ratsdeville

SOPHIE JODOIN ~ prix giverny capital

Sophie Jodoin, vue d'installation, Room(s) to move: je, tu, elle, EXPRESSION, St-Hyacinthe, 2017. Photo : Éliane Excoffier

La firme de gestion de portefeuilles privés Giverny Capital et son président François Rochon sont heureux d’annoncer la sixième édition du Prix Giverny Capital. Ce prix, accompagné d’une bourse de 10 000 $, est remis à un ou une artiste en arts visuels du Québec. Avec la mise sur pied d’un tel prix, Giverny Capital tient à souligner et à encourager l’excellence, l’originalité et la force créatrice de l’art actuel d’ici. Le Prix Giverny Capital est remis tous les deux ans. Le jury a sélectionné avec enthousiasme l’artiste Sophie Jodoin pour l’édition 2017. Par ce prix, le jury souhaite souligner le travail assidu et soutenu de cette artiste en arts visuels.

Le jury de la sixième édition du Prix Giverny Capital est composé de Marie-Ève Beaupré, conservatrice de la collection au Musée d’art contemporain de Montréal, de Louise Déry, directrice de la Galerie de l’UQAM, de Geneviève Goyer-Ouimette, conservatrice de l'art québécois et canadien contemporain au Musée des Beaux-Arts de Montréal, de Marie-Josée Jean, directrice de VOX, centre de l’image contemporaine, et d’Anne-Marie St-Jean Aubre, conservatrice à l’art contemporain au Musée de Joliette.

LOREN WILLIAMS @ osler library

« MATERIA MEDICA »
13 déc au 4 mai | Dec 13 to May 4
vernissage 13 déc ~ 17h30 | Dec 13 ~ 5:30PM
Osler Library of the History of Medicine

Trace, late 14th century, “to make a plan or diagram”, from Old French, 12th century, trasser “delineate, score, trace, follow, pursue”.

Invited by the Osler Library to create a body of work on the theme of Montreal’s medical history, and recipient of the Larose - Osler Artist in Residence for 2017, the artist combines artifacts from the Osler collection with collected and created traces of Montreal’s medical past. The work in this exhibition draws inspiration from books and artifacts in the Osler Library as well as a wide variety of other sources. In particular, early maps of the city offer a form of time travel, indicating the location of the first hospitals and their large gardens used for food and medicinal plants. Three hundred year old streets such as rue de l’Hopital and rue des Soeurs Grises still exist in Montreal today, drawing direct lines to Montreal’s medical history, as do streets named Jeanne Mance, Marguerite d’Youville and Penfield.

GABOR SZILASI @ mccord

« LE MONDE DE L’ART À MONTRÉAL, 1960-1980 »
jusqu'au 29 avril | until April 29
musee-mccord.qc.ca

Irene F. Whittome et Guido Molinari au vernissage de l’exposition d’Irene F. Whittome à la Galerie Martal, Montréal, octobre 1973, Épreuve à la gélatine argentique (2017)

L'exposition réunit 43 photographies, en noir et blanc, provenant de la collection de l’artiste. De ce nombre, 40 sont inédites et ont été imprimées spécialement pour l’occasion. Réalisées lors de vernissages d’expositions et autres manifestations artistiques qui ont eu lieu à Montréal entre 1960 et 1980, les photographies choisies se succèdent selon l’ordre chronologique et immortalisent des visages, des lieux, et l’effervescence de la scène artistique montréalaise en une période de grands bouleversements sociaux et culturels. Dans un style documentaire spontané, elles représentent le monde artistique à une époque où l’art commençait à s’affirmer au Québec. Au cours des années 1960 et 1970, le milieu des arts a en effet connu un essor et une diversification sans précédent. Les images de Szilasi reflètent l’élégance discrète du début des années 1960, qui cède petit à petit la place à l’atmosphère d’enthousiasme débridé de la fin de la décennie. Celle-ci se transforme en une ambiance d’irrévérence décontractée avec l’arrivée des années 1970.

