ratsdeville

PAPIER @ hangar 16

22 au 24 avril | April 22 to 24
ouverture 22 avril 12h00 | April 22 ~ noon
Hangar 16 - Quai de l'Horloge - Vieux Port de Montréal
papiermontreal.com

 

Jacynthe Carrier, #4 de la série Brise glace (2015) – galerie antoine ertaskiran

 

David Elliott, Metaphysical Garden (2016) – Galerie Joyce Yahouda

 

Guy Maddin, Big Hat (2015) – Lisa Kehler Art + Projects

 

Kent Monkman, Study for ‘The Death of Hyacinthus’ (1) (2007) – Pierre-François Ouellette art contemporain

 

Michael Batty, Holding Pattern No. 4 (2004) – Franc Gallery

 

Jessica Houston, Crossing the Line (2015) – Art Mûr

 

Philippe Caron-Lefebvre, Dreaming of electric palm trees (2015) – Galerie Nicolas Robert

 

Kristopher Karklin, Motel, Camp Life Series (2011) – Barbara Edwards Contemporary

 

Art45 - Battat Contemporary - Beaux-arts des Amériques - Christopher Cutts Gallery - dc3 Art Projects - Feheley Fine Arts - Franc Gallery - Galerie 3 - Galerie Bernard - Galerie D’Este - Galerie Division - Galerie Dominique Bouffard - Galerie Eric Devlin - Galerie Graff - Galerie Hugues Charbonneau - Galerie Jean-Claude Bergeron - Galerie Michel Guimont - Galerie René Blouin - Galerie Robert Poulin - Galerie Roger Bellemare et Christian Lambert - Galerie Simon Blais - Galerie Trois Points - Galerie Youn - Laroche/Joncas - Lisa Kehler Art + Projects - Olga Korper Gallery - Parisian Laundry - Patrick Mikhail Gallery - Paul Petro Contemporary Art - Station 16 - Studio 21 Fine Art - TrépanierBaer Gallery

DAVID TOMAS @ artexte

« PROPOSÉ AUX ENCHÈRES »
Volet 1
jusqu'au 26 oct | until Oct 26
artexte.ca

David Tomas, NOW, 2013

L’exposition Proposé aux enchères, en deux volets, aborde les caractéristiques de l’encan d’art contemporain à travers les catalogues d’encan. L’exposition explore également la nécessité des artistes à maintenant considérer l’encan comme point de référence majeur dans le développement de leurs pratiques.

Si la collection d’Artexte comprend un large éventail de sources d’information, constituées essentiellement de catalogues, de livres d’artistes, d’œuvres sur papier et de documents de presse, elle compte toutefois peu de catalogues de vente aux enchères ou de sources témoignant de l’importance des ventes aux enchères et du marché de l’art dans la production de connaissances liées à l’art contemporain. Et c’est justement cette lacune qui a incité Artexte à collaborer avec David Tomas dans un élan de réflexion et d’autocritique sur notre collection actuelle. En quoi cette lacune est-elle révélatrice des relations et des tensions ambiguës existant entre les personnes qui produisent et recueillent les connaissances liées à l’art et celles qui les commercialisent et les vendent? Ce projet, qui s’inscrit dans la volonté d’Artexte de fournir des renseignements fiables sur l’art contemporain, se donne pour cadre cette omission — la vente aux enchères et le marché — pour considérer ces actions distinctes, quoique similaires, de collecte d’information et de collection d’objets d’art.

Consigned for Auction explores some of the parameters of the contemporary art auction from the point of view of the auction catalogue. This two-part exhibition also focuses on the possibility that artists must now treat the auction as a primary reference point in the development of their practices.

Artexte’s collection comprises a wide range of information sources including, but not limited to, catalogues, artist books, works on paper and press materials. However, it contains few art auction catalogues or sources pertaining to the role of the auction and art market within the production of knowledge about contemporary art. This void encouraged Artexte to present this project by David Tomas as an act of reflexivity and auto-critique of the current collection. How does this particular gap reveal the ambivalent relationships and tensions between those who produce and collect knowledge about art and those who market and sell it? Within Artexte’s commitment to provide reliable information about contemporary art, this project explores an omission – the auction and market – as a frame in which the distinct yet similar acts of collecting information and collecting art objects can be considered.

IANIK MARCIL ~ l'art, liant et déliant

À compter de cette semaine, ratsdeville fait relâche pour l’été. Je profite donc de cette dernière chronique de la saison pour faire un petit récapitulatif de mes chroniques publiées cette année, depuis septembre dernier.

