ratsdeville

CONVERGENCE, MATERIAL @ visual voice

22 avril au 6 mai | April 22 to May 6
vernissage 22 avril 15h00 | April 22 ~ 3:00PM
visualvoicegallery.com

ALEX BACHMAYER - ALEX BALDWIN - ALEXA PIOTTE - ANDREA PEÑA - ANDRÉANN COSSETTE-VIAU - ANDREW GREENHALGH - ANDREW KAPLAN - ANGELA ZHAN - BENJAMIN KACEROVSKI - BETTINA SZABO - CALLAN PONSFORD - CAROLINE LAURIN-BEAUCAGE - CLAIRE GIZOWSKY - CHRIS DAKE-OUTHET - CHRIS SALMON - DASHA SANDRA - HÉLÈNE SALAMANCA-GAGNON - HUNTER SHAW - IAN BEAMISH - JADE SÉGUÉLA - KEVIN JUNG-HOO PARK - MAYALA-KALI ELTER - MARIE FRANQUIN - MATTIE HAMMOND-COLLINS - MEGHAN RILEY - MICHAEL MARTINI - NIEN TZU WENG - PAMELA SIMARD - ROSI DI MEGLIO - SANDRA MAGALHAES - SEJAL DAVLA - SHAYNA DWOR - STEVE BEUKEMA - SUJAYA NEUPANE - TATIANA RUIZ - TIA BESSER-PAUL

Convergence est une dyade d'expositions complémentaires qui fusionnent l'art visuel et les neurosciences. Les œuvres d'art présentées sont les efforts collaboratifs d'un groupe d'étudiants en beaux-arts de l'Université Concordia et des étudiants en neurosciences de l'Université McGill. Au cours des cinq derniers mois, les étudiants ont appris sur les recherches de chacun par des conférences et des visites de studio / laboratoire, menant à des dialogues approfondis sur le cerveau, l'esprit, la perception, l'émotion et l'illusion. Sur la base de la recherche de pointe des neuroscientifiques, les artistes ont développé des pièces d'art innovantes et réfléchies qui subissent, critiquent et jouent avec les concepts scientifiques. Les œuvres d'art qui en résultent relient les données scientifiques à l'expérience humaine en passant de l'objectif au subjectif, du général au personnel, et de l'abstrait à l'émotionnel.

Convergence is a dyad of complementary exhibitions which fuse visual art and neuroscience. The showcased artworks are the collaborative efforts of a group of fine art students from Concordia University and neuroscience students from McGill University. Over the past five months, the students have learned about each other's research through lectures and studio/lab visits, leading to in-depth dialogues about the brain, the mind, perception, emotion, and illusion. Based on the neuroscientists' cutting-edge research, the artists developed innovative and reflexive art pieces that subvert, critique, and play with the scientific concepts. The resulting artworks connect scientific data to the human experience by moving from the objective to the subjective, from the general to the personal, and from the abstract to the emotional.

CLÉMENT DE GAULEJAC @ port de tête

« LES ARTISTES »
lancement 27 avril 17h00 | April 27 ~ 5:00PM
leportdetete.com

Se pourrait-il que la modernité artistique ne soit pas la rupture que l’on prétend? Qu’au-delà des bouleversements successifs de l’histoire de l’art, il y ait une continuité archéologique entre les empreintes de main de l’art pariétal et les expérimentations artistiques contemporaines? Nous n’en savons malheureusement pas grand-chose, sinon qu’aujourd’hui comme il y a 35 000 ans, les artistes se posent des questions. Ce livre en donne à voir quelques-unes ; il met en scène des gestes, des attitudes, des discours, par lesquels les artistes affrontent les affres de cette vocation problématique. Il s’intéresse à la candeur et à la mauvaise foi de ces milliers de petits maîtres sensibles et téméraires. Il est enfin le fruit d’un émerveillement que l’on espère contagieux : en dépit de toutes les récupérations, et malgré la misère économique qui les pousse à vivre en marge d’un système qui ne les reconnaît jamais vraiment, il y a encore et toujours des artistes – ces bricoleurs bavards, jamais aussi nécessaires que lorsqu’ils sont parfaitement inutiles.