The exhibition presents 43 black and white photographs from the artist's personal collection, 40 of which have never been published and were printed especially for the occasion. Taken at exhibition openings and other artistic events held in Montreal between 1960 and 1980, the selected photographs are presented in chronological order and immortalize the faces, places and vitality of Montreal's art scene at a time of social and cultural upheaval. Shot in a spontaneous documentary style, they capture the art scene of the 1960s and 1970s, a period of unprecedented growth and diversification when art was coming into its own in Quebec. Szilasi's images show the restrained elegance of the early 1960s, which slowly gave way to an atmosphere of unbridled enthusiasm by the end of the decade, before settling into a mood of relaxed irreverence in the 1970s.

SARA DAY @ vitrine du 2126 rachel

jusqu'au 29 déc | until Dec 29
atelier Daignault/Schofield : 2126 Rachel Est

Bucket of Blood, 2011. Photo : Guy L'Heureux

A lot of the blood pieces are about man's inhumanity to man. It started when i was very young but stepped up a level when the Hutus and Tutsi were slaughtering each other, rivers of blood, along with the bucket of blood comes the bucket of tears they go together and then there is my dark humour, such as the bluebird of happiness, the bird is dead. The pieces are simplistic but the meaning profound. The white figure holding it's head is about the head being the problem, better to think with your heart. The black bearish figure is about different levels of existence within ourselves, outer, inner ,secret. I work a lot but I am very reclusive and solitary. Reflection,contemplation are important to me and inspires the work. – Sara Day

saraday.ca

VARIATION ET AUTONOMIE @ atelier circulaire

1 au 21 déc | Dec 1 to 21
ateliercirculaire.org

Masanari Murai, Sun and Bird, 1973, 89 x 68 x 3 cm

MASANARI MURAI - TOSHINOBU ONOSATO - YASUKAZU TABUCHI - YAYOI KUSAMA - NATSUYUKI NAKANISHI - HITOSHI NAKAZATO - TOMOHARU MURAKAMI - NAOYOSHI HIKOSAKA - KOSAI HORI - TOEKO TATSUNO

L'exposition Variation et autonomie : Estampes de peintres japonais contemporains, organisée en collaboration avec la Japan Foundation et le Consulat Général du Japon à Montréal, met en lumière un nouveau champ artistique ayant vu le jour dans les années 70, celui des estampes réalisées par des peintres japonais contemporains. Remarquables à la fois en tant que variation en peinture qu’en tant que forme autonome, ces œuvres ont aidé à établir l’estampe japonaise contemporaine en lui insufflant une envergure nouvelle. Cette exposition composée des œuvres de 10 artistes peintres de renom est destinée à encourager les visiteurs à revisiter l'histoire de l’estampe japonaise contemporaine. Aujourd’hui, 70 ans après la Seconde Guerre mondiale, à un moment où l’art imprimé se renouvelle pour affirmer sa pertinence au sein de l’art contemporain, il est nécessaire d’en remettre en question l’histoire à partir d’une variété de regards critiques. 

The exhibition Variation and Autonomy: The Prints of Contemporary Japanese Painters, organized in collaboration with the Japan Foundation and the Consulate General of Japan in Montreal, is designed to shed light on a new artistic field that developed in the 70’s through prints made by contemporary Japanese painters. Notable as both a variation on painting and an autonomous form, these works helped establish the genre of contemporary Japanese prints while imbuing it with a new breadth. The exhibition, composed of artworks by 10 renowned painters, is intended to encourage viewers to reconsider the existing history of contemporary Japanese prints. Today, 70 years after World War II, at a time when printed art is renewing itself to assert its relevance in contemporary art, there is a need to reconsider history from a variety of critical perspectives. 

CAROLINE MAUXION + TEJA GAVANKAR @ optica

11 nov au 16 déc | Nov 11 to Dec 16
vernissage 11 nov 15h00 | Nov 11 ~ 3:00PM
optica.ca

 

CAROLINE MAUXION
« UNE ENVELOPPE SANS CONTOURS »

Caroline Mauxion, Une enveloppe sans contours, 2017, impression sur verre trempé, 76, 2 x 152, 4 cm, 76,2 x 152,4 cm

Le corpus présenté ici s'inspire des conditions originelles de la photographie. Par le procédé photographique, qui imprime toute intensité de lumière sur une surface photosensible, des matériaux distincts deviennent proches parents. La plaque de verre fêlée et la flaque d’eau sont des géographies imaginées, des retours constants à l’écriture de Virginia Woolf. La description des espaces entre le tangible et l’intangible dans ses nouvelles et ses romans a guidé le processus créatif de l’artiste. Les œuvres présentées deviennent une réinterprétation d'images récurrentes dans l’écriture woolfienne, s’attardant à rendre visible derrière la « ouate de la vie quotidienne ».