Ambrosius Bentsoen, Mary Magdalene, vers 1530, huile sur panneau de chêne

La motivation première de ces chroniques était de réfléchir au rôle des arts visuels dans notre vie politique et économique. Au fil de ces dizaines de chroniques, l’une de mes préoccupations majeures a été d’identifier les conditions d’existence de l’œuvre d’art dans la société et son impact sur le lien social. D’un point de vue économique, le marché, comme espace de transaction et de fixation de la valeur, permet, dans nos économies, l’existence sociale de l’œuvre d’art. Hors marché, point de salut, en quelque sorte (La chambre des merveilles 12 octobre). Cela étant dit, la réalité du monde des arts visuels présente une grande complexité. Ainsi, le marché, et plus spécifiquement le prix de l’œuvre, établit un contexte d’appréhension pour l’œuvre, pouvant en faire changer le statut lorsq’une œuvre inconnue est authentifiée comme étant le travail d’un grand maître (Une croûte signée Renoir 14 sept.) ou qu’on la « découvre » parce qu’elle avait été cachée depuis longtemps (L’œuvre cachée 16 nov.).

Car l’œuvre d’art possède des caractéristiques singulières, quasi mystiques – à tout le moins, mystérieuses – particulièrement pour son propriétaire, ou tout simplement pour le spectateur. Ceux-ci cherchent, dans l’œuvre, dans l’objet, une forme d’authenticité. Acquérir une œuvre, c’est aussi acheter une portion de l’authenticité du geste de l’artiste (L’art sauvage 30 novembre). Cette quête d’authenticité bien contemporaine – et qui dépasse largement le strict contexte des arts – rend toujours actuelle la question du statut de l’œuvre à « l'époque de sa reproductibilité technique », pour reprendre le titre du célèbre texte de Walter Benjamin (Création et machines créatrices 1er février). Parallèlement, la diffusion, via le web, d’une quantité de plus en plus importante d’œuvres majeures, notamment par le « Google art project », pose la question non plus de l’authenticité de l’œuvre mais de celle de l’expérience esthétique (Le diable est dans les détails 12 avril).

IANIK MARCIL ~ la chambre des merveilles

Ceci est ma 50e chronique. Au cours de la dernière année et demi, j’ai cherché à l’intersection de l’économique, du politique et de la réflexion esthétique à identifier les contours de ce qu’on pourrait appeler l’espace économique et politique des arts visuels.

Jan van der Heyden, Room Corner with Curiosities, circa 1712, Oil on canvas

Diverses disciplines de l’esprit apportent des éléments de réponses variés à cette question, de la sociologie à la philosophie en passant par l’histoire des institutions. Mais la pensée économique semble caractérisée, dans son histoire, par un mutisme complet sur la question, comme je l’ai montré à plusieurs reprises.

Ce mutisme s’explique autant par la nature même du raisonnement économique que par celle de la production artistique. Réflexion sur les termes, les dynamiques et les configurations des échanges transactionnels de marchandises – bien d’avantage que sur ceux de la production – la pensée économique se retrouve souvent inadéquate à appréhender la nature unique de l’œuvre d’art. La valeur, monétaire et esthétique, de cette dernière ainsi que le rôle prépondérant de l’institutionnalisation de sa pratique sont à ce point éloignés de ceux des marchandises ordinairement étudiées par la science économique qu’on ne peut utiliser l’outillage intellectuel standard de la discipline.

IANIK MARCIL ~ une croûte signée Renoir

On a appris ces derniers jours qu’un petit tableau de Renoir a été acheté il y a quelques temps dans un marché aux puces non loin de Washington. L’œuvre, dont on avait perdu la trace, faisait parti d’un lot vendu 7$ avec une vache en plastique et une poupée, qui intéressaient davantage l’acheteuse que le « Paysage Bords de Seine » du célèbre peintre français.

David LaChapelle - After the Deluge: Museum

L’intérêt de ce genre d’histoires, dont on entend parle de temps à autre, réside dans son contexte. Comment une œuvre (même mineure) de l’un des artistes les plus réputés de l’histoire de l’art a pu se retrouver, telle une mauvaise croûte, au milieu d’une vente de marché aux puces entre une vache en plastique et une poupée ? Dans le cas qui nous occupe, il ne s’agit pas d’une œuvre inconnue : elle était répertoriée au catalogue raisonné officiel de Renoir et on en avait perdu la trace depuis le début du 20e siècle.