ED ATKINS @ dhc

« MODERN PIANO MUSIC »
20 avril au 3 sept | April 20 to Sept 3
vernissage 19 avril 17h30 | April 19 ~ 7:30PM
dhc-art.org

Ed Atkins crée des vidéos numériques générées par ordinateur qui mettent l’accent sur la réalité corporelle, analogique. Les vidéos présentées à DHC/ART ont l’étonnante capacité de nous ramener à notre corps, en dépit – ou peut-être en raison – de leur constitution numérique, immatérielle. Les animations elles-mêmes portent sur la représentation de choses, de sensations et d’expériences strictement physiques – un terrain affectif singulièrement humain incarné par des personnages animés par ordinateur étonnamment réalistes. De plus, par leur échelle imposante, les installations vidéo d’Atkins ont la faculté de déconcerter profondément le spectateur et de brouiller la distinction entre ce qui est vivant et ce qui ne l’est pas, entre ce qui se meut de son propre chef et ce qui est «animé».

Ed Atkins makes digital, computer-generated videos that emphatically stress corporal, analogue reality. The videos exhibited at DHC/ART have the startling ability to return us to our bodies despite – or perhaps because of – their bodiless, digital constitution. The animations themselves centre on representations of starkly physical things, sensations, and experiences – a singularly human affective terrain performed by uncannily realistic computer-animated surrogates. In combination with the imposing scale and volume of their installation, an Atkins video can profoundly unsettle the viewer, disturbing the distinction between what is alive and what is not, what moves of its own volition and what is ‘animated’.

DIL HILDEBRAND @ pfoac

« E UNIBUS PLURAM »
jusqu'au 27 mai | until May 27
pfoac.com

The Owl hooteth, 2017, acrylique, résine, fibre de nylon et sable sur panneau acrylique encadré, 127 x 96.5cm

Ce nouvel ensemble d'œuvres introduit un caractère encore plus physique à la production tout en couches et en profondeur de Hildebrand. Sa recherche poussée et continue des techniques et des formats de la peinture fait de lui l'un des artistes canadiens contemporains les plus intéressants à suivre. Le corpus d'œuvres de Hildebrand marie une diversité de références et de méthodes, allant des stratégies modernistes de fragmentation et de recomposition à Photoshop et à l'architecture moderniste, en passant par des tropes picturaux de l'art occidental et le théâtre. Chevauchant la frontière ténue entre la représentation spatiale et l'abstraction, les peintures de Hildebrand explorent la mécanique même de la représentation. Cette fascinante nouvelle série examine la double nature de l'œuvre d'art à la fois comme objet et image, naviguant entre des surfaces hautement physiques et un espace pictural profond.

This new body of work brings a more physical presence to the layers and depth of Hildebrand's work. His continued advancement and research of media and formats in painting has solidified his place as one of Canada's most interesting contemporary artists. Hildebrand's body of work blends a diversity of references and methods, from modernist strategies of fragmentation and re-composition, pictorial tropes of Western art and theatre, to Photoshop and modernist architecture. Lying on the shifting border between spatial representation and abstraction, Hildebrand's paintings explore the mechanics of representation. This exciting new series investigates the twofold nature of the artwork as both an image and object, enacting a negotiation between highly physical surfaces and deep pictorial space.

SIMON DUMAS & MICKAËL LAFONTAINE @ topo

« CHŒUR(S) POUR CASTELET »
6 avril au 21 mai | April 6 to May 21
vernissage 6 avril 17h00 | April 6 ~ 5:00PM
agencetopo.qc.ca

Chœur(s) pour castelet est à la base une installation dont le cœur est fait de poésie. Dans la vitrine, au centre d’un petit plateau noir, se tiennent un certain nombre de personnages. Ce sont les habitants d’un castelet particulier, hommes et femmes, qui interpellent le visiteur.

