ratsdeville

SKAWENNATI @ vox

« TEIAKWANAHSTAHSONTÉHRHA’ »
28 oct au 20 jan | Oct 28 to Jan 20
vernissage 28 oct 13h00 | Oct 28 ~ 1:00PM
centrevox.ca

Skawennati, Becoming the Peacemaker (Iotetshèn:’en), machinimagraphie tirée de Le retour du Pacificateur, 2017. Permission de l’artiste

Je m’appelle Iotetshèn:’en et j’habite sur la Terre — la plupart du temps. Pour l’instant, nous sommes en route vers la première rencontre des cinq planètes amies les plus proches de notre galaxie. On m’a invité à cette expédition historique parce que j’ai un don particulier…

Ainsi s’amorce Le retour du Pacificateur, une saga futuriste campée en 3025 qui puise ses racines jusqu’au récit fondateur de la Confédération Haudenosaunee (iroquoise), mettant en vedette des figures historiques telles que Tekanawí:ta, Jacques Cartier et un président accro à Twitter! Cette nouvelle machinima — vidéo d’animation réalisée sur la plateforme de réalité virtuelle Second Life — figure au centre de l’exposition Teiakwanahstahsontéhrha’ | Nous tendons les perches, créée spécialement pour les enfants de 5 à 11 ans par l'artiste d'origine mohawk Skawennati. Les visiteurs de tous âges sont également invités à y (re)découvrir certaines traditions transfigurées et actualisées par l’artiste dans son « musée du futur », une installation inédite.

My name is Iotetshèn:’en, and I live on Earth—usually. Our planet is united under the Great Law of Peace. […] Earth has been attacked by more than one visitor from outerspace, and our harmonious way of life is being threatened. So for now, my home is this spaceship. We are travelling to the first meeting of the five nearest, friendliest planets in our galaxy. The goal of our mission is to create a union that will protect us from attacks and also help us share our very different knowledges. I have been invited on this historic voyage because I have a special power…

Thus begins The Peacemaker Returns, a futuristic saga set in 3025 yet firmly rooted in the ancestral Haudenosaunee (Iroquois) confederation story and featuring historical figures such as Tekanawí:ta, Jacques Cartier, and a president addicted to Twitter! This new machinima—an animation-style movie produced on the virtual reality platform Second Life—is the core of the children’s exhibition Teiakwanahstahsontéhrha’ | We Extend the Rafters, designed specifically for kids aged 5 to 11 by Skawennati. Audiences of all ages are invited to (re)discover some traditions in the artist’s “museum of the future,” an original installation.

GÜNES-HÉLÈNE ISITAN @ visual voice

« HYBRIDITÉS »
28 oct au 9 déc | Oct 28 to Dec 9
vernissage 28 oct 15h00 | Oct 28 ~ 3:00PM
visualvoicegallery.com

Hybrides Sarah-Microorganismes / Élia-Microorganismes, série Hybridités, 2017, art biologique (culture de microorganismes sur photographie, Petri de verre, résine)

Par des « autoportraits multiespèces » évoquant à la fois notre visage humain et notre contrepartie invisible, notre microbiote, Isitan nous présente une humanité dont la peau n’est ni contenant, ni frontière, mais plutôt une zone floue en constante transition. Entre photographie et science, ses œuvres sont créées dans des boîtes de Petri, à l’aide de microorganismes prélevés sur chacun de ses sujets, afin de créer des images vivantes. En effet, par leurs propres actions, ces microorganismes retouchent les portraits de leurs « hôtes » en déplaçant les encres contenues dans la pellicule photo, dissolvant ainsi les frontières de chacun pour souligner notre état hybride, à la fois humain et microbien, macro et micro, individus et écosystème.

Isitan presents "multispecies self-portraits" evoking both our human face and our invisible evolutionary counterpart, our microbiota, to suggest a humanity whose skin isn't a limit, a border, but an ever-changing permeable zone. Each artwork is created in a Petri dish, using a photograph and microorganisms taken from her subjects’ faces to create living images. Indeed, through their own agencies, these microorganisms "edit" the photographs of their "hosts" by shifting around the inks of the film, dissolving their boundaries while highlighting our hybrid state, both human and microbial, macro and micro, individual and ecosystem.

