ratsdeville

SOPHIE JODOIN ~ prix giverny capital

Sophie Jodoin, vue d'installation, Room(s) to move: je, tu, elle, EXPRESSION, St-Hyacinthe, 2017. Photo : Éliane Excoffier

La firme de gestion de portefeuilles privés Giverny Capital et son président François Rochon sont heureux d’annoncer la sixième édition du Prix Giverny Capital. Ce prix, accompagné d’une bourse de 10 000 $, est remis à un ou une artiste en arts visuels du Québec. Avec la mise sur pied d’un tel prix, Giverny Capital tient à souligner et à encourager l’excellence, l’originalité et la force créatrice de l’art actuel d’ici. Le Prix Giverny Capital est remis tous les deux ans. Le jury a sélectionné avec enthousiasme l’artiste Sophie Jodoin pour l’édition 2017. Par ce prix, le jury souhaite souligner le travail assidu et soutenu de cette artiste en arts visuels.

Le jury de la sixième édition du Prix Giverny Capital est composé de Marie-Ève Beaupré, conservatrice de la collection au Musée d’art contemporain de Montréal, de Louise Déry, directrice de la Galerie de l’UQAM, de Geneviève Goyer-Ouimette, conservatrice de l'art québécois et canadien contemporain au Musée des Beaux-Arts de Montréal, de Marie-Josée Jean, directrice de VOX, centre de l’image contemporaine, et d’Anne-Marie St-Jean Aubre, conservatrice à l’art contemporain au Musée de Joliette.

VIKKY ALEXANDER @ l'escalier

« UNNATURAL HORIZON »
9 déc au 10 fév | Dec 9 to Feb 10
vernissage 9 déc 15h00 | Dec 9 ~ 3:00PM
lescaliergallery.com

Vikky Alexander, Lake in the Woods, 1986, installation view, Cash/Newhouse Gallery, New York

For the installation Lake in the Woods (1986), Vikky Alexander covered one of the walls of the New York Cash/Newhouse Gallery with a landscape photomural similar to the type found on the walls of confined spaces—hospitals or dentists’ waiting rooms, backdrops of dive bars, or suburban basement dens —as a comforting escape toward an imaginary outside. On the opposing wall, the artist placed simulated wood panels with a band of inlaid mirrors that allowed the viewer to see details of this landscape and to glance at their reflections. Alexander retrospectively explained that the idea of such a bipartite scenography came to her as the adequate response to the constraints of the site itself: a long corridor flanked by zigzagging irregular walls that lead to the gallery office. Beyond accentuating the characteristics of the site, she also aimed to offer a counterbalance to the return of figuration and of the heroic artistic subjectivity that dominated the market at this particular moment (Julian Schnabel, David Salle, German neoexpressionism, Italian transavanguardia, etc.)¹. Alexander said that collectors passed through the gallery, seemingly without seeing anything and walking directly to the office. Bemused, they asked the staff why there was no exhibition². Over a half decade later, Lake in the Woods would be acquired by the Vancouver Art Gallery, and this entry into the museum would correct the near-absence of the artwork’s reception during the inaugural presentation in 1986³. Throughout the 1980s, by highlighting the dialectic between floating signifiers ("pictures") and an architectural container, Alexander's work distanced itself from language-based conceptualism of the previous decade. However, she and her peers did not abandon the use of analytical methods. These artists rather constructed an interface that superimposed an awareness of the material parameters of the event of the exhibition as it then stood, with the recognition of an intermediary psychic site⁴.

PATTERN @ maison des arts de laval

Commissaire : Chloé Grondeau
jusqu'au 4 fév | until Feb 4
laval.ca/maisondesarts

Galería Perdida, The blind don't see black, they see nothing, 2015, image tirée de la vidéo

MATHIEU ARBEZ - IVÁN ARGOTE - INES DOUJAK - ADÉLAÏDE FERIOT - KAPWANI KIWANGA - VINCENT MALASSIS - TIM MESSEILLER - KEN NICOL - GALERÍA PERDIDA

Partant de l’idée que l’Homme construit sa compréhension du monde par le biais des formes qui l’entourent, l’exposition Pattern propose d’observer le signe, le motif ainsi que les comportements développés autour, à travers un ensemble d’œuvres issues de la création contemporaine. Le terme « pattern », d’origine anglaise, est ici volontairement employé – à la différence de son presque synonyme « motif » – pour sa capacité à traduire autant la forme que les enjeux psychologiques, sociologiques, voire politiques, auxquels il renvoie. Manipuler un objet absent, créer une œuvre sonore à partir d’un papier peint, danser devant une peinture majeure de l’histoire de l’art… Dans cette proposition au sein de laquelle se côtoient différents médiums (sculpture, peinture, son et vidéo), artistes nationaux et internationaux tentent d’extraire ou donner un sens au palpable et à l’impalpable.
─ Chloé Grondeau

