ratsdeville

JÉRÉMIE ST-PIERRE + TEHATIKONHSATATIE @ frontenac

jusqu'au 3 juin | until June 3
facebook.com/McFrontenac

 

JÉRÉMIE ST-PIERRE
« SPECTRES »

Jérémie St-Pierre, Ils regardent un film, 2017, acrylique sur toile, 183 cm x 152,5 cm. Photographe : Valériane Noël

L’exposition jette un regard critique sur les bouleversements globaux engendrés par les mouvements migratoires humains, de ses causes à ses effets. St-Pierre s’interroge sur les bouleversements sociaux qui ont un impact sur les enjeux politiques et territoriaux dans des contextes où les conditions de survie sont de plus en plus extrêmes. Par un travail en peinture motivé par des stratégies de défiguration, Jérémie St-Pierre met en évidence de nouveaux espaces psychologiques, à la limite de l’hallucination, en réaction à la déprédation du monde face à l’anéantissement des valeurs humanistes.

 

BABE HEMLOCK & CARLA HEMLOCK
« TEHATIKONHSATATIE : POUR CELLES ET CEUX QUI NOUS SUIVRONT »
Commissaire : Hannah Claus

Babe et Carla Hemlock, Continuance, 2015. Photographe : Stephen Lang

Tehatikonhsatatie offre un panorama de la démarche singulière des artistes kahnawakeró:non (de Kahnawá:ke) Carla Hemlock et Babe Hemlock, avec une sélection de leurs œuvres majeures. Le couple d’artistes transcende les matières coutumières en créations d’art contemporain, fidèles au vécu et aux valeurs des Kanien'kehá:ka (nation Mohawk) et inspirées par la riche histoire de leur peuple. On y retrouve les thèmes des légendaires Équilibristes du Ciel (Skywalkers), bâtisseurs des gratte-ciels qui structurent nos villes ; le jeu de la crosse transmis aux Haudenosaunee (« peuple des maisons longues ») comme médecine régénératrice, ainsi que la résilience des familles face au colonialisme gouvernant les territoires appelés Canada. Une présentation du Printemps autochtone d’Art 3, biennale multidisciplinaire orchestrée par les Productions Ondinnok.

CLINT NEUFELD + RENATO GARZA CERVERA + JESSICA HOUSTON @ art mûr

6 mai au 17 juin | May 6 to June 17
vernissage 6 mai 15h00 | May 6 ~ 3:00PM
artmur.com

 

CLINT NEUFELD
« GRID ROADS AND A DEAD MAN’S HAND »

Clint Neufeld, Three Deuce’s, 2010

Le sculpteur Clint Neufeld propose un ensemble de huit œuvres créées entre 2011 et 2016. Sept objets et une vidéo qui ont comme dénominateur commun la céramique, les moteurs et la domesticité. Pour fabriquer ses sculptures en céramique, Neufeld procède d’abord par moulage direct de différentes composantes de moteurs choisis. Il transpose ensuite ces dernières en céramique en pratiquant par coulage. Après avoir appliqué les glaçures, il effectue la cuisson des composantes.

The title of Clint Neufeld’s ceramic incarnation of a Detroit diesel engine, Screaming Jimmy, the first time we met in that field I knew you were the one (2016), now in the collection of the Remai Modern, speaks volumes. That a diesel engine should have a nickname—Screaming Jimmy—is emblematic of the artist’s practice of using objects that come with baggage, with their own histories; and too, it references the stories Neufeld finds reflected back at him, an anthropology by engine. The title also chronicles Neufeld’s first compelling encounter with the (real) Detroit diesel, what the artist describes as something not more complicated than a recognition of beauty, and a desire to share with others the rethinking of the engine as aesthetic object.

 

RENATO GARZA-CERVERA
« HUMAN TIDES (HUMAN CONFLICTS II) »

Renato Garza Cervera, Human Tides (Conflicts II), 2017

L’œuvre de Renato Garza Cervera, multidisciplinaire et multiforme, porte un regard critique sur les sociétés contemporaines, mettant entre autre en lumière la marginalisation systémique de groupes sociaux (Fun Enhancers, Of Genuine Contemporary Beast) et les phénomènes d’appropriation culturelle (Springbreaker Tsantsas). Par des corpus traversés d’ironie, l’artiste élabore une recherche sur la notion d’identité, développée par de constants allers-retours entre l’identification et la différenciation, entre la proximité et la distance, où la monstration de l’autre, si étranger soit-il, semble aussi être un appel à s’y reconnaître.

When does a line on a page become figurative? The series of drawings by Mexican artist Renato Garza Cervera entitled Human Tides (Conflicts II) satisfies this question: each vertical line assumes a human body; each horizontal line provides its shadow. The drawings, created with India ink on cotton paper, represent bodies reduced to an elemental state. We require no more or less detail in order to read Cervera’s mark-making as figures in an expansive and featureless place.