BILL VIOLA @ dhc

« NAISSANCE À REBOURS »
25 oct au 11 mars | Oct 25 to March 11
vernissage 24 oct 17h30 | Oct 24 ~ 5:30PM
dhc-art.org

Bill Viola, Ascension, 2000. Projection vidéo; stéréo. Performeur: Josh Coxx. Photographie: Kira Perov. Permission de Bill Viola Studio

Connu comme un pionnier de la vidéo, Bill Viola a une carrière qui s'étend sur plus de quarante années. Monobandes et installations vidéo, environnements sonores, performances musicales électroniques et émissions de télévision: dans son œuvre, il sonde des thèmes universels comme la vie, la mort, l'éveil de la conscience, l'esprit et la condition humaine. La présentation à DHC/ART réunit quatre œuvres vidéo sur écrans plats, soit The Return (2007), Ancestors (2012), Walking on the Edge (2012) et The Encounter (2012), de même qu'une œuvre projetée intitulée Ascension (2000). Son installation vidéo la plus récente, Inverted Birth (2014), sera présentée pour la première fois au Canada. Cette projection monumentale illustre les cinq étapes de l'éveil dans une série de transformations violentes qui explorent la nature même de notre existence: vie, mort, naissance et renaissance. « La naissance n'est pas un commencement, la mort n'est pas une fin », fait remarquer Viola, citant le philosophe chinois Tchouang-tseu (370-287 av. J.-C.).

Bill Viola is recognized as a pioneer in video art, with a career spanning over forty years. His work across single channel video, video installation, sound environments, electronic music performances, and broadcast television deeply examines the universal themes of life, death, the unfolding of consciousness, the spirit, and the human condition. The presentation at DHC/ART brings together four flat panel video works, The Return (2007), Ancestors (2012), Walking on the Edge (2012), and The Encounter (2012), as well as the projection work Ascension (2000). Making its Canadian debut is his most recent major installation, Inverted Birth (2014). This monumental projection depicts the five stages of awakening through a series of violent transformations, exploring the very nature of our existence: life, death, birth, and rebirth. "Birth is not a beginning, death is not an end," as Viola has remarked, quoting from the Chinese philosopher Chuang Tzu (370–287 BC).

JEAN-SÉBASTIEN DENIS + LOUIS-PHILIPPE CÔTÉ @ simon blais

jusqu'au 18 nov | until Nov 18
galeriesimonblais.com

 

JEAN-SÉBASTIEN DENIS
« EXTENSIONS, DÉCALAGES ET PROPOS AMBIGUS SUR LA PLASTICITÉ »

Jean-Sébastien Denis propose, sous le titre Extensions, décalages et propos ambigus sur la plasticité, une exposition éclatée en investissant les salles 2 et 3 de la Galerie Simon Blais. Fidèle à sa méthode de construction additive, l’artiste y présente douze œuvres sur papier récentes, à la différence près que cette fois-ci il a procédé par collage temporaire d’éléments bien plus que par l’utilisation du numérique. Les couleurs vives parfois fluorescentes qui ont fait leur apparition dans le travail des dernières années sont bien présentes sur le papier Mylar et contribuent au chaos organisé par l’artiste.

Split into two parts, an exhibition of works by Jean-Sébastien Denis entitled Extensions, décalages et propos ambigus sur la plasticité will occupy both Galleries 2 and 3. Faithful to his method of creating through addition, the artist will present a dozen recent works on paper, although this time that has involved the provisional collage of various elements more than the use of the digital. The bright, sometimes fluorescent, colours that have made their appearance in his work of the last few years are certainly present here on Mylar, and contribute to the artist’s organized chaos.

 

LOUIS-PHILIPPE CÔTÉ
« DÉRIVES ET REPLIS »

Depuis 2015, Côté est réfractaire à l’idée de montrer ce qui nous est trop visible, et en particulier la violence des images. Plus que jamais, il cherche, dans l’acte de peindre, un état d’esprit, une complexité imprévisible et une nécessité toujours plus profonde. Pour cette nouvelle série de peintures, la lecture d’auteurs japonais tels que Junichirō Tanizaki et Osamu Dazai a amené Côté à travailler un sujet paisible : sur un lac, deux jeunes filles dans un canot s’apprêtent à quitter la rive.

Since 2015, Côté has been resistant to the idea of showing what is too obvious to us, in particular, the violence of images. Now more than ever, through the act of painting he seeks a state of mind, an unpredictable complexity, and an ever more profound need. In this new series of paintings, reading the works of Japanese writers like Junichirō Tanizaki and Osamu Dazai has led Côté to tackle a peaceful subject: on a lake, two girls in a canoe are preparing to leave the shore.

MELANIE AUTHIER + CAROLYNE SCENNA @ uqam

24 oct au 9 déc | Oct 24 to Dec 9
vernissage 23 oct 17h30 | Oct 23 ~ 5:30PM
galerie.uqam.ca

 

MELANIE AUTHIER
« CONTRARIÉTÉS ET CONTREPOINTS »
Commissaire : Robert Enright

Melanie Authier, En vol en voiles, 2017, acrylique sur toile, 182.9 x 274.3 cm. Permission de Georgia Scherman Projects

L’artiste présente une peinture à la fois énergique et délicate, qui revisite les héritages contradictoires de la pratique picturale. Les riches espaces peints par Melanie Authier, artiste établie à Ottawa, nous rappellent qu’une myriade de questions restent à résoudre au sujet de l’art après le modernisme. Pour Authier, les tableaux ne sont pas de simples objets esthétiques sans lien les uns avec les autres. Ils s’inscrivent dans un vaste réseau relationnel.