JONATHAN MONK @ vox

« EXHIBIT MODEL THREE »
jusqu'au 20 jan | until Jan 20
centrevox.ca

Jonathan Monk, Exhibit Model Three (détail), 2017

La pratique de l’artiste britannique Jonathan Monk se démarque par son conceptualisme et son humour, faisant référence tant à des œuvres canoniques de l’histoire de l’art, à des gestes ou à des énoncés d’artistes célèbres qu’à des histoires personnelles. Souvent présentés sous la forme d’installations, ses livres, ses sculptures, ses peintures, ses photographies offrent une vision désacralisée de l’art, de l’artiste et de son processus créatif. Or, ne vous attendez pas à voir ces œuvres à VOX car, à l’occasion de cette exposition à caractère rétrospectif, Jonathan Monk a choisi de laisser la galerie vide de tout objet matériel. L’artiste réalise plutôt une exposition documentaire : les salles sont ainsi recouvertes d’images monumentales recelant des vues d’expositions diverses, présentées à des années d’intervalle dans des contextes à chaque fois différents. 

The work of British artist Jonathan Monk stands out for its Conceptualist and humorous approach, referencing everything from canonical works of art history to actions and statements by famous artists to personal stories. His books, sculptures, paintings and photographs, often presented as installations, offer a desanctified vision of art, the artist and the creative process. You should not expect to see any of these works at VOX, however: for this retrospective exhibition, Monk has chosen to leave the gallery empty of material objects. Rather, the artist has mounted a documentary exhibition: the rooms are covered in monumental images presenting diverse exhibition views that span several years, in contexts that differ each time. 

TÉMOIGNER POUR AGIR ! + LUCIE ROCHER @ frontenac

29 nov au 21 jan | Nov 29 to Jan 21
facebook.com/McFrontenac

 

« TÉMOIGNER POUR AGIR ! »
Commissaire : Jamie Wilson Goodyear

 

GRACE VAN NESS

 

ELOISA AQUINO

 

RICHARD SAWDON SMITH

 

IANNA BOOK

 

ADDÉLI FALEF - KEVIN CROMBIE - SHAN KELLEY - INS A KROMMINGA - ARMHER COLLECTIVE - COCQ-SIDA - COLLECTIF DE FEMMES VIVANT AVEC LE VIH - GRIS-MONTRÉAL - STELLA, L'AMIE DE MAIMIE

Témoigner pour agir se veut un moment de découverte, de mise en relation, à travers l’art, avec le vécu de personnes stigmatisées en raison de leur sexualité, leur genre, leur corps. En un seul lieu, le public aura le privilège d’admirer, d’écouter, de lire les récits de vie d’artistes locaux et internationaux qui s’identifient soit comme personne gaie, lesbienne, bisexuelle, intersexe, queer, travailleuse du sexe, trans ou vivant avec le VIH » précise Maria Nengeh Mensah, directrice du projet.

 

LUCIE ROCHER
« OUTRE MESURES »

Outre mesures est une mise en chantier photographique. Lucie Rocher y poursuit ce désir constant de vouloir faire éclater ses sujets et les matières par lesquelles ils se révèlent et s’assemblent. Elle expose ici au regard des accidents d’impressions tout autant que des tirages travaillés. Et dans l’acte photographique lui-même, au cœur de ce chantier dé-mesuré, surgissent des tête-à-tête d’images fabriquées et fragmentées, d’œuvres accidentées et bousculées. S’ouvre une conversation sourde, parfois bruyante, faite des multiples combinaisons entre ces éléments hétéroclites et minutieusement choisis. Dans ces murs, le photographique est un résident toujours temporaire. Il se déplace et s’échappe pour produire une expérience du sensible qui se construit à travers le temps et dans l’espace. Si les dialogues qui en émergent tendent outre mesures vers un état d’équilibre, cet état restera pourtant précaire et utopique.