« Viens ici. Psst, psst... Veux-tu entendre un poème ? »

Ce sont des poètes, du Québec et de la Belgique. Des présences poétiques différées et ramenées aux proportions du castelet. Lorsque, pour répondre à l’appel, les visiteurs s’approchent de la vitrine, les poètes récitent en même temps un flot de vers qui pourtant ne sont pas confus. Puis, graduellement, ils se cèdent mutuellement la parole. Les vers s’enchaînent, rapidement au début, puis plus lentement jusqu’à ce qu’un seul poète se fasse entendre. Il dit son poème — les autres le laissent dire — puis s’efface graduellement, laissant la place à une trame sonore et visuelle, un paysage faisant écho à la poésie. Puis le sol s'anime, le texte se fait visuel. Quand tombe le dernier mot du poète, les autres reviennent et interpellent de nouveau le visiteur.

JEAN-BENOIT POULIOT @ hugues charbonneau

« L’IMAGE SOUPLE : INCLINAISONS ET DÉCLINAISONS »
jusqu'au 22 avril | until April 22
huguescharbonneau.com

Glissement découpé 1, 2015, Impression jet d’encre sur papier glacé opaque, monté sous plexi sans reflet, sur sintra, 36 x 32 cm

Dans cette exposition, l'artiste a privilégié une approche conceptuelle et réflexive de l’objet tableau. Les différents états de cette recherche se matérialisent tantôt en photographie, tantôt en peinture sinon en installation ou en sculpture. L’image souple est un projet qui explore la relation image/objet par une réflexion active sur les conditions contemporaines d’apparition, de transformation et de diffusion de l’image. Jean-Benoit Pouliot prend comme point de départ sa propre production de tableaux abstraits desquels il cherche à libérer les images qu’ils portent ; ces dernières deviendraient dès lors libres, souples, et continueraient à cheminer indépendamment de leur support premier. Là où le tableau s’arrête, l’image continue-t-elle ? Si oui, sous quelles formes ? Dans quels espaces ?

In this exhibition, the artist adopts a conceptual and reflexive approach to the painting object. The different states of this exploration variously take shape in photography, painting and in installation or sculpture. Tilt and Shift: Flexible Images is a project that investigates the image/object relationship through an active reflection on the contemporary conditions of the image’s appearance, transformation and distribution. Jean-Benoit Pouliot takes his own production of abstract paintings as a staring point to release the images that are inherent in them; these images will consequently be free, flexible and will continue to follow their course independently of their primary support. Does the image keep on moving beyond the point where the painting ends? If yes, in what shapes? In what spaces?

VIDE ET VERTIGE @ 1700 la poste

23 mars au 18 juin | March 23 to June 18
vernissage 23 mars 18h00 | March 23 ~ 6:00PM
1700laposte.com

 

JOCELYNE ALLOUCHERIE

Jocelyne Alloucherie est née à Québec en 1947. À travers des configurations complexes, son œuvre explore de manière conceptuelle et poétique des notions relatives à limage, à l’objet et au lieu. Son œuvre a été exposée dans plusieurs institutions majeures au Canada, aux États-Unis et dans plusieurs pays d’Europe et d’Asie. Elle a participé avec des œuvres marquantes à la première Biennale canadienne en 1989, à la première Biennale de Montréal en 1998, à Paessaggii / Landscapes en 2001, à la Biennale de Liège en 2002, à Real Spaces / Fictitious Spaces en 2006, à la Biennale de Sedan en 2006 et à plusieurs autres projets et expositions d’envergure sur la scène internationale. En 2008, Jocelyne Alloucherie exposait en solo au Grand Palais de Paris. Jocelyne Alloucherie vit et travaille à Montréal.