The artist shows paintings that are both dynamic and delicate, while revisiting the contradictory legacies of pictorial practice. The visually rich spaces in artist Melanie Authier’s paintings remind us that we are still negotiating a myriad of questions when we consider art after Modernism. For Authier, paintings are not simply discrete aesthetic objects. They exist within an expanded set of relations.

 

CAROLYNE SCENNA
« JE SUIS LA PIRE À CE QUE JE FAIS LE MIEUX ET POUR CE DON JE ME SENS BÉNIE »

Carolyne Scenna, Papier mâché, 2017, photomontage, image tirée du diaporama J’aurais fait mieux

L’exposition inaugure une installation où l’artiste recompose et revisite de manière obsessive ses archives photographiques. Un espace délimité par des rideaux de velours blanc, des projections vidéo lo-fi et une maquette de volcan forment un parcours où les spectateurs sont invités, grâce à divers dispositifs de projection, à découvrir un assemblage d’images hybrides.

The exhibition presents an installation in which the artist obsessively recomposes and revisits her photographic archives. A space bounded by white velvet curtains, lo-fi video projections and a model of a volcano form a route where spectators are invited to discover an assemblage of hybrid images through various projection devices.

JANIE JULIEN-FORT @ la castiglione

« FAIRE ROULER LA MACHINE »
jusqu'au 11 nov | until Nov 11
lacastiglione.ca

©Janie Julien-Fort, Faire rouler la machine, 24x20 po., 2017, épreuve à développement chromogène, édition unique 1/1

La pratique de l’artiste s'élabore dans l’émergence de l’image. Les procédés photographiques qu’elle privilégie relèvent de l’analogique et de l’artisanal. Accueillant toute l’instabilité et l’imprévisibilité du médium, elle aborde la photographie comme une manière de donner forme au passage du temps. C’est d’ailleurs dans cette optique qu’elle explore des procédés sans captation, qui laissent place aux accidents et aux aléas qu’elle utilise comme matière première. Constituée de photogrammes, cette exposition est créée au moyen d’une développeuse argentique qui automatise le développement des photographies. L’artiste interfère avec le processus en exposant le papier à la lumière alors même qu’il est traité par la machine.

The work of the artist focuses on the emergence of images. She uses analogue and artisanal photographic processes to underscore the unstable and unpredictable nature inherent to the medium. Interested in the slow construction of images, the artist sees photography as a way to give shape to the passage of time, choosing techniques that bypass image capture, leaving room for chance and randomness, which become her raw materials. This body of works consists of a series of photograms produced with a machine that automates photographic development. The artist interfered with the normal development process by opening the machine to expose the paper to light.

ARTHUR DESMARTEAUX @ atelier circulaire

« FANTASTICA MEXICO »
jusqu'au 21 oct | until Oct 21
ateliercirculaire.org

L’installation immersive et ludique Fantástica México nous emporte dans un paysage imaginaire et miniature de la ville. Ce photomontage dense créé à partir d’impressions numériques montées sous la forme de dioramas est animé par des projections en vidéo-mapping produisant un jeu d’ombres, le tout sur fond sonore des rues de Mexico. Il offre un point de vue hallucinant et singulier de cette exceptionnelle et fascinante mégapole. Inspiré de l’œuvre photographique d’Ed Rusha Every Building on the Sunset Strip (1966), Arthur Desmarteaux propose un portrait concentré de sa vision de l’essence de Mexico, permettant de saisir sa grandiosité et son dynamisme. Son travail présente ce paysage urbain de manière continue mais fragmentée, nous confrontant à l’impossibilité d’en avoir une vision globale et unifiée. 

The immersive and playful installation Fantástica México takes us into an imaginary and miniature landscape of the city. This dense photomontage created from digital prints and mounted in the form of dioramas is animated by video-mapping projections producing a set of shadows, with the soundscape of the streets of Mexico City. It offers a hallucinating and singular point of view of this exceptional and fascinating megalopolis. Inspired by the photographic work of Ed Rusha Every Building on the Sunset Strip (1966), Arthur Desmarteaux offers a concentrated portrait of his vision of Mexico’s essence, enabling us to grasp its greatness and dynamism. His work presents this urban landscape in a continuous but fragmented way, confronting us with the impossibility of having a global and unified vision of the city. 