MATHIEU LÉVESQUE @ trois points

« ////////// »
jusqu'au 23 déc | until Dec 23
galerietroispoints.com

Mathieu Lévesque, Parallèles 4c, 2017

Mathieu Lévesque s’intéresse aux constituants élémentaires de la peinture, à la question des limites du tableau, ainsi que sa proximité avec la sculpture et l’architecture. Cet intérêt provient notamment de son expérience de graffeur qui, avant l’université, l’a amené à travailler directement dans des lieux imprévus, hors de l’atelier. Cela le prédispose aujourd’hui à intervenir in situ avec un certain naturel. Dans //////////, Lévesque poursuit ses recherches sur le rapport entre peinture, sculpture et architecture. Il conçoit les murs de l’espace d’exposition comme des prolongements de la peinture, partie intégrante de l’espace pictural et cherche ainsi à établir un dialogue entre l’intérieur et l’extérieur du tableau. Les couleurs très vives appliquées sur les contre-faces ont la propriété de se refléter au mur : la fonction traditionnelle de délimitation de la bordure est ainsi dénaturée, pour se voir attribuer une fonction de liaison avec les murs de l’espace d’exposition

Mathieu Lévesque’s research focuses on the elementary constituents of painting. He is fascinated by the frontier areas between painting, sculptural and architectural disciplines. This interest stems from his past as a graffiti artist, when many years ago he was working directly in unexpected locations, outside of his studio. That experience led him to naturally tend towards in situ interventions in the gallery space. Lévesque considers the walls as extensions of the painting, as an integral part of the painting and the pictorial space. Hence, he aims to establish a dialogue between the inside and the outside of the painting. The bright colors on the side surfaces of the paintings carry the property to be reflected on the wall: the traditional boundary function of border is distorted, as it serves as a binding function with the exhibition walls.

RÊVERIE @ projet pangée

16 nov au 22 déc | Nov 16 to Dec 22
vernissage 16 nov 17h30 | Nov 16 ~ 5:30PM
projetpangee.com

 

MICHELLE BUI

Michelle Bui, Exercice Soft 3, 2017, numeric prints and sculpture

Michelle Bui accumule de manière impulsive objets, matériaux, couleurs, textiles, photographies, et végétaux. Sélectionnées pour leur disponibilité et leurs qualités tactiles, ces collections sont impeccablement rangées et sans cesse retriées dans son atelier. Elles agissent comme des fragments en attente d’un assemblage prometteur. Originaire de Montréal, Michelle Bui est diplômée en peinture et dessin de l’Université Concordia et poursuit actuellement une maîtrise en arts visuels et médiatiques à l’Université du Québec à Montréal. En 2017, elle a continué ses recherches sur la matérialité de la photographie à l’École nationale supérieure des beaux-arts de Paris et a représenté la relève en photographie aux Jeux de la Francophonie à Abidjan. Récipiendaire de la bourse François-Xavier Marange, Michelle Bui est l’artiste en résidence de l’Atelier Circulaire pour la prochaine année. Elle y développe un travail intitulé Pool of Plenty qui sera présenté à la Galerie de l’UQAM (janvier 2018) ainsi qu’au centre VU PHOTO à Québec (février 2018).

Michelle Bui impulsively accumulates objects, materials, colours, textiles, photographs and plants. Selected for their availability and tactile qualities, her collections are impeccably arranged and constantly retrieved and reorganized in her studio. They act as fragments, waiting to become the subjects of a promising assemblage. A native of Montreal, Michelle Bui received a BFA in Painting and Drawing from Concordia University and is currently a Master's candidate in Visual and Media Arts at the Université du Québec à Montréal. In 2017, pursuing her research on the materiality of photography at the Ecole Nationale Superieure des Beaux-Arts in Paris, she represented the emerging talents of photography at the Jeux de la Francophonie in Abidjan. Recipient of the François-Xavier Marange scholarship, Michelle Bui is the artist in residence of the Atelier Circulaire for the next year. She is creating a new body of work called Pool of Plenty, which will be presented at UQAM Gallery (January 2018) and at the VU PHOTO Centre in Quebec City (February 2018).

 

LAURA FINDLAY

Laura Findlay, Rose Hill, 2015, oil on canvas

Laura Findlay est née à Montréal et vit et travaille présentement à Toronto. Son travail en peinture et en installation examine notre façon de comprendre certains événements par l'intermédiaire d'informations fragmentées. Ses expositions récentes incluent Grounds au Brucebo Konstnärshemmet en Suède (2017), Moving While Looking at Things That Do Not Move à The Kamloops Art Gallery en Colombie-Britannique (2017), Messengers chez Zalucky Contemporary à Toronto (2017), Ghost Story au Xspace Cultural Centre à Toronto (2016), @--}--- chez Lord Ludd à Philadelphie (2016) et Night Birds chez Seafoam à Toronto (2016). En 2014, Findlay a obtenu sa maîtrise en beaux-arts à l'Université de Guelph.