Pourtant, les qualités intrinsèques et caractéristiques de la toile demeureront les mêmes au moment où elle sera vendue à l’encan pour plusieurs dizaines de milliers de dollars. Un Renoir reste un Renoir. C’est pure spéculation, mais il y a fort à parier que le vendeur et l’acheteur du marché aux puces auraient eu une opinion esthétique fort différente sur le même « Paysage Bord de Seine » s’il avait été exposé dans un grand musée ou à la salle des encans de Sotheby’s.

IANIK MARCIL ~ l'enfer des beaux-arts

En ces temps de triomphe de la pensée utilitariste, deux forces en apparence contradictoires émergent comme contrepoids : l’appel de l’authenticité et celui du superflu.

Deux mouvements qui contraignent la création en société. Deux contraintes au cœur de la dynamique sociale. La marchandisation des beaux-arts, à sa plus simple expression, ramène à ces deux dynamiques.

Franciszek Żmurko, Przeszłość grzesznika - Siedem grzechów głównych (La passé du pécheur - Les sept péchés capitaux) 1895 

D’une part le désir de relation avec l’authentique, cette part des anges qui, comme dans la fabrication du cognac, représente la perte minime qui donne toute son importance à ce qui reste. Qui a-t-il d’autre, au fond, dans cette œuvre que je contemple que cette portion évanouie de la créativité – celle-là même que je cherche à retrouver dans le sous-texte, derrière le tableau, dans l’intention du créateur, dans un zeitgeist qui m’échappe ?

Pourtant la matérialité commerciale de l’œuvre la déplace dans un espace autre, celui qui me permet de l’appréhender – et, même, de l’acheter. Le superflu, figure de la possession, de l’appropriation de l’acte créatif. Voie royale vers l’inatteignable pour le collectionneur, le spectateur, le voyeur.

L’œuvre comme portion congrue de l’accès à une transcendance dans l’objet transigé, superfétatoire acquisition dans l’accumulation quotidienne. Recherche vaine, donc. Puisqu’elle ne comblera jamais, mais jamais, l’espoir d’authenticité, fracassé sur le mur du superflu de la marchandise artistique.

IANIK MARCIL ~ fiction du marché

Un thème récurrent de la bientôt cinquantaine de chroniques que j’ai publiées dans ce webzine jusqu’à maintenant consiste à poser la question : qu’est-ce qu’une œuvre d’art, du point de vue économique ?

Thomas III de Saluces, Place du marché, Le Chevalier errant, France (Paris), vers 1400-1405. Paris, BnF, département des Manuscrits, Français 12559, fol. 167

Le problème central de l’histoire de la pensée économique des arts et de la culture – je crois l’avoir démontré dans la série de treize chroniques que j’ai consacrées à cette histoire – est précisément celui de la nature de l’œuvre d’art. Car a priori, rien ne distingue cet objet – si nous nous limitons aux beaux-arts – de n’importe quelle marchandise : ni sa composition matérielle, ni son processus de fabrication ni celui de sa vente. Pourtant, son unicité, sa valeur marchande et le caractère singulier de son producteur font en sorte que l’œuvre d’art ne cadre pas dans le schéma analytique de la pensée économique classique, et plus spécifiquement de celle du marché.

Deux grandes traditions de réflexions nous informent parallèlement sur la nature de l’œuvre d’art. D’une part, la théorie esthétique, à travers des critères normatifs appuyés par une anthropologie philosophique, une généalogie, une philologie, une ontologie ou une métaphysique détaille les contours de ce qu’est légitimement une œuvre d’art. De son côté, la sociologie détermine empiriquement ce que les groupes sociaux, les communautés ou les cultures désignent par œuvre d’art, au sein d’institutions diverses (du langage au musée en passant par la reconnaissance par les pairs ou par le Prince).

 La pensée économique semble partagée – comme c’est incidemment souvent le cas – entre ces deux versants. L’analyse du marché de l’art doit-elle déterminer a priori ce qu’est une œuvre d’art afin de définir son objet d’étude ou, plutôt, simplement considérer le marché de l’art comme donné (as a given) tel que le reconnaissent les agents qui y participent ? 

