ratsdeville

GWENAËL BÉLANGER @ graff

« DÉPEINDRE »
jusqu'au 21 juin | until June 21
graff.ca

Gwenaël Bélanger, Dépeindre (Claude Tousignant, Accélérateur chromatique 64, 1967), 2013, Impression jet d'encre; ed 5, 120 cm (diam.)

Dépeindre nous fait revisiter diverses grandes œuvres de l’art québécois tirées de la collection du Musée national des beaux-arts du Québec, que l’artiste a photographiées à travers une plaque de verre enduite d’une substance grasse incolore, similaire à celle employée pour la série Fleurs (2011-2012). Les toiles originales, comme liquéfiées, voient leur composition fondre en une interaction simplifiée de leurs couleurs dominantes, alors que dessin et touche s’effacent derrière les nouvelles topographies générées par le dispositif de Bélanger. Cette méthode, maintenant appliquée à des sujets plus complexes, plus connotés, épure et renforce le concept cher à l’artiste de fragmentation/recomposition de l’objet.

Dépeindre revisits various historical works of art by major Quebec artists from the Musée national des beaux-arts du Québec’s collection, and which Bélanger has photographed through large glass plates coated with a colorless, oily substance, similar to the one used in his previousFlowers series (2011-2012). Behind it, the original paintings seem to liquefy, their composition melting away into a simpler interaction of their dominant colors, as Bélanger’s system twists them into new forms and textures. This contraption, aimed at a more complex and connotated subject matter, both condenses and strengthens the recurring concept in Bélanger’s art of the object’s destruction/reconstruction.

OLIVIER MATHIEU ~ réponse au philosophe

En réponse à Libre opinion - Que reste-t-il de l’art en 2014?

Joseph Beuys, zeige deine Wunde (show your wound), 1974/75, © VG Bild-Kunst, Bonn 2010; Foto: Achim Kukulies; © Kunstsammlung NRW

Le 13 janvier dernier, le philosophe Pierre Desjardins signait une lettre dans la section « libre opinion » du Devoir où il proposait au lecteur une sorte d’état des lieux du monde de l’art contemporain. Il y faisait ce constat que l’esthétisation et la démocratisation de l’art accomplies au fil des dernières décennies auraient eu pour effet de soustraire les œuvres à leur rôle essentiel dans le « dévoilement de grandes vérités » pour en faire plutôt autant d’objets voués à procurer au consommateur une expérience apaisante. « Nous sommes à l’époque de l’art thérapie », écrivait-il, soulignant du même coup l’écart catastrophique entre l’art d’aujourd’hui et celui d’une autre époque, dont on comprend bien qu’il est nostalgique.

Il est de nombreuses questions que l’on pourrait vouloir adresser à M. Desjardins tant son texte est court et ses propositions étendues. Je me limiterai aux deux suivantes. D’abord, quelle est cette autre époque, cet âge d’or de l’art révélateur de « grandes vérités » ? Étant donné ses allusions à la figure de l’artiste solitaire et à la peinture du 19e siècle, on pourrait penser que c’est à cette époque, soit celle de la peinture romantique, qu’il la situe. Mais encore faudrait-il savoir de quelle peinture il s’agit exactement : allemande ? italienne ? française ? anglaise ? Préraphaélite ? Impressionniste ? Or peut-on vraiment penser que toutes ces traditions et ces pratiques artistiques distinctes, lesquelles n’achèvent pas de décrire la variété des œuvres de cette époque, relèvent d’une seule et même fonction, soit celle de dévoiler de grandes vérités ? En fait, un bref coup d’œil à l’histoire de l’art révélera combien la chose semble fort peu probable : si certaines références thématiques semblent se répéter dans les œuvres de Caspar David Friedrich et de William Turner, force est de constater que la peinture n’invite plus du tout au même regard lorsqu’elle répond des coups de pinceau d’un Monet ou d’un Van Gogh. Aussi, si l’on devait se risquer à un commentaire général – et conséquemment faussement réducteur – sur l’art du 19e siècle, ce serait plutôt celui-ci, que les pratiques artistiques de cette époque auront été autant de tentatives de réponse artistique aux thèses philosophiques du siècle précédent, elles dont deux des maître-concepts auront été ceux d’expérience esthétique et de génie. Impossible, bien sûr, de faire le détail de cette histoire de la philosophie ici. Je me contenterai donc de rappeler qu’Edward Young, auteur anglais du 18e siècle dont on aura souvent affirmé l’influence sur l’art du 19e siècle, voyait dans les belles œuvres du génie et les expériences qu’elles procurent un doux cordial dont l’effet était très précisément d’apaiser l’âme sujette à une fortune malheureuse. L’époque de l’art thérapie, peut-on penser, n’aura donc pas attendu notre siècle pour battre son plein.

