ratsdeville

GABOR SZILASI @ mccord

« LE MONDE DE L’ART À MONTRÉAL, 1960-1980 »
jusqu'au 29 avril | until April 29
musee-mccord.qc.ca

Irene F. Whittome et Guido Molinari au vernissage de l’exposition d’Irene F. Whittome à la Galerie Martal, Montréal, octobre 1973, Épreuve à la gélatine argentique (2017)

L'exposition réunit 43 photographies, en noir et blanc, provenant de la collection de l’artiste. De ce nombre, 40 sont inédites et ont été imprimées spécialement pour l’occasion. Réalisées lors de vernissages d’expositions et autres manifestations artistiques qui ont eu lieu à Montréal entre 1960 et 1980, les photographies choisies se succèdent selon l’ordre chronologique et immortalisent des visages, des lieux, et l’effervescence de la scène artistique montréalaise en une période de grands bouleversements sociaux et culturels. Dans un style documentaire spontané, elles représentent le monde artistique à une époque où l’art commençait à s’affirmer au Québec. Au cours des années 1960 et 1970, le milieu des arts a en effet connu un essor et une diversification sans précédent. Les images de Szilasi reflètent l’élégance discrète du début des années 1960, qui cède petit à petit la place à l’atmosphère d’enthousiasme débridé de la fin de la décennie. Celle-ci se transforme en une ambiance d’irrévérence décontractée avec l’arrivée des années 1970.

The exhibition presents 43 black and white photographs from the artist's personal collection, 40 of which have never been published and were printed especially for the occasion. Taken at exhibition openings and other artistic events held in Montreal between 1960 and 1980, the selected photographs are presented in chronological order and immortalize the faces, places and vitality of Montreal's art scene at a time of social and cultural upheaval. Shot in a spontaneous documentary style, they capture the art scene of the 1960s and 1970s, a period of unprecedented growth and diversification when art was coming into its own in Quebec. Szilasi's images show the restrained elegance of the early 1960s, which slowly gave way to an atmosphere of unbridled enthusiasm by the end of the decade, before settling into a mood of relaxed irreverence in the 1970s.

LEONARD COHEN @ mac

« UNE BRÈCHE EN TOUTE CHOSE »
Commissaires : John Zeppetelli et Victor Shiffman
jusqu'au 9 avril 2018 | until April 9, 2018
macm.org

Jon Rafman, Legendary Reality, 2017, installation vidéographique à simple écran, couleur, son stéréo, 20 min, en boucle, incluant sièges de salle de cinéma. Permission de l’artiste, de la Sprueth Magers, Los Angeles, et de la Galerie Antoine Ertaskiran, Montréal. Commandée par le Musée d’art contemporain de Montréal.

KARA BLAKE - CANDICE BREITZ - DAILY TOUS LES JOURS - JANET CARDIFF ET GEORGE BURES MILLER - CHRISTOPHE CHASSOL - TACITA DEAN - THOMAS DEMAND - KOTA EZAWA - GEORGE FOK - ARI FOLMAN - CLARA FUREY - JENNY HOLZER - JON RAFMAN - MICHAEL RAKOWITZ - ZACH RICHTER - SHARON ROBINSON - CARLOS AND JASON SANCHEZ - TARYN SIMON

Véritable exposition multidisciplinaire où se mélangent arts visuels, réalité virtuelle, installations, performances et musique, Leonard Cohen – Une brèche en toute chose / A Crack in Everything propose au public des œuvres inédites conçues par des artistes locaux et internationaux qui s’inspirent de l’univers, des grands thèmes de la vie et de l’œuvre de Leonard Cohen. L’exposition explore également la manière dont son grand accomplissement a touché et inspiré des artistes, dont elle est entrée dans le dialogue culturel, dont elle a coupé profondément dans le vif du corps politique. L’exposition propose par ailleurs des installations multimédias contextuelles, conçues spécifiquement par le MAC, dans un environnement immersif à écrans multiples mettant en lumière cinquante années de Cohen en spectacle et une merveilleuse exploration des mécanismes de sa pensée dans une installation majeure qui porte sur la voix parlée de Cohen en entretien. Inutile de dire que Leonard Cohen était rarement banal et que de le regarder et de l’écouter demeurent un plaisir