Jocelyne Alloucherie was born in Québec City in 1947. Through complex configurations, her work explores, in conceptual and poetic ways, notions related to image, object and place. She has created numerous installations that combine elements informed by sculptural, architectural and photographic considerations. Her work has been presented in many major institutions in Canada and the U.S., as well as in Europe and Asia. She made noted contributions to the first Canadian Biennial (1989), the first Biennale de Montréal (1998), Paessaggii / Landscapes (2001), the Biennale de Liège (2002), Real Spaces / Fictitious Spaces (2006) and the Biennale de Sedan (2006), among other major projects and exhibitions worldwide. In 2008, Alloucherie was the subject of a solo exhibition at the Grand Palais de Paris.

 

IVAN BINET

Ivan Binet, photographe originaire de la ville de Québec, développe une pratique photographique depuis plus d’une vingtaine d’années, explorant principalement la notion de paysage. Il travaille des points de vue qui entraînent une perte de référence spatiale déstabilisante, où la ligne entre représentation et abstraction fléchit pour amener le spectateur vers un état de vertige. On retrouve ses œuvres dans plusieurs collections publiques, dont celles du Musée national des beaux-arts du Québec, du Musée des beaux-arts de Montréal, du Musée canadien de la photographie contemporaine d’Ottawa et la Collection Loto-Québec, entre autres. Plusieurs fois boursier dans le cadre de projets d’intégration des arts à l’architecture, il a réalisé plus d’une vingtaine d’œuvres présentes dans l’espace public. Ivan Binet vit et travaille à L’Ange-Gardien.

Ivan Binet, a photographer originally from Québec City, has been developing his photography practice for more than twenty years, primarily exploring the concept of landscape. He stages sites that are familiar to him, engaging a dialogue in which photography plays the role of mediator. He employs vantage points that produce a destabilizing loss of spatial reference, blurring the line between representation and abstraction to induce a sense of vertigo in the viewer. His work is featured in numerous public collections, including those of the Musée national des beaux-arts du Québec, the Montréal Museum of Fine Arts, the Canadian Museum of Contemporary Photography in Ottawa and the Loto-Québec Collection. The recipient of numerous grants in the context of art and architecture integration projects, Binet has created more than twenty works of public art. In 2005, he was honoured with the Videre Prize from the Prix d’excellence des arts et de la culture de Québec. Ivan Binet lives and works in L’Ange-Gardien.

 

MATHIEU CARDIN

Né en 1983, Mathieu Cardin est originaire de l’Outaouais. Il obtient un baccalauréat en arts visuels de l’Université du Québec en Outaouais en 2010, puis une maîtrise en arts visuels de l’Université de Concordia en 2014. Sa pratique, qui se déploie principalement sous forme de sculptures et d’installations où l’accumulation et la déconstruction se combinent, laisse au spectateur le soin de distinguer ce qui relève de la fiction et de la réalité. Ses installations ont été présentées au Québec, notamment au Parisian Laundry, à la Fondation Guido Molinari, à la Galerie B-312, et au 33e Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul, entre autres. Son travail a aussi été exposé en France, en Italie et au Mexique. Depuis 2008, Mathieu Cardin vit et travaille à Montréal.

Born in 1983, Mathieu Cardin is originally from the Outaouais region of Québec. He holds a BA in Visual Arts from the Université du Québec en Outaouais (2010), and an MFA in Studio Arts from Concordia University (2014). His practice takes form primarily through sculptures and installations in which accumulation is combined with deconstruction, leaving the viewer to distinguish between reality and fiction. Cardin’s work is often articulated around a narrative in which the exhibition visitor, as an accomplice to the artist, takes on the double role of actor and spectator. His installations have been presented in Québec, notably at the Parisian Laundry, the Fondation Guido Molinari, Galerie B-312, and the 33rd Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul. His work has also been shown in France, Italy and Mexico. Since 2008, Mathieu Cardin has lived and worked in Montréal.