 

JESSICA HOUSTON
« THIS MOUNTAIN »

Jessica Houston, Heritage Of All, 2017

Issue d’un séjour sur l’île de Baffin, la série This Mountain poursuit les réflexions de l’artiste new-yorkaise Jessica Houston quant à l’Arctique canadien et à la couleur (Horizon Felt, présenté en 2015 à Art Mûr, et I Colori di Corigliano, 2010). Dans cette exposition, l’artiste s’oppose à la conception idéalisée du Nord immaculé et la confronte à un environnement habité changeant au rythme du développement de l’industrie minière dans la région.

Jessica Houston’s most recent works look north. What is north? Where is it? Is it a fixed place, or something else? Her second solo show at Art Mûr brings together paintings, a sound sculpture, and chine collé prints, all of which reveal a fragile, fluid, and often fractured, north.

KAREN TAM @ sightings

« SOUVENIRS FROM THE JASMINE CAFÉ »
jusqu'au 17 juin | until June 17
ellengallery.concordia.ca/sightings

Karen Tam, Souvenirs from the Jasmine Café, 2017. Photo : Karen Tam

Dans Souvenirs du Jasmine Café, je revisite mon intérêt de longue date pour les restaurants chinois. J’y propose une installation d’objets et de documents provenant de ma collection d’objets-souvenirs de restaurants chinois datant des années 1920 aux années 2000, combinés avec des « artefacts » et des souvenirs plus récents que j’ai créés. Le restaurant chinois nord-américain est un terrain fertile pour réfléchir aux enjeux relatifs à la race, à la politique de l’exposition et à la représentation. C’est une archive et une collection vivantes de nourriture, de concepts, d’images, et d’objets produits et consommés par ceux et celles qui y travaillent et/ou qui y mangent. L’évolution de ces établissements peut être tracée au moyen d’objets éphémères connexes qui s’adaptent aux goûts changeants au fil des décennies.

In Souvenirs from the Jasmine Café, I revisit my long-time interest in the Chinese restaurant and propose an installation display of objects and documents from my collection of Chinese restaurant memorabilia that date from the 1920s to the 2000s along with newer restaurant ‘artifacts’ and souvenirs I have created. The North American Chinese restaurant is a fertile ground for the investigation of issues concerning race, the politics of display and representation. It is a living archive and collection of food, conceptions, images, and objects produced and consumed by those who work and/or eat there. The evolution of these establishments can be charted through their associated ephemera as they have adapted to suit shifting tastes over the decades.

CHERYL SIM @ popop

« YMX: Migration, Land, and Loss after Mirabel »
29 mars au 13 avril | March 29 to April 13
vernissage 1 avril 15h00 | April 1 ~ 3:00PM
galeriepopopgallery.com

Inspired by the acquisition of two Solari split-flap information displays from Mirabel Airport by Matt Soar, Associate Professor of Communication Studies at Concordia University, Sim’s exhibition speaks to the parallel stories of displacement and forced migration: those dispossessed of their land to build the airport and the thousands of people who arrived at Mirabel escaping war, disaster, or economic adversity. Continuing her immersive installation practice and single-channel video work, Sim enlivens the intersecting narrative lines that run through the airport: of belonging and escape, the force of borders and the perpetuation of colonialism. A labyrinth of crowd control stanchions leads to the memories of Pierre Nepveu, Prem Sooriyakumar, and Kim Thuy: three experiences of Mirabel. Sim’s video work weaves together these voices—both exproprié and refugee—together with archival footage of the airport and the protests that followed its creation.

PRENDRE PLACE @ mai

16 au 25 mars | March 16 to 25
20 $ / performance*
60 $ : accès illimité
m-a-i.qc.ca

Martin O'Brien performing If it Were the Apocalypse I'd Eat You To Stay Alive at Toynbee Studios

• 16 mars: The Sign - Chun Hua Catherine Dong (Montréal) – 20h
• 17-18 mars: I stand in - Julie Vulcan (Sydney, Australie) – 18h
• 17-18 mars: It’s not a thing - keyon gaskin (Portland, Oregon) – 20h
• 23 mars: Make a line - Francisco-Fernando Granados (Toronto) – 19h
• 23 mars: 50 Bulbs - Hee Ran Lee (New York, Séoul) – 20h
• 24 mars: Lectures on flesh and death - Francis Marion Moseley Wilson (Oberlin, USA, Glasgow, UK) – 19h
• 24 mars: If I were The Apocalypse - Martin O’Brien (Londres, R.-U.) – 21h
• 25 mars: Uroborus - La Pocha Nostra (San Francisco) – 20h
  