A truly multidisciplinary exhibition combining visual art, virtual reality, installations, music and writing, Leonard Cohen: Une brèche en toute chose / A Crack in Everything offers the public a collection of new works created by local and international artists who have been inspired by Leonard Cohen’s life, work and legacy. The exhibition also explores how Cohen’s vast achievement became part of the cultural conversation and cut deeply into the marrow of the body politic. The exhibition also offers contextual multimedia installations specially conceived by the MAC, including an immersive multi-screen environment highlighting five decades of Cohen’s concert performances and a brilliant multi-screen exploration of his thoughts and the workings of his mind in an installation concentrating on Cohen in interview and in his own speaking voice. Needless to say, Leonard Cohen was seldom banal, and always a joy to behold and listen to.

NADIA MYRE @ mbam

« TOUT CE QUI RESTE – SCATTERED REMAINS »
Commissaire : Geneviève Goyer-Ouimettte
15 nov au 27 mai | Nov 15 to May 27
mbam.qc.ca

Code Switching (Pipe Beads), 2017, impression numérique. Avec l’aimable concours du CARCC et d’Art Mûr

L'exposition dévoile en première canadienne Code Switching, une série produite dans le cadre de la résidence de l’artiste à la Fonderie Darling en 2016-2017, sous le parrainage du MBAM. L’exposition regroupe une vingtaine d’œuvres – photographies et sculptures – de l’artiste, réalisées entre 2000 et 2017. Cette présentation du MBAM s’inscrit dans le cadre d’Elles Autochtones une saison particulière consacrée à des artistes femmes autochtones contemporaines. Nadia Myre est membre de la nation algonquine Kitigan Zibi Anishnabeg. Dans ses œuvres, elle revisite l’histoire officielle des peuples autochtones ainsi que leurs luttes politiques et sociales. Elle juxtapose judicieusement son expérience personnelle à celle d’autrui. Grâce à cette approche, ses œuvres sont fortement empreintes de symbolisme, incitant à la contemplation et à la réflexion. Le travail de Nadia Myre s’inscrit dans une démarche participative et aborde essentiellement les thèmes de l’identité, du langage, du désir et de la mémoire. Telles des témoins d’échanges culturels entre peuples, les œuvres rassemblées dans TOUT CE QUI RESTE – SCATTERED REMAINS marquent la rencontre entre Autochtones et Européens.

IL ÉTAIT UNE FOIS… LE WESTERN @ mbam

Commissaire : Mary-Dailey Desmarais
14 oct au 4 fév | Oct 14 to Feb 4
mbam.qc.ca

Wendy Red Star (née en 1981), Été indien, de la série Quatre saisons, 2006, épreuve à développement chromogène. Collection Brian Tschumper. Avec l’aimable concours de l’artiste

Cette exposition pluridisciplinaire offre une lecture inédite du cinéma western en considérant ses liens avec les arts visuels (peinture, sculpture, photographie) depuis le milieu du XIXe siècle à nos jours. La création, la transmission et la transformation du mythe western en Amérique, aux États-Unis comme au Canada, y sont étudiées. Plus de 400 peintures, sculptures, installations, photographies, artéfacts, photogrammes et extraits de films rendent compte de l’évolution du genre marqué par un dialogue incessant entre les beaux-arts et le cinéma. Initié par le Musée des beaux-arts de Montréal, ce projet est produit par le MBAM et le Denver Art Museum (DAM).

IL ÉTAIT UNE FOIS… LE WESTERN célèbre la beauté du western et expose également ses versants plus sombres. Elle aborde certains préjugés envers les peuples des Premières Nations que le western a contribué à perpétuer, et explore des thèmes reliés à des questions toujours actuelles telles que la violence, la représentation stéréotypée des genres, les relations interraciales et l’acceptation de la différence. Elle entend démontrer à quel point l’art a le pouvoir à la fois d’entretenir et de remettre en cause les croyances les plus répandues. 