IANIK MARCIL ~ l'inquiétante étrangeté

NB: Cette chronique est la dernière d'une série de réflexions que je consacre à l'histoire de l'économie politique des arts et de la culture:

Penser l'économie des arts (présentation du projet)

1. Le Beau politisé (Platon et Aristote)
   
2. Le paradis sur Terre (la Renaissance et Bernard de Mandeville)
   
3. Les passions partagées (David Hume et le 18e siècle)
   
4. L'artiste contre l'industrie (Adam Smith et l'utilité économique de l'art)
   
5. L'empathie du spectateur impartial (Adam Smith et le partage de l'expérience esthétique)
6. Lumières des arts (Turgot et le rôle de l'État)
7. Trahit sua quemque voluptas (synthèse sur le 18e siècle)
8. Inutilité des beaux arts (Jeremy Bentham)
9. Liberté des beaux-arts (John Stuart Mill)
   
10. La mesure du bonheur (William Stanley Jevons)
    
11. L'opium de la bourgeoisie (Marx)
    

Depuis l'Antiquité - et plus particulièrement Platon - la vaste majorité des penseurs qui ont tenté de comprendre le rôle des arts dans le fonctionnement économique des sociétés se sont heurtés à leur nature singulière. Un produit qui n'est pas une marchandise comme les autres, un mode de production qui relève à la fois du travail de l'artisan et de la production capitaliste, un échange de biens (matériels ou non) qui défie les mécanismes classiques du marché, une valeur monétaire d'œuvres qui n'a de liens ni avec le travail nécessaire à sa réalisation ni nécessairement avec sa valeur esthétique, une demande qui répond davantage à une recherche de sens qu'à combler un besoin.

Paul Gehrmann, Berliner Salon mit Kaminfeuer, ca. 1923

Ces caractéristiques singulières des arts ont fait en sorte que la pensé économique au 20e siècle n'a pas véritablement su dépasser les réflexions et intuitions des siècles précédents en la matière. Alors que les théorisations et la recherche empirique de nombreux domaines des sciences économiques ont proliféré, les arts demeurent une inquiétante étrangeté pour la pensée économique contemporaine.

L'art constitue un objet étrange, en partie insoluble dans les aprioris de la rationalité économique fondateurs de l'épistémologie de la pensée économique contemporaine. Une "inquiétante étrangeté" qui dépasse le cadre narratif du discours scientifique de la pensée économique, au même titre que le phénomène décrit par Freud:

La conclusion, qui rend un son paradoxal est que, dans la création littéraire, beaucoup de choses ne sont pas étrangement inquiétantes, qui le seraient si elles se passaient dans la vie, et que, dans la création littéraire, il y a beaucoup de possibilités de produire des effets d'inquiétante étrangeté, qui ne se rencontrent pas dans la vie.¹

M-KOS : Newslinks

Art market

One of four versions of Edvard Munch’s masterpiece The Scream, (pastel, 1895) fetched $119,9M (Sale price $107M + the buyer’s premium) at Sotheby’s New York on 2 May, a record for auction history. The sale was dominated by two telephone bidders, over a tense ten minutes period. Sotherby’s auctioneer Tobias Meyer was caught exclaiming “I love you!” to one phone bidder when prices soared up to $106M. You can watch an excerpt here. We are all curious to know who won the bidding match for the most expensive artwork ever sold at auction. Petter Olsen, the seller of the painting personally hoped the bidding winner to be MoMA NY…

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PAPIER12 @ place des spectacles

13 au 15 avril | April 13 to 15
vernissage 13 avril 18h00 | April 13 ~ 6:00PM
Place des Festivals, coin Bleury & De Maisonneuve
papiermontreal.com

photo : Alana Riley

PAPIER12 offre la chance de découvrir plus d'un millier d’œuvres d'art produites par des centaines d'artistes, en l’espace de trois jours. Dans le cadre de son cinquième anniversaire, la foire présentera le papier sous toutes ses formes : gravure, dessin, photographie, sculpture, installation, performance, etc. Nous vous invitons à venir découvrir la vigueur de la scène culturelle montréalaise en vous immergeant dans la richesse et la diversité de l'art contemporain, présenté par des galeries provenant de partout au Canada.

PAPIER12 offers the chance to discover over a thousand artworks produced by hundreds of artist all in three days. For its fifth anniversary, the fair will showcase paper threw all types of different forms: print, drawing, photography, sculpture, installation, performance, etc. We invite you to come discover the strength of Montreal’s cultural scene by immersing yourself in the richness of contemporary art presented by galleries from all over Canada.