PRENDRE PLACE @ mai

16 au 25 mars | March 16 to 25
20 $ / performance*
60 $ : accès illimité
m-a-i.qc.ca

Martin O'Brien performing If it Were the Apocalypse I'd Eat You To Stay Alive at Toynbee Studios

• 16 mars: The Sign - Chun Hua Catherine Dong (Montréal) – 20h
• 17-18 mars: I stand in - Julie Vulcan (Sydney, Australie) – 18h
• 17-18 mars: It’s not a thing - keyon gaskin (Portland, Oregon) – 20h
• 23 mars: Make a line - Francisco-Fernando Granados (Toronto) – 19h
• 23 mars: 50 Bulbs - Hee Ran Lee (New York, Séoul) – 20h
• 24 mars: Lectures on flesh and death - Francis Marion Moseley Wilson (Oberlin, USA, Glasgow, UK) – 19h
• 24 mars: If I were The Apocalypse - Martin O’Brien (Londres, R.-U.) – 21h
• 25 mars: Uroborus - La Pocha Nostra (San Francisco) – 20h
  

*À l’exception des performances de Julie Vulcan et de Francisco-Fernando Granados qui sont présentées gratuitement 

La quête identitaire est souvent nourrie par un besoin de trouver un lieu auquel nous appartenons. En 2017, la notion de lieu sera capitale au Canada. Les récits ayant particulièrement trait à l'appartenance et à la cohésion sociale revêtiront une importance cruciale. Prendre sa place est une série portant sur les arts performatifs qui réunit sous un même toit huit artistes exceptionnels issus des quatre coins du monde au moment précis où la notion de lieu devient singulièrement pertinente. Adresse, géographie, attachement territorial. Communauté. La série Prendre sa place a en outre été conçue pour faire référence aux droits civils et aux mouvements de libération qui ont trait à l'inclusion. Il s'agit de prendre sa place au moment où la notion d'équité est toute aussi déterminante. Intersection, identité sociale et frontières indéfinies.

The search for who we are is often fuelled by a need to find a place where we belong. The notion of place in Canada in 2017 will be significant. Narratives particular to belonging and to social cohesion will be critical. Taking Place is a performance art series conceived as a means to group together eight significant performance artists from around the globe under one roof precisely at a time when the notion of place becomes especially relevant.  Place as address, as geography, as territorial attachment. Community. Taking Place was also conceived as a means to reference civil rights and liberation movements, of inclusiveness. Taking one’s place at a time when the notion of equity is equally as climacteric. Intersection, social identity and indefinite borders.

4 ARTISTES @ fofa

27 fév au 31 mars | Feb 27 to March 31
vernissage 2 mars 17h00 | March 2 ~ 5:00PM
concordia.ca/fofa-gallery

 

NATALIE NADEAU
« CHIP PRODUCTION »
Vitrines du corridor York

Natalie Nadeau, Chip Production.

Chip Production déconstruit les procédés de fabrication en imitant ceux d’outils ou de pièces d’automobile, et donne sens aux détritus créés durant ces procédés. L’œuvre vise à illustrer l’élégance et l’attrait que les déchets matériels peuvent revêtir à mesure qu’ils révèlent le produit fini. Des gants de travail coulés dans le bronze traduisent un regard romantique sur l’ouvrier d’usine. L’artiste rend ainsi hommage à la matérialité de la production en série tout en reconnaissant l’importance des mains du travailleur dans un environnement ultramécanique.

Chip Production deconstructs manufacturing processes, emulating that of tool die or auto part production, and gives significance to the waste that is created during these processes. It aims to illustrate the kind of elegance and seduction that material refuse can take on as it reveals the finished product. A romanticized observation of the factory worker is portrayed through the bronze casted work gloves. The work is an homage to the materiality of mass production while recognizing the importance of the hand of a worker within these ultra-mechanical environments.