The work presented here is inspired by the originating conditions of photography. Through photographic procedures, which imprint intensities of light onto photosensitive surfaces, distinct materials become closely related. The sheet of cracked glass and the water puddle are imagined geographies, constant returns to writings of Virginia Woolf. The description of spaces between the tangible and the intangible in Woolf’s novels and short stories serve as a guide in the artist’s creative process. The presented works become reinterpretations of recurring motifs in Woolfian imagery, endeavouring to make visible that which is hidden in the “cotton wool of daily life.”

 

TEJA GAVANKAR
« OTHER'S SPACES »

Teja Gavankar, other’s spaces 002, 2016, dessin, 21,59 x 27,94 cm

S’immiscer dans le quotidien et transformer l’espace dans ses traits les plus banals compose le terrain d’action et d’investigation de l’artiste indienne Teja Gavankar. Par la pratique du dessin et de l’intervention in situ, elle négocie les modes d’apparition du territoire afin d’en extraire l’identité et d’en extirper les spécificités. Puisant à même les éléments du paysage construit, devenus communs en raison de leur expérience répétée, elle y fait émerger de nouvelles configurations. Alors que l’artiste a principalement développé des projets in situ dans l’espace urbain, celui présenté au centre OPTICA incarne une première intervention en galerie.

Indian artist Teja Gavankar’s field of investigation and action is the everyday and the transformation of space in its most mundane attributes. Her drawings and in situ interventions negotiate the territory’s modes of appearance, distilling its identity and extracting its specificities. She draws from constructed surroundings, made familiar through repeated experience, and teases out new configurations. While the artist has mainly produced site-specific projects in urban spaces, the work presented at OPTICA represents a first gallery production.

RÊVERIE @ projet pangée

16 nov au 22 déc | Nov 16 to Dec 22
vernissage 16 nov 17h30 | Nov 16 ~ 5:30PM
projetpangee.com

 

MICHELLE BUI

Michelle Bui, Exercice Soft 3, 2017, numeric prints and sculpture

Michelle Bui accumule de manière impulsive objets, matériaux, couleurs, textiles, photographies, et végétaux. Sélectionnées pour leur disponibilité et leurs qualités tactiles, ces collections sont impeccablement rangées et sans cesse retriées dans son atelier. Elles agissent comme des fragments en attente d’un assemblage prometteur. Originaire de Montréal, Michelle Bui est diplômée en peinture et dessin de l’Université Concordia et poursuit actuellement une maîtrise en arts visuels et médiatiques à l’Université du Québec à Montréal. En 2017, elle a continué ses recherches sur la matérialité de la photographie à l’École nationale supérieure des beaux-arts de Paris et a représenté la relève en photographie aux Jeux de la Francophonie à Abidjan. Récipiendaire de la bourse François-Xavier Marange, Michelle Bui est l’artiste en résidence de l’Atelier Circulaire pour la prochaine année. Elle y développe un travail intitulé Pool of Plenty qui sera présenté à la Galerie de l’UQAM (janvier 2018) ainsi qu’au centre VU PHOTO à Québec (février 2018).

Michelle Bui impulsively accumulates objects, materials, colours, textiles, photographs and plants. Selected for their availability and tactile qualities, her collections are impeccably arranged and constantly retrieved and reorganized in her studio. They act as fragments, waiting to become the subjects of a promising assemblage. A native of Montreal, Michelle Bui received a BFA in Painting and Drawing from Concordia University and is currently a Master's candidate in Visual and Media Arts at the Université du Québec à Montréal. In 2017, pursuing her research on the materiality of photography at the Ecole Nationale Superieure des Beaux-Arts in Paris, she represented the emerging talents of photography at the Jeux de la Francophonie in Abidjan. Recipient of the François-Xavier Marange scholarship, Michelle Bui is the artist in residence of the Atelier Circulaire for the next year. She is creating a new body of work called Pool of Plenty, which will be presented at UQAM Gallery (January 2018) and at the VU PHOTO Centre in Quebec City (February 2018).