IL ÉTAIT UNE FOIS… LE WESTERN @ mbam

Commissaire : Mary-Dailey Desmarais
14 oct au 4 fév | Oct 14 to Feb 4
mbam.qc.ca

Wendy Red Star (née en 1981), Été indien, de la série Quatre saisons, 2006, épreuve à développement chromogène. Collection Brian Tschumper. Avec l’aimable concours de l’artiste

Cette exposition pluridisciplinaire offre une lecture inédite du cinéma western en considérant ses liens avec les arts visuels (peinture, sculpture, photographie) depuis le milieu du XIXe siècle à nos jours. La création, la transmission et la transformation du mythe western en Amérique, aux États-Unis comme au Canada, y sont étudiées. Plus de 400 peintures, sculptures, installations, photographies, artéfacts, photogrammes et extraits de films rendent compte de l’évolution du genre marqué par un dialogue incessant entre les beaux-arts et le cinéma. Initié par le Musée des beaux-arts de Montréal, ce projet est produit par le MBAM et le Denver Art Museum (DAM).

IL ÉTAIT UNE FOIS… LE WESTERN célèbre la beauté du western et expose également ses versants plus sombres. Elle aborde certains préjugés envers les peuples des Premières Nations que le western a contribué à perpétuer, et explore des thèmes reliés à des questions toujours actuelles telles que la violence, la représentation stéréotypée des genres, les relations interraciales et l’acceptation de la différence. Elle entend démontrer à quel point l’art a le pouvoir à la fois d’entretenir et de remettre en cause les croyances les plus répandues. 

This multidisciplinary exhibition offers a new interpretation of the Western film genre by examining its links to the visual arts (painting, sculpture, photography) from the middle of the 19th century to today. This exhibition studies the creation, transmission and transformation of the Western myth in North America, in both the United States and Canada. Over 400 paintings, sculptures, installations, photographs, artefacts, film stills and excerpts show how the genre has evolved through ongoing dialogue between the fine arts and cinema. Initiated by the MMFA, the exhibition is co-produced with the Denver Art Museum (DAM).

ONCE UPON A TIME … THE WESTERN celebrates the beauty of the Western while revealing some of its more sombre aspects. It deals with certain prejudices against the peoples of the First Nations that it helped to perpetuate, and explores themes related to questions that are still current today, such as violence, the stereotypical representation of the sexes, interracial relationships, and the acceptance of difference. It shows the extent to which art has the power to both maintain and challenge the most widespread beliefs.

FRANÇOIS MORELLI @ 1700 la poste

6 oct au 17 déc | Oct 6 to Dec 17
1700laposte.com

La carrière exceptionnelle de François Morelli se déploie sur quatre décennies, investissant sur plus de six disciplines artistiques à leur manière à travers le temps. Du dessin libre à l’estampe, de l’action publique à la performance et à l’installation in situ, l’œuvre de François Morelli trouve son fondement dans une pratique quotidienne du dessin, croisée d’une volonté constante d’intervenir dans le tissu social. À travers une démarche très polyvalente, François Morelli s’intéresse aux notions de passage, de migration et de transformation. Il investit le corps comme sujet d’étude tant au niveau personnel qu’au niveau social et historique. L’œuvre traite des frontières entre mémoire collective et mémoire personnelle, des rapports entre le politique et le domestique, entre le tragique et le grotesque.

MOMENTA @ b-312

jusqu'au 14 oct | until Oct 14
galerieb312.ca

 

JIN-ME YOON
« OTHER HAUNTINGS: A GEOGRAPHY BELOVED »

Jin-me Yoon, Other Hauntings: A Geography Beloved (Dance), 2016 © Jin-me Yoon

Jin-me Yoon est une artiste coréenne qui vit et travaille à Vancouver. Depuis les années 1980, par sa pratique de la photographie, de la vidéo et de l’installation, elle se penche sur des questions relatives à l’histoire, au lieu et au corps, mue par son intérêt pour la façon dont ces mêmes questions entretiennent des relations enchevêtrées et interdépendantes.

Jin-me Yoon is a Korean artist who lives and works in Vancouver. Since the 1980s, through her lens-based practice in photography, video, and installation, she examines questions concerning history, place, and the body, supported by an underlying interest in how these very questions are centred on entangled and interdependent relations.

 

ARTIE VIERKANT
« PROFILE »

Vue d'exposition, Galerie B-312, 2017 © Paul Litherland

Artie Vierkant est l’une des personnalités de la génération « post-Internet », pour qui le Web contribue moins à diffuser et à faire circuler qu’à brouiller les pistes. Il se questionne inlassablement sur l’idée même de manipulation.

Artie Vierkant is a celebrity of the “post-Internet” generation, for whom the web serves less to disseminate or circulate images than to throw up smokescreens. He constantly questions all aspects of the very idea of manipulation.