This multidisciplinary exhibition offers a new interpretation of the Western film genre by examining its links to the visual arts (painting, sculpture, photography) from the middle of the 19th century to today. This exhibition studies the creation, transmission and transformation of the Western myth in North America, in both the United States and Canada. Over 400 paintings, sculptures, installations, photographs, artefacts, film stills and excerpts show how the genre has evolved through ongoing dialogue between the fine arts and cinema. Initiated by the MMFA, the exhibition is co-produced with the Denver Art Museum (DAM).

ONCE UPON A TIME … THE WESTERN celebrates the beauty of the Western while revealing some of its more sombre aspects. It deals with certain prejudices against the peoples of the First Nations that it helped to perpetuate, and explores themes related to questions that are still current today, such as violence, the stereotypical representation of the sexes, interracial relationships, and the acceptance of difference. It shows the extent to which art has the power to both maintain and challenge the most widespread beliefs.

FIN DES EXPOS @ maj

navette : 17 sept 12h00 | Sept 17 ~ 12:00PM
museejoliette.org

 

ISABELLE HAYEUR
« DÉPAYSER »

Que reflètent les paysages qui nous entourent? Par qui sont-ils façonnés? Que révèlent-ils de nos modes de vie? Autant de questions que l’exposition de l’artiste photographe et vidéaste Isabelle Hayeur soulève en tentant de dresser un état des lieux. Reflet d’un monde globalisé, la sélection d’images et de vidéos, issues de trois différentes séries réalisées au Québec et en Europe, donne au spectateur l’occasion de saisir les enjeux propres à l’aménagement des territoires et s’intéresse au devenir des lieux et des communautés concernées. Les œuvres présentées illustrent des transformations qui remodèlent les territoires et le quotidien, tant à l’échelle locale, provinciale, qu’internationale. Elles soulignent les mutations récentes de nos habitats et de nos sociétés et soulèvent des préoccupations et des questions communes concernant l’écologie, l’urbanisme et l’aménagement.

 

« LABORATOIRE DE L'INTIME »
Commissaire : Laurier Lacroix

Ozias Leduc, Nature morte, oignons, 1892, huile sur toile, 36,5 x 45,7 cm. Don des Clercs de Saint-Viateur

Sans palier à une relecture de l’ensemble de l’œuvre d’Ozias Leduc (1864-1955), le Musée d’art de Joliette (MAJ) souhaite jeter un nouveau regard sur un aspect de sa production qui est en lien avec d’autres aspects de son travail. Dans ce but, le MAJ se penche sur un aspect significatif de son travail en réunissant ses natures mortes autour de l’une des œuvres maîtresses de sa propre collection, Nature morte, oignons (1892). En début de carrière, Leduc s’intéresse particulièrement à ce genre pictural réalisant treize natures mortes entre 1887 et 1899. Il revient ultérieurement à deux reprises sur ce sujet et intègre à de multiples occasions des natures mortes dans des compositions religieuses et des scènes de genre. Il prend comme sujet des objets familiers qui se trouvent dans son atelier.

 

DEAN BALDWIN
« PERFORMANCE »

À travers des installations artisanales originales, l’artiste s’intéresse aux habitudes de consommation des Nord-Américains. Il met ainsi en scène des univers propices aux rencontres et à la convivialité dans lesquelles il propose habituellement aux participants de consommer de la nourriture ou des boissons. Il étudie et documente les interactions provoquées par la consommation et le partage et invite, par la même occasion, les spectateurs à s’interroger sur leurs comportements et habitudes de vie.