Laura Findlay is born in Montreal and is currently a Toronto-based artist who makes paintings and installations that examine understanding events through fragmentary information. Recent exhibitions include Grounds at Brucebo Konstnärshemmet, Sweden (2017), Moving While Looking at Things That Do Not Move at The Kamloops Art Gallery, British-Colombia (2017), Messengers at Zalucky Contemporary, Toronto (2017), Ghost Story at Xspace Cultural Centre, Toronto (2016), @--}--- at Lord Ludd, Philadelphia (2016) and Night Birds at Seafoam, Toronto (2016). She completed her MFA at the University of Guelph in 2014.

 

XAN SHIAN

Xan Shian, Epyllia, 2017, colour print on transparency

Xan Shian est une artiste multidisciplinaire, photographe et écrivaine vivant à Montréal. Son travail cherche à combler le fossé entre la photographie et la poésie, tout en naviguant les tensions tropiques à travers des relations matérielles, personnelles et interpersonnelles. S'inspirant de théories en rhétorique, philosophie et littérature, elle s'intéresse aux expériences vécues, la sienne comme celles des autres. Elle a publié deux livres, Ontology (Folca Press, 2017) et Threshold (Leaf Press, 2015), en collaboration avec la poétesse Marilyn Bowering. Elle a exposé son travail en Écosse et à Victoria, en Colombie-Britannique. En 2017, elle a été la commissaire de l'exposition multidisciplinaire Ontology à Espace Projet, Montréal, dans le cadre du Festival Art Matters. Elle détient un baccalauréat en communications de l'Université Concordia (2012) et termine actuellement un baccalauréat en arts visuels, spécialisation en photographie, également à l'Université Concordia.

Xan Shian is a multidisciplinary artist, photographer, and writer living in Montreal. Her work seeks to bridge the chasm between photography and poetry, while navigating tropic tensions through material, personal and interpersonal relationships. Drawing on rhetorical theory, philosophy, and literature she filters her work through the lens of lived experience, both that of her own and of others. She has published two books, Ontology (Folca Press, 2017) and Threshold (Leaf Press, 2015), in collaboration with poet, Marilyn Bowering. She has exhibited her work in Scotland and Victoria, BC. In 2017 she curated the multidisciplinary exhibit, Ontology, at Espace Projet in Montreal as part of the Art Matters Festival. She has a BA in Communication Studies from Concordia University (2012), and is currently finishing a BFA in Studio Arts, Photography, also at Concordia University.

STÉPHANIE MORISSETTE @ dominique bouffard

« LES CURIEUX EMPIRES COLONIAUX »
16 nov au 23 déc | Nov 16 to Dec 23
vernissage 16 nov 17h00 | Nov 16 ~ 5:00PM
galeriedominiquebouffard.com

Stéphanie Morissette, À travers les plumes - les galions (détail), 2017, graphite et papier, 25 x 30 x 7 cm

L’histoire, les conflits politiques et les comportements humains sont les champs d’intérêts de prédilection de Stéphanie Morissette. Considérant l’interconnexion de ces sujets, l’exposition « Les curieux empires coloniaux » propose un point de vue sur le colonialisme en mettant en exergue certains travers propres à l’humain tels l’envie de possession, la scopophilie (pulsion dans laquelle le sujet prend plaisir à regarder) et l’objectification (terme philosophique signifiant l’acte de traiter une personne ou un animal comme un objet ou une chose). De 1500 à 1950, les différents empires coloniaux de l’Europe affectent les cultures, les peuples et les écosystèmes des territoires qu’ils s’approprient violemment pour ensuite les exploiter et les étudier. Durant cette période, les sciences humaines et les sciences de la nature prennent de l’importance pour répertorier les spécimens du monde (même les humains) et souvent les exhiber comme des curiosités. Les collections d’animaux exotiques (morts et vivants) ainsi que les ménageries privées deviennent à la mode pour le plaisir des classes sociales les plus riches. Fait absurde, cet appétit pour les spécimens rares et exotiques s'accentue au point de mettre en péril certaines espèces animales et de créer de faux spécimens pour répondre à la demande.