*À l’exception des performances de Julie Vulcan et de Francisco-Fernando Granados qui sont présentées gratuitement 

La quête identitaire est souvent nourrie par un besoin de trouver un lieu auquel nous appartenons. En 2017, la notion de lieu sera capitale au Canada. Les récits ayant particulièrement trait à l'appartenance et à la cohésion sociale revêtiront une importance cruciale. Prendre sa place est une série portant sur les arts performatifs qui réunit sous un même toit huit artistes exceptionnels issus des quatre coins du monde au moment précis où la notion de lieu devient singulièrement pertinente. Adresse, géographie, attachement territorial. Communauté. La série Prendre sa place a en outre été conçue pour faire référence aux droits civils et aux mouvements de libération qui ont trait à l'inclusion. Il s'agit de prendre sa place au moment où la notion d'équité est toute aussi déterminante. Intersection, identité sociale et frontières indéfinies.

The search for who we are is often fuelled by a need to find a place where we belong. The notion of place in Canada in 2017 will be significant. Narratives particular to belonging and to social cohesion will be critical. Taking Place is a performance art series conceived as a means to group together eight significant performance artists from around the globe under one roof precisely at a time when the notion of place becomes especially relevant.  Place as address, as geography, as territorial attachment. Community. Taking Place was also conceived as a means to reference civil rights and liberation movements, of inclusiveness. Taking one’s place at a time when the notion of equity is equally as climacteric. Intersection, social identity and indefinite borders.

NIKOLAI KUPRIAKOV & STÉPHANIE BROSSEAU @ artus

« L’EXIL ET À LA LIBERTÉ D’EXPRESSION »
10 mars au 5 avril | March 10 to April 5
vernissage 10 mars 18h00 | March 10 ~ 6:00PM
ebama.ca/galerie-artus

Dans le contexte d‘une lutte acharnée contre la discrimination des artistes professionnels du Québec, Nikolai Kupriakov produit en 2013 une œuvre contestataire où figure le portrait de la juge Claudine Roy en excréments. Il est immédiatement réprimé par la police du Québec. Ainsi, sa lutte contre la discrimination se transforme en lutte pour la Liberté d‘expression. Nikolai Kupriakov se voit obligé de s’exiler, et sa femme, Stéphanie Brosseau, aussi artiste-peintre, le suit. Lors de leur séjour dans différents pays, ils créent des œuvres et des performances dans lesquelles le principal sujet s’articule autour de leur exil, la liberté d’expression et les droits fondamentaux. De retour au Québec, ils présentent cette exposition de tableaux qui se veut la synthèse de leur exil.

mot de l'éditeur | word from the editor

Au printemps 2016, Simon Beaudry, qui complétait sa maitrise, m'a approché pour faire une capsule vidéo autour de son travail, à l'occasion d'une exposition à grand déploiement au Centre d’art Diane-Dufresne. Le projet ratsdeville@montréal était terminé ou tout du moins sur pause longue durée. Je me suis dit que nous pouvions tout de même faire une rencontre et publier le résultat sous un format XYZ. S’en est suivi un entretien fleuve sur sa pratique hybride, entre son statut d'artiste et celui de professionnel de la publicité, à cheval entre une démarche esthétique foisonnante et une réflexion politique au cœur de tout ce qu'il touche.

© Photo : Philippe Richelet, Véhicule et scalp, une pratique artistique en mutation, présenté au centre d’art Diane-Dufresne, Repentigny, 2016. Entretien entre Simon Beaudry et Éric Bolduc.

Suivez ce lien pour savoir tout (ou presque) sur Simon.

PAULINE BOUDRY & RENATE LORENZ + GRAHAM FAGEN @ uqam

24 fév au 8 avril | Feb 24 to April 8
galerie.uqam.ca

 

PAULINE BOUDRY & RENATE LORENZ
« SILENT »
en collaboration avec la Biennale de l’image en mouvement (Genève) - direction artistique : Andrea Bellini
commissaires : Caroline Bourgeois, Cecilia Alemani et Elvira Dyangani Ose

Pauline Boudry & Renate Lorenz, Silent, 2016. Permission Centre d’art contemporain de Genève.

Silent débute par l’interprétation de 4’33’’ de John Cage (1952). Convenant à n’importe quel instrument, la partition indique à la personne qui la performe de ne rien jouer pendant les 30 secondes, 2 min 23 s et 1 min 40 s que dure chacune des trois parties. Dans l’installation de Boudry & Lorenz, la musicienne Aérea Negrot interprète 4’33’’ sur une plateforme tournante installée dans un lieu public de Berlin, l’Oranienplatz, occupé entre 2012 et 2014 par un camp de réfugiés protestataires. Aérea Negrot chante ensuite une pièce composée spécialement pour le film.