 

OLIVER LARIC
« TOUS DROITS RÉSERVÉS »

La démocratisation d’Internet et l’apogée des réseaux sociaux ces dernières années ont ouvert un accès illimité à la connaissance et favorisé la circulation en libre accès de données de toutes sortes. Outil propice à la création, Internet est devenu une source d’inspiration esthétique sans limites et autosuffisante, permettant à plusieurs artistes de développer de nouvelles pratiques. S’inscrivant dans cette voie, la recherche artistique d’Oliver Laric questionne le devenir des droits d’auteurs et de la propriété intellectuelle dans un contexte dominé par les principes du partage et de l’appropriation.

MNÉMOSYNE @ mbam

Commissaire : Geneviève Goyer-Ouimette
jusqu'au 8 avril 2018 | until April 8, 2018
mbam.qc.ca

 

REBECCA BELMORE

Rebecca Belmore, Mixed Blessing, 2011, veste en coton, cheveux synthétiques, perles, Hydrocal. MBAM, achat, fonds commémoratif Louise Lalonde-Lamarre. Photo MBAM, Denis Farley et Jean-François Brière

 

CATHERINE BOLDUC

Catherine Bolduc, Tentative d’évasion, 2016, film polyester translucide, lampes à DEL, lecteur MP3, haut-parleurs, table, tables tournantes, chaise, objets divers. Trame sonore de Kerim Yildiz. Prêt, collection particulière. Photo MBAM, Jean-François Brière

 

DAN BRAULT

Dan Brault, S’attarder dans la demeure du temps (Vanitas), 2016, acrylique et huile sur toile. MBAM, achat, don de R. Fournelle. Photo MBAM, Christine Guest

 

EDMUND ALLEYN - JACK CHAMBERS - PIERRE DORION - KAREL FUNK - MANON LABRECQUE - MATHIEU LEFÈVRE - KARINE PAYETTE - MICHAEL SNOW - MARION WAGSCHAL - KIM WALDON - N.E. THING CO. (IAIN & INGRID BAXTER)

 

Une exposition qui fait dialoguer l’art européen moderne et ancien avec l’art contemporain québécois et canadien. Cette présentation propose un parcours-découverte ponctué de rencontres entre des œuvres nouvellement déployées dans le Pavillon pour la Paix Michal et Renata Hornstein et des installations, sculptures, peintures et photographies de 14 artistes québécois et canadiens d’aujourd’hui. Chacune de ces œuvres contemporaines exposées dans le Pavillon Jean-Noël Desmarais est librement associée à un tableau issu de la collection d’art international du Musée présentée dans le Pavillon pour la Paix Michal et Renata Hornstein – des œuvres signées Paulus Bor, Valentin de Boulogne (dit Valentin), Pieter Bruegel le Jeune, Salvador Dalí, Claude Gellée (dit Claude Lorrain), Jan Fyt, Sigmund Holbein, Eugène Isabey, Jacques Linard, Claude Monet, N. L. Peschier, Pieter van Roestraten, Jacques Sablet le Jeune ou Jean-Joseph Taillasson. 

An exhibition that establishes a dialogue between modern and ancient European art and contemporary art from Quebec and Canada.  The presentation provides a way to uncover unexpected encounters between the works on display in the new Michal and Renata Hornstein Pavilion for Peace and the installations, sculptures, paintings and photographs by 14 contemporary artists from Quebec and Canada. The contemporary works exhibited in the Jean-Noël Desmarais Pavilion were each freely associated with paintings in the Museum’s international art collection presented in the Michal and Renata Hornstein Pavilion for Peace by Paulus Bor, Valentin de Boulogne (known as Valentin), Pieter Brueghel the Younger, Salvador Dalí, Claude Gellée (known as Claude Lorrain), Jan Fyt, Sigmund Holbein, Eugène Isabey, Jacques Linard, Claude Monet, N. L. Peschier, Pieter van Roestraten, Jacques Sablet the Younger and Jean-Joseph Taillasson.

ADEL ABDESSEMED @ mbam

« CONFLIT »
17 fév au 7 mai | Feb17 to May 7
mbam.qc.ca

Adel Abdessemed, Cri, 2013, ivoire, 138 × 111 × 60 cm © Adel Abdessemed /SODRAC (2016). Photo Dylan Perrenoud.