 

SURABHI GHOSH
« ANANTA UNDONE »
Espace principal

Dans Ananta Undone, Surabhi Ghosh examine comment le motif répétitif réconcilie les limites de l’expérience humaine avec l’infini de l’univers. Au moyen de motifs fondamentaux, comme le bloc, le cercle et la bande, l’artiste évoque les diverses manières dont les êtres humains ont tenté de conceptualiser ou de décrire l’infini. Toutefois, les matériaux idiosyncrasiques utilisés contrarient, de manière imprévisible, les desseins métaphysiques de Surabhi Ghosh et celle-ci, en manipulant ces matériaux à la main, ne fait que révéler l’inéluctable finitude de l’être humain.

In Ananta Undone, Surabhi Ghosh considers how repetitive pattern reconciles the limits of human experience within the infinite universe. Deploying fundamental motifs—such as the block, circle, and stripe—she alludes to a range of ways humans have attempted to conceptualize or describe infinity. But her idiosyncratic materials interfere unpredictably in these metaphysical pursuits, and through manipulating them by hand she reveals an inevitable human finiteness.

 

JESSICA AUER
« STILL RUINS, MOVING STONES »
Boîte noire

Jessica Auer, Still Ruins, Moving Stones, 2014, HD Video, 00:13:15. Featuring: Georg Nyegaard, Henrik Høier, Jacob Noe Bovin. Cinematography & Sound Design: Terryll Loffler. Direction: Jessica Auer. Filmed on location in South Greenland.

Se référant directement à la « découverte » de l’Amérique du Nord par les Européens, Jessica Auer s’inspire de l’archéologie et des sagas islandaises pour examiner cette énigme historique. Après plusieurs années à suivre les traces des premiers explorateurs vikings qui ont foulé le sol du Nouveau Monde, l’artiste s’est rendue au Groenland pour rejoindre une équipe d’archéologues danois œuvrant à la restauration des ruines des colonies nordiques les mieux préservées du monde. Dans ce paysage à mi-chemin entre l’Ancien et le Nouveau Monde, l’histoire se révèle au fil des strates qu’elle parcourt. Des pierres pouvant avoir servi de fondation dans une construction ancienne sont aujourd’hui intégrées dans les murs d’une maison moderne. D’autres pierres ainsi détournées il y a longtemps de leur fonction initiale sont récupérées pour la restauration d’un site archéologique.

Referring directly to the European "discovery" of North America, Jessica Auer draws from saga literature and archeology to examine this historical enigma. After spending several years following in the footsteps of the Viking explorers that first encountered the New World, the artist travels to Greenland where a team of Danish archeologists work on the restoration of the world’s best-preserved Norse ruins. In this landscape, somewhere between the Old and the New Worlds, layers of history drift from one stratum to another. Stones that may once have supported a ruin now punctuate the walls of a modern house. Other stones, previously shifted to new purposes, are shifted back to restore an archaeological site.

 

VICTOR ARROYO
« MTL NORD »
Vitrine Ste-Catherine

Victor Arroyo, MTL Nord (video still), 2016, 35:00 min.

Le soir du 9 août 2008, Fredy Villanueva a été abattu par le policier Jean-Loup Lapointe à l’aréna Henri-Bourassa, dans l’arrondissement de Montréal-Nord. Le jour suivant, des émeutes ont éclaté et un mouvement social est alors né : Montréal-Nord Républik. Le meurtre de Fredy Villanueva a non seulement attisé le sentiment d’exclusion sociale et le mécontentement qui sommeillaient depuis des années, mais aussi mis en lumière les tactiques de surveillance policière actuelles, l’asymétrie des pouvoirs institutionnels et le profilage racial. Montréal-Nord existe sous l’œil des autorités. Caméras de sécurité et de surveillance, télévision en circuit fermé, applications Google Maps et Google Street View usent tous d’un regard descendant jeté par divers mécanismes institutionnels asymétriques, qui façonnent des perspectives verticales composites.