 

LAURA FINDLAY

Laura Findlay, Rose Hill, 2015, oil on canvas

Laura Findlay est née à Montréal et vit et travaille présentement à Toronto. Son travail en peinture et en installation examine notre façon de comprendre certains événements par l'intermédiaire d'informations fragmentées. Ses expositions récentes incluent Grounds au Brucebo Konstnärshemmet en Suède (2017), Moving While Looking at Things That Do Not Move à The Kamloops Art Gallery en Colombie-Britannique (2017), Messengers chez Zalucky Contemporary à Toronto (2017), Ghost Story au Xspace Cultural Centre à Toronto (2016), @--}--- chez Lord Ludd à Philadelphie (2016) et Night Birds chez Seafoam à Toronto (2016). En 2014, Findlay a obtenu sa maîtrise en beaux-arts à l'Université de Guelph.

Laura Findlay is born in Montreal and is currently a Toronto-based artist who makes paintings and installations that examine understanding events through fragmentary information. Recent exhibitions include Grounds at Brucebo Konstnärshemmet, Sweden (2017), Moving While Looking at Things That Do Not Move at The Kamloops Art Gallery, British-Colombia (2017), Messengers at Zalucky Contemporary, Toronto (2017), Ghost Story at Xspace Cultural Centre, Toronto (2016), @--}--- at Lord Ludd, Philadelphia (2016) and Night Birds at Seafoam, Toronto (2016). She completed her MFA at the University of Guelph in 2014.

 

XAN SHIAN

Xan Shian, Epyllia, 2017, colour print on transparency

Xan Shian est une artiste multidisciplinaire, photographe et écrivaine vivant à Montréal. Son travail cherche à combler le fossé entre la photographie et la poésie, tout en naviguant les tensions tropiques à travers des relations matérielles, personnelles et interpersonnelles. S'inspirant de théories en rhétorique, philosophie et littérature, elle s'intéresse aux expériences vécues, la sienne comme celles des autres. Elle a publié deux livres, Ontology (Folca Press, 2017) et Threshold (Leaf Press, 2015), en collaboration avec la poétesse Marilyn Bowering. Elle a exposé son travail en Écosse et à Victoria, en Colombie-Britannique. En 2017, elle a été la commissaire de l'exposition multidisciplinaire Ontology à Espace Projet, Montréal, dans le cadre du Festival Art Matters. Elle détient un baccalauréat en communications de l'Université Concordia (2012) et termine actuellement un baccalauréat en arts visuels, spécialisation en photographie, également à l'Université Concordia.

Xan Shian is a multidisciplinary artist, photographer, and writer living in Montreal. Her work seeks to bridge the chasm between photography and poetry, while navigating tropic tensions through material, personal and interpersonal relationships. Drawing on rhetorical theory, philosophy, and literature she filters her work through the lens of lived experience, both that of her own and of others. She has published two books, Ontology (Folca Press, 2017) and Threshold (Leaf Press, 2015), in collaboration with poet, Marilyn Bowering. She has exhibited her work in Scotland and Victoria, BC. In 2017 she curated the multidisciplinary exhibit, Ontology, at Espace Projet in Montreal as part of the Art Matters Festival. She has a BA in Communication Studies from Concordia University (2012), and is currently finishing a BFA in Studio Arts, Photography, also at Concordia University.

MARIANNE CHEVALIER & CAROLINE ARIANE BERGERON @ artothèque

« HAUTS FONDS »
jusqu'au 9 déc | until Dec 9
artotheque.ca

 

MARIANNE CHEVALIER

L’œuvre de Marianne Chevalier se présente à nous par un amoncellement de symboles, de textures et de motifs qui, joints ensemble, forment un long diaporama étrange et fantaisiste parcouru de minuscules personnages tout aussi insolites. Telle une œuvre immersive, elle désire faire plonger le spectateur dans ce parcours visuel où il pourra vagabonder par la pensée, tout en ressentant une impression d’étrangeté. Inspirée par les contes de fées dans leur version d’origine, par les mythologies, les imageries alchimiques et les fabliaux du Moyen-âge, Marianne s’intéresse à l’ambiance brutale et inquiétante qui émane de ces sources imagées.