History, political conflicts and human behaviour are Stéphanie Morissette’s favourite areas of interest. In view of the interconnection of these topics, the exhibition « Les curieux empires coloniaux » offers a vantage point on colonialism by highlighting certain all-too human quirks such as greed for possession, scopophilia (a drive to look so as to derive pleasure from it) and objectification (meaning the act of treating a person or an animal as an object or a thing). From 1500 to 1950, Europe’s various colonial empires affected the cultures, peoples and ecosystems of the territories they violently appropriated in order to then exploit and study them. During that period, human sciences and natural sciences became more important as ways to record the world’s specimens (even human ones) and often exhibit them as curiosities. Collections of exotic animals (both dead and alive) as well as private menageries became fashionable for the pleasure of the wealthiest social classes. Ludicrously, this craving for rare and exotic specimens grew to the point of jeopardizing some animal species and making up false specimens to answer the demand.

MARIANNE CHEVALIER & CAROLINE ARIANE BERGERON @ artothèque

« HAUTS FONDS »
jusqu'au 9 déc | until Dec 9
artotheque.ca

 

MARIANNE CHEVALIER

L’œuvre de Marianne Chevalier se présente à nous par un amoncellement de symboles, de textures et de motifs qui, joints ensemble, forment un long diaporama étrange et fantaisiste parcouru de minuscules personnages tout aussi insolites. Telle une œuvre immersive, elle désire faire plonger le spectateur dans ce parcours visuel où il pourra vagabonder par la pensée, tout en ressentant une impression d’étrangeté. Inspirée par les contes de fées dans leur version d’origine, par les mythologies, les imageries alchimiques et les fabliaux du Moyen-âge, Marianne s’intéresse à l’ambiance brutale et inquiétante qui émane de ces sources imagées.

 

CAROLINE ARIANE BERGERON

Les pièces sculpturales de Caroline Ariane Bergeron, généralement présentées en série et sous forme d’installation, ont souvent une apparence organique, parfois ambiguë, évoquant le corps humain sans le dépeindre exactement, ou reprenant d’autres formes de la nature. L’installation, Objets de la Mer — Noli Me Tangere comprend une série de sculptures de céramique imitant des spécimens qu’on aurait trouvés au bord de la mer : coquillages, coraux, éponges, pierres ponces et autres curiosités d’origine animale ou minérale, dont la surface est ponctuée de pores et de traces laissées par l’érosion et la fossilisation. La transformation, la métamorphose, l’évolution des corps et des matières sont au cœur de sa recherche pseudo-scientifique à la fois formelle et conceptuelle.

COLLECTIF BLANC @ arprim

« ÉDITION | FORME | EXPÉRIMENTATION »
10 nov au 20 jan | Nov 10 to Jan 20
vernissage 10 nov 17h30 | Nov 10 ~ 5:30PM
arprim.org

Ines Cox

Dans cette version repensée de l’exposition Édition / Forme / Expérimentation, la designer graphique Marie-Ève Tourigny et l’éditrice Catherine Métayer, qui ensembles forment le duo Collectif Blanc, proposent une vision curatoriale singulière, à la fois éclatée et érudite, mettant en lumière une cinquantaine d’artistes locaux et internationaux œuvrant dans la publication imprimée. Des fanzines aux livres rares, de la publication à compte d’auteur aux réalisations des plus grands studios de design, les œuvres constituent un corpus exemplaire quant à la notion d’expérimentation, vis-à-vis d’un format qui semble souvent se présenter avec des paramètres définis et prédéterminés. Ici, les commissaires attirent notre regard sur les qualités formelles et conceptuelles du livre, celles qui bousculent les limites entre l’objet utilitaire, véhicule d’information, et l’objet artistique, fruit de la collaboration entre artistes, auteurs, designer graphiques, éditeurs et autres intervenants.

In this revisited version of their exhibition Édition / Forme / Expérimentation, the duo Collectif Blanc composed of graphic designer Marie-Ève Tourigny and publisher Catherine Métayer proposes a singular curatorial vision, both off-the-wall and erudite, that highlights the printed publications of fifty local and international artists. From fanzines to rare books, self-published pieces to major design studio publications, this exhibition brings together an exemplary body of works that charts the experimental potential of a format that is often seen as bound by a set of well-defined and predetermined parameters. In it, curators draw our attention to the formal and conceptual qualities of books—those that disrupt the boundaries between everyday object, information medium and work of art—as the results of collaborations between artists, authors, graphic designers, publishers and other actors in the field.