - PIP DAY - LIVIA DAZA-PARIS - LES ENTREPRENEURS DU COMMUN - DOMINIQUE FONTAINE - MICHAEL HARDT - ROB HORNING - GUILLAUME LAMBERT - CLARICE LISPECTOR - CHRIS LLOYD - STÉPHANE MARTELLY - JAKE MOORE - HUEY P. NEWTON - JEAN-PIERRE PROULX - RONALD ROSE-ANTOINETTE - PAIGE SARLIN - MOLLY SAUTER - ATIF SIDDIQI - PABLO SIGG - WILL STRAW - FLORENCE TISSOT - SYLVIE TISSOT - ERIC TSCHAEPPELER - CHEYANNE TURIONS - LUC TUYMANS - SAELAN TWERDY - NATALIE VANSIER - JACKIE WANG - DANIEL WEINSTOCK

Talk Show est une exposition et une série d’évènements sur l’art et la politique de la conversation. Organisée par el instituto (Mexico D.F.), cette suite prolonge l’œuvre Talk Show (2012) originale et son exploration du rôle de la parole, de la figure contestée du témoin et des représentations de la constitution du sujet, ainsi que sur la configuration de sa politique.

>> programmation

Talk Show is focused on the art and politics of conversation. Organized by el instituto (Mexico City), the sequel expands on the original Talk Show (2012) and its exploration of the roles of the speech act, of the contested figure of the witness, and of testimonials in the constitution of the subject and the configuration of the political.

>> schedule

WORLD OF MATTER @ ellen

Commissaires : Krista Lynes et Michèle Thériault
20 fév to 18 avril | Feb 20 to April 18
vernissage 20 fév 18h00 | Feb 20 ~ 6:00PM
ellengallery.concordia.ca

Peter Mörtenböck and Helge Mooshammer, A World of Matter, 2014. Carte murale, collection de documents d'archives, textes, photographies, vidéo / Wall map, collection of archival documents, texts, photographs, video. Avec le concours des artistes / Courtesy of the artists

MABE BETHÔNICO - URSULA BIEMANN & PAULO TAVARES - FRAUKE HUBER & UWE H. MARTIN - PETER MÖRTENBÖCK & HELGE MOOSHAMMER - JUDY PRICE - LONNIE VAN BRUMMELEN & SIEBREN DE HAAN

Exposer l’écologie des ressources rassemble sept œuvres produites par World of Matter, un projet de recherche artistique et médiatique international qui porte sur les matières premières (fossiles, minérales, agraires et maritimes) et les écologies complexes dont elles font partie. Mis sur pied par un groupe interdisciplinaire de praticiens et de théoriciens du visuel, World of Matter se veut une réponse à l’urgent besoin de nouvelles formes de représentation faisant passer les débats concernant les ressources naturelles d’un domaine gouverné par les lois du marché à des plateformes ouvertes au discours public et engagé.

Exposing Resource Ecologies brings together seven works produced by World of Matter, an international art and media project investigating primary materials and the complex ecologies in which they are embedded. Initiated by an interdisciplinary group of visual practitioners and theorists, World of Matter responds to the urgent need for new forms of representation that shift resource-related debates from a market driven domain to open platforms for engaged public discourse.

 

IANIK MARCIL ~ esthétique de la résistance

Est-ce que la beauté sauvera le monde ? Voilà la question que le philosophe Christian Nadeau, professeur à l’Université de Montréal, a posé à quelques « panélistes » et participants au premier événement d’un cycle de cinéma politique qu’il anime à la Cinémathèque de Montréal sous le beau titre « Esthétique de la résistance », en hommage au roman de Peter Weiss.
*Ce texte est issu de la réflexion que j’ai élaborée pour préparer ma petite intervention lors de ce premier événement du cycle le 22 janvier dernier.

Ryohei Kan, White Cube - 08, Acrylic on canvas, 2012, Tokyo Wonder Site

Depuis que je tiens cette chronique dans ratsdeville, en 2011, j’ai soutenu que l’art n’est de l’art que lorsqu’il est politique – en fait, c’est mon postulat normatif de base. En ce sens, le reste n’est que décoration ou divertissement, ce qui n’enlève rien à la valeur de la décoration ni du divertissement, qui peuvent être de grande qualité, et qui n’empêche pas non plus qu’il y ait de l’art de mauvaise qualité. Ce postulat ne participe pas uniquement que d’une volonté de catégorisation (pour répondre à la question « qu’est-ce que l’art ? ») mais bien à celle de fonder un raisonnement éclairé sur la capacité à l’art d’effectivement changer le monde, à transformer notre vie collective. Quels sont les usages politiques de l’art, dans ce contexte ?

Autrement dit, il s’agit de répondre à la question : quelles œuvres sont en mesure de modifier les dynamiques collectives, d’influencer les mouvements sociaux. Quelles sont les modalités permettant que l’art soit un agent de changement social ? Lors que Dostoïevski pose sa célèbre question « Quelle beauté sauvera le monde ? » dans L’Idiot, il s’intéresse précisément à ces modalités. Hyppolite ne demande pas, en effet, au prince Mychkine si la beauté sauvera le monde, mais bien laquelle pourrait y arriver.