 

CAROLINE ARIANE BERGERON

Les pièces sculpturales de Caroline Ariane Bergeron, généralement présentées en série et sous forme d’installation, ont souvent une apparence organique, parfois ambiguë, évoquant le corps humain sans le dépeindre exactement, ou reprenant d’autres formes de la nature. L’installation, Objets de la Mer — Noli Me Tangere comprend une série de sculptures de céramique imitant des spécimens qu’on aurait trouvés au bord de la mer : coquillages, coraux, éponges, pierres ponces et autres curiosités d’origine animale ou minérale, dont la surface est ponctuée de pores et de traces laissées par l’érosion et la fossilisation. La transformation, la métamorphose, l’évolution des corps et des matières sont au cœur de sa recherche pseudo-scientifique à la fois formelle et conceptuelle.

COLLECTIF BLANC @ arprim

« ÉDITION | FORME | EXPÉRIMENTATION »
10 nov au 20 jan | Nov 10 to Jan 20
vernissage 10 nov 17h30 | Nov 10 ~ 5:30PM
arprim.org

Ines Cox

Dans cette version repensée de l’exposition Édition / Forme / Expérimentation, la designer graphique Marie-Ève Tourigny et l’éditrice Catherine Métayer, qui ensembles forment le duo Collectif Blanc, proposent une vision curatoriale singulière, à la fois éclatée et érudite, mettant en lumière une cinquantaine d’artistes locaux et internationaux œuvrant dans la publication imprimée. Des fanzines aux livres rares, de la publication à compte d’auteur aux réalisations des plus grands studios de design, les œuvres constituent un corpus exemplaire quant à la notion d’expérimentation, vis-à-vis d’un format qui semble souvent se présenter avec des paramètres définis et prédéterminés. Ici, les commissaires attirent notre regard sur les qualités formelles et conceptuelles du livre, celles qui bousculent les limites entre l’objet utilitaire, véhicule d’information, et l’objet artistique, fruit de la collaboration entre artistes, auteurs, designer graphiques, éditeurs et autres intervenants.

In this revisited version of their exhibition Édition / Forme / Expérimentation, the duo Collectif Blanc composed of graphic designer Marie-Ève Tourigny and publisher Catherine Métayer proposes a singular curatorial vision, both off-the-wall and erudite, that highlights the printed publications of fifty local and international artists. From fanzines to rare books, self-published pieces to major design studio publications, this exhibition brings together an exemplary body of works that charts the experimental potential of a format that is often seen as bound by a set of well-defined and predetermined parameters. In it, curators draw our attention to the formal and conceptual qualities of books—those that disrupt the boundaries between everyday object, information medium and work of art—as the results of collaborations between artists, authors, graphic designers, publishers and other actors in the field. 

NADIA MYRE @ mbam

« TOUT CE QUI RESTE – SCATTERED REMAINS »
Commissaire : Geneviève Goyer-Ouimettte
15 nov au 27 mai | Nov 15 to May 27
mbam.qc.ca

Code Switching (Pipe Beads), 2017, impression numérique. Avec l’aimable concours du CARCC et d’Art Mûr

L'exposition dévoile en première canadienne Code Switching, une série produite dans le cadre de la résidence de l’artiste à la Fonderie Darling en 2016-2017, sous le parrainage du MBAM. L’exposition regroupe une vingtaine d’œuvres – photographies et sculptures – de l’artiste, réalisées entre 2000 et 2017. Cette présentation du MBAM s’inscrit dans le cadre d’Elles Autochtones une saison particulière consacrée à des artistes femmes autochtones contemporaines. Nadia Myre est membre de la nation algonquine Kitigan Zibi Anishnabeg. Dans ses œuvres, elle revisite l’histoire officielle des peuples autochtones ainsi que leurs luttes politiques et sociales. Elle juxtapose judicieusement son expérience personnelle à celle d’autrui. Grâce à cette approche, ses œuvres sont fortement empreintes de symbolisme, incitant à la contemplation et à la réflexion. Le travail de Nadia Myre s’inscrit dans une démarche participative et aborde essentiellement les thèmes de l’identité, du langage, du désir et de la mémoire. Telles des témoins d’échanges culturels entre peuples, les œuvres rassemblées dans TOUT CE QUI RESTE – SCATTERED REMAINS marquent la rencontre entre Autochtones et Européens.