De notoriété internationale, l’artiste franco-algérien Adel Abdessemed (né en 1971) convoque dans cette exposition deux icônes universelles, deux enfants victimes de la guerre. Le garçon anonyme photographié par un SS dans une rafle du Ghetto de Varsovie est devenu symbole de l’extermination des juifs d’Europe et de la violence nazie. Ambassadrice de bonne volonté pour l’UNESCO, établie au Canada depuis 1994, Kim Phuc fut tristement surnommée « Napalm Girl » et rendue célèbre par une photographie de l’agence Associated Press prise lors d’un bombardement durant la guerre du Viêtnam. Ces deux images sont maintenant des emblèmes de la souffrance liée à la guerre. Documents devenus monuments, les deux sculptures Cri (2013) et Mon enfant (2014) d’Abdessemed questionnent la force de ces images totémiques dans le champ d’un chaos visuel déversé par Internet.

CAR LE TEMPS EST LA PLUS LONGUE DISTANCE ENTRE DEUX ENDROITS @ mac

commissaire : Marie-Eve Beaupré
jusqu'au 12 mars | until March 12
macm.org

 

NICOLAS BAIER

Nicolas Baier, Trou noir, 2005, impression jet d'encre, 1/2, 109.9 cm x 143.8 cm. Collection Musée d'art contemporain de Montréal

 

ERIC CAMERON

Eric Cameron, Alarm Clock (3295), de la série Thick Painting, 1979 – 1994, 3295 demi-couches d'enduit acrylique sur réveille-matin, 43 x 46 x 17 cm. Collection Musée d'art contemporain de Montréal

 

SERGE TOUSIGNANT

Serge Tousignant, Le Long voyage, 1986, épreuve à développement chromogène, 4/5, 120.5 x 126.8 cm. Don de l'artiste. Collection Musée d'art contemporain de Montréal

 

SARAH SZE

Sarah Sze, Measuring Stick, 2015, projecteurs vidéo, ventilateur, éclairage, miroirs, bois, pierre, illustrations d’archives, haut-parleurs, acier inoxydable, ballon, sable, fruit, œuf, plastique, papier hygiénique, feuille d’aluminium, herbe. Collection Giverny Capital. Photo : Richard-Max Tremblay

 

Cette exposition qui rassemble une vingtaine d’œuvres s’inscrit dans le cycle Tableau(x) d’une exposition, une nouvelle série de projets développés à partir des œuvres de la Collection. La présentation intitulée « Car le temps est la plus longue distance entre deux endroits » (Tennessee Williams, 1944) rassemble des œuvres qui expriment notre besoin de définir notre rapport au temps et à l’espace et qui révèlent la propension des artistes à vouloir en faire image, de l’infiniment grand à l’infiniment petit.

This exhibition of around twenty works is part of the cycle Pictures for an Exhibition, a new series of projects based on works from the Collection. The presentation titled “For time is the longest distance between two places” (Tennessee Williams, 1944) features works that express our need to define a typology for our relationship to time and space, and that reveal artists’ propensity to want to depict this relationship, from the infinitely large to the infinitely small.

WILLIAM NOTMAN @ mccord

« NOTMAN, PHOTOGRAPHE VISIONNAIRE »
Comissaire : Hélène Samson
jusqu'au 26 mars | until March 26
musee-mccord.qc.ca

Wm Notman & Son, Mlle Evans et des amies, 1887, négatif sur verre inversé © Musée Mccord

Grande exposition thématique sur la vie et l’œuvre de ce Montréalais, le premier photographe canadien à atteindre une réputation internationale et pionnier de la photographie au Canada au 19e siècle. L’ensemble de son œuvre, avec ses paysages d’est en ouest et ses portraits, a contribué à construire l’identité nationale canadienne. L’exposition réunit quelque 300 photographies et objets puisés essentiellement dans la collection du Musée McCord. Proposant un point de vue renouvelé sur la carrière de William Notman (1826-1891), cette présentation s’articule autour des aspects de la personnalité de l’artiste qui ont contribué à son immense succès. Elle met en lumière son approche moderne de la photographie, fondée sur les principes de la communication, de la gestion et de l’innovation. Si les épreuves d’époque sont au cœur de l’exposition, des installations multimédias et des dispositifs interactifs s’y greffent pour offrir à un public contemporain une information dynamique permettant de mieux saisir la notion de modernité au 19e siècle.