On the evening of August 9, 2008, Fredy Villanueva was shot and killed by police officer Jean-Loup Lapointe at the Henri-Bourassa Arena in the Montréal Nord area. Riots broke out the next day, and with that, a social movement wass born: the Montreal Nord Affaire. The killing of Fredy Villanueva not only stirred up years of social exclusion and discontent, but also brought visibility to current tactics of police surveillance, institutional power asymmetries and racial profiling. Montréal Nord operates under the gaze of power; security and surveillance cameras, CCTV, Google Maps and Google street view—all employ a vertical glance operated by assorted asymmetrical institutional mechanisms, forging composite vertical views.

HB @ clark

« HORS PAGE »
commissaires HB : Marie-Pier Bocquet, Kaeten Bonli, Jonathan Demers, Corine Lemieux, Yan Romanesky, Julie Tremble et Joyce Yahouda
commissaires CLARK : Roxanne Arsenault et Manon Tourigny
jusqu'au 18 fév | until Feb 18
finissage 18 fév 18h00 | Feb 18 ~ 6:00PM
centreclark.com

LILLI CARRÉ - DENNIS & DEBBIE CLUB - BARRY DOUPÉ - JACQUES DESBIENS - PIERRE HÉBERT - JESS JOHNSON - AMY LOCKHART - SOPHIE LATOUCHE - JENNY LIN - ADRIAN NORVID

HB œuvre à présenter les pratiques actuelles du dessin dans une revue imprimée, sorte d’exposition sur papier où se déploient, se côtoient et interagissent les œuvres au détour de chaque page. Assemblés dans le plaisir par un collectif de commissaires, les numéros de HB publiés depuis 2013 proposent une sélection surprenante d’artistes établis comme émergents, québécois, canadiens ou étrangers.

Faisant suite à deux parutions thématiques (le no 4 Erotica et le no 5 Structures), ce sixième opus interroge les pratiques du dessin qui débordent du cadre et qui  apparaissent « inexposables » dans le contexte de la publication. Les œuvres sélectionnées posent des problèmes évidents de reproduction, ne pouvant être réduites à une page qui les dépouillerait de leur spatialité, leur temporalité, leur immersivité ou leur interactivité. Elles mettent en lumière les limitations du format et non celles du modèle curatorial d’HB, qui une fois transposé aux espaces d’exposition, maintien sa cohérence, son flair et son mordant. Les commissaires proposent ici un corpus qui ne prétend pas dresser un portrait exhaustif des stratégies employées par les artistes qui dessinent hors page, mais qui cristallise plutôt une vision singulière en concordance avec l’esprit de HB. Dans cette optique, l’exposition se présente comme un numéro en soi, disponible pour une durée définie et dans un espace donné.

HB strives to present current drawing practices in a printed magazine format; a kind of exhibition on paper where works unfold, come together and interact within its pages. First published in 2013 and meticulously assembled by a team of curators, HB presents an impressive selection of emerging and established artists from Québec, Canada and beyond.

Following its two thematic issues (No. 4 Erotica, and the soon to be released No. 5 Structures), this sixth opus looks at drawing practices that reach beyond the page and which are largely “un-representable” in published form. The selected works demonstrate obvious challenges in terms of print reproduction, where reducing them to a single page robs them of their spatial, temporal, immersive and interactive qualities. These works may reveal the limitations of the printed format, but not those of HB’s curatorial model, which, once transposed to the exhibition space of the gallery, manages to maintain its coherence, flair and biting wit. While the curated works in this exhibition are not entirely representative of the strategies and approaches used by artists who draw off the page, they express a unique vision that reflects the spirit of HB. As such, the exhibition is presented as a kind of magazine issue in and of itself, available for a limited time within a limited space.