Silent starts with an interpretation of John Cage‘s score 4´33´´ (1952). The score is conceived for any instrument and instructs its performer not to play their instrument during the entire duration of the three parts of 30s, 2m 23s and 1m 40s.  In the Boudry and Lorenz installation, the musician Aérea Negrot performs the score on a rotating stage placed on Oranienplatz, a public square in Berlin where a refugee protest camp took place between 2012 and 2014. In a second part of the film, she performs a song, which has been composed for the occasion.

 

GRAHAM FAGEN
« COMPLAINTE DE L'ESCLAVE »
commissaire : Louise Déry

Complainte de l’esclave propose un ensemble d’œuvres de l’artiste multidisciplinaire Graham Fagen sur le thème de l’esclavagisme et de l’implication écossaise dans le sort des populations africaines déportées dans les Caraïbes au 18e siècle. Les dessins présentant l’aspect de masques ou de portraits, les photographies de paysage marin ainsi que l’imposante installation vidéographique et musicale réunis dans cette exposition explorent les tensions et les émotions provoquées par le colonialisme et la traite des esclaves noirs. Alors que les manifestations de réconciliation et de rédemption nous mobilisent aujourd’hui de manière sensible par rapport à l’asservissement économique et à l’oppression culturelle des peuples – qu’ils soient autochtones, issus de l’immigration ou soumis aux formes actuelles d’une servitude sournoise –, le questionnement national et identitaire que pose Graham Fagen s’érige avec une rare pertinence sur une critique de l’héritage culturel et social.

The exhibition The Slave’s Lament presents works by the multidisciplinary artist Graham Fagen on the theme of slavery and Scottish involvement in the fate of African people deported to the Caribbean in the 18th century. The drawings, with the look of masks or portraits, the seascape photographs and the imposing video and music installation shown here explore the tensions and emotions brought about by colonialism and the African slave trade. Today considerable feeling has been mobilized with the aim of reconciliation and redemption for the economic servitude and cultural oppression of peoples – whether aboriginal, the product of immigration or subject to current insidious forms of servitude. Fagen’s questioning of nationality and identity, however, is based on a particularly pertinent critique of the cultural and social heritage.

ISABELLE HAYEUR @ rendez-vous du cinéma québécois

« SILENT SPRING »
projection 24 fév 21h30 | Feb 24 ~ 9:30PM
UQAM ~ Judith-Jasmin ~ Jean-Claude Lauzon : 1564 Saint-Denis

Cette vidéo est inspirée par l'ouvrage de la biologiste américaine Rachel Carson, Silent Spring (1962), qui est connue pour avoir contribué à l'interdiction du pesticide DDT, ainsi qu'à l'émergence du mouvement écologiste. Par le biais de métaphores visuelles, l'œuvre fait allusion aux problèmes causés par l'industrialisation, en évoquant son impact sur la santé, les écosystèmes et le climat.

This video was inspired by American biologist Rachel Carson's book Silent Spring (1962), which is famous for having contributed to the ban against the pesticide DDT, as well as to the emergence of the environmental movement. Using visual metaphors, this work alludes to the problems caused by industrialization, by evoking its impact on health, ecosystems and climate.

VICTORIA STANTON @ dare-dare

« REGARDER LA LIGNE D’HORIZON DE MONTRÉAL DISPARAÎTRE »
rencontre 24 fév 15h00 | Feb 24 ~ 3:00PM
métro Georges-Vanier : 2040 St-Antoine Ouest

En tant que résidente du sud-ouest de Montréal, j’emprunte souvent la piste cyclable qui borde le canal Lachine pour me rendre en plusieurs points de la ville, à la fois à l’est et au nord. Durant les six dernières années, j’ai vu rapidement le paysage urbain se transformer, un condo à la fois. La vue sur l’horizon de la ville – autrefois une particularité attrayante de ce parcours – est en train de disparaitre. Dans ce qui est probablement la ‘non-action’ la plus désespérée de la série Ne Rien Faire, vous êtes invités à vous rassembler avec moi près du Canal, pour regarder ensemble (et faire le deuil) de la disparition de la silhouette de la ville. Présenté dans le cadre du projet L’Édifiante secte de rien (n’)est sacré.

As a resident of the Southwest in Montreal, I often take the bike path along the Lachine Canal to get to several points across the city both east and north. In the short six years I’ve been living down here, with each new condo development going up, the cityscape – a once prominent and attractive feature of this path – has been basically vanishing. In what I think is probably my most despairing of non-actions in the collected moments of Doing Nothing, you are invited to come to the Canal and stand with me, as we collectively watch (and mourn) the disappearing skyline. Presented by DARE-DARE as part of the project The Sanctimonious Sect of Nothing is Sacred.