BNLMTL 2016

« LE GRAND BALCON »
Commissaire Philippe Pirotte
19 oct au 15 jan | Oct 19 to Jan 15
ouverture 17 au 21 oct | Oct 17 to 21
macm.org
mbam.qc.ca
lelivart.com
sat.qc.ca
lachapelle.org
galerie.uqam.ca
lastation

 

ANNE IMHOF

 

CELIA PERRIN SIDAROUS

 

HAEGUE YANG

 

LUIS JACOB

 

MOYRA DAVEY

 

NICOLE EISENMAN

 

NJIDEKA AKUNYILI CROSBY

 

SHANNON BOOL

 

HAIG AIVAZIAN - HÜSEYIN BAHRI ALPTEKIN - KNUT ÅSDAM - ERIC BAUDELAIRE - THOMAS BAYRLE - NADIA BELERIQUE - VALÉRIE BLASS - MICHAEL BLUM - DINEO SESHEE BOPAPE - ELAINE CAMERON-WEIR - CHRIS CURRERI - EM’KAL EYONGAKPA - GEOFFREY FARMER - ISA GENZKEN - LIAO GUOHE - LENA HENKE - JUDITH HOPF - IMPURE FICTION - MYRIAM JACOB-ALLARD - BRIAN JUNGEN - JANICE KERBEL - HASSAN KHAN - MEIRO KOIZUMI - DAVID LAMELAS - ZAC LANGDON-POLE - TANYA LUKIN LINKLATER - KERRY JAMES MARSHALL - COREY MCCORKLE - NATHALIE MELIKIAN - LUZIE MEYER - JOE NAMY - SHAHRYAR NASHAT - CADY NOLAND - CAMILLE NORMENT - PME-ART/JACOB WREN - MARINA ROSENFELD - CAMERON ROWLAND - BEN SCHUMACHER - WALTER SCOTT - BENJAMIN SEROR - FRANCES STARK - THIRTEEN BLACK CATS - LUKE WILLIS THOMPSON - DAVID GHERON TRETIAKOFF - LUC TUYMANS - MIES VAN DER ROHE - XU ZHEN / MADEINCOMPANY

 

Le Grand Balcon s’inspire librement de la pièce Le Balcon, de Jean Genet, qui fait de cette plateforme un espace de contestation entre la révolution et la contrerévolution, la réalité et l’illusion. Figure récurrente de l’écriture de Genet, le balcon est un lieu où la représentation peut être perversement troublée. Pour Genet (et pour de nombreux autres écrivains, dont Shakespeare) le balcon est aussi un topos de la galanterie amoureuse : un cadre privilégié mais ambigu qui rapproche les tourtereaux tout en les tenant à distance. C’est un dispositif du désir et un espace théâtral qui articule la relation complexe entre le dedans et le dehors, le haut et le bas. Le balcon est également assujetti à un régime particulier de visibilité, où une personne peut se mettre en scène de façon dramatique et afficher à la fois pouvoir et vulnérabilité.

Le Grand Balcon draws loosely on Jean Genet’s Le Balcon, in which the play’s high porch is a space of contestation between revolution and counter-revolution, reality and illusion. A recurring motif
 in Genet’s writing, his balcony is a place where representation itself can be perversely troubled. For Genet (and for many other writers, including Shakespeare) the balcony is also a topos of amorous flirtation: a privileged but ambiguous space that brings lovers closer while keeping them apart. It is a desiring apparatus and a theatrical space that articulates the complex relationship between inside and outside, up and down. The balcony is also subject to a particular regime of visibility, a space where a person can dramatically stage herself, with power and vulnerability on display.