2FIK @ galerie espace

« 2FIK’S MUSEUM »
jusqu'au 21 jan | until Jan 21
vernissage 17 jan 17h00 | Jan 17 ~ 5:00PM
galerie-espace.ca

2Fik, photographe et modèle de ses œuvres, revient pour présenter une toute nouvelle série titrée « 2Fik’s Museum ». Cette dernière compte 22 œuvres photographiques réinterprétant des tableaux classiques et contemporain, célèbres ou moins connus. La série « 2Fik’s Museum » ressort d’une démarche dans laquelle 2Fik a questionné la sacralisation des tableaux célèbres. En basant ses œuvres photographiques sur des peintures classiques, il casse une image lisée par le temps, la culture et « l’étiquette » des beaux-arts.

CLAIRE BEAUGRAND-CHAMPAGNE @ mccord

« ÉMOUVANTE VÉRITÉ - PHOTOGRAPHIES DE 1970 À 2013 »
jusqu'au 13 avril | until Arpil 13
musee-mccord.qc.ca

M. Korzun, 101 ans, Hôpital Notre-Dame-de-la-Merci, Montréal, 1973 © Claire Beaugrand-Champagne

Près de 200 photographies, en noir et blanc, pour la plupart, feront découvrir une œuvre incontournable dans les annales de la photographie documentaire au Canada et particulièrement au Québec. Première femme photographe de presse au Québec, Claire Beaugrand-Champagne saisit sur pellicule, depuis les années 1970, des images de gens d’ici et d’ailleurs, qui l’entourent et l’inspirent, avec un talent unique pour communiquer l’émotion ressentie. Son œuvre qui s’échelonne sur plus de 40 ans comporte essentiellement des portraits d’individus dans leur milieu de vie et de travail. Ses essais photographiques, qui constituent notamment un éloquent portrait de la société québécoise, parviennent à exprimer l’extraordinaire dans la banalité de même qu’à mettre en évidence le fait que chaque individu est unique et que chaque vie vaut la peine d’être racontée. « Fidèle à notre volonté de montrer la meilleure photographie documentaire d’ici et d’ailleurs, il est tout naturel pour le Musée McCord de présenter l’œuvre de Claire Beaugrand-Champagne », déclare Suzanne Sauvage, présidente et chef de la direction du Musée McCord. « Claire Beaugrand-Champagne est une figure marquante de la photographie au Québec et son travail n’a cessé, depuis plus de quatre décennies, de nous émouvoir et de nous interpeller », poursuit-elle.

The exhibition, featuring close to 200 mostly black and white photographs, represents an important body of work in the history of documentary photography in Canada and particularly in Quebec. The first female press photographer in Quebec, Claire Beaugrand-Champagne has, since the 1970s, photographed the people who surround and inspire her, managing to deftly capture the emotional impact of each encounter. Her work, which spans more than 40 years, primarily consists of portraits of individuals in their living and work environments. Her photo essays, which paint an eloquent portrait of Quebec society, find the extraordinary in everyday life and remind us that each individual is unique and every life is worth recounting. “In keeping with our commitment to display the best documentary photography from here and elsewhere, it was only natural that the McCord Museum would present the work of Claire Beaugrand-Champagne,” declared Suzanne Sauvage, President and Chief Executive Officer of the McCord Museum. Claire Beaugrand-Champagne figures prominently in Quebec photography, and for more than 40 years, her work has never ceased to move us and speak to us.”

ESP MTL @ battat contemporary

jusqu'au 21 déc | until Dec 21
battatcontemporary.com

Maggie Groat, 2013, sériegraphie/screeprint, edition 1/3

MAGGIE GROAT - LEISURE (MEREDITH CARRUTHERS & SUSANNAH WESLEY) - NAOMI YASUI

Cette exposition inaugure la proposition d'échange de leur espace respectif que Battat Contemporary et ESP sont fières de mettre de l'avant. Subséquemment, Battat Contemporary aura l'opportunité de présenter à son tour le travail de certains de ses artistes en avril 2014 à Toronto. Ouverte en 2011, Erin Stump Projects s'est rapidement illustrée comme l'une des galeries émergentes des plus dynamiques et prometteuses de la scène torontoise, présentant le travail d'artistes de la relève canadienne. ESP Mtl pose un regard sur les liens convergents qu'entretiennent le travail des artistes Maggie Groat, Leisure (Meredith Carruthers & Susannah Wesley) et Naomi Yasui, toutes artistes et collaboratrices de la galerie Erin Stump Projects.

This inaugural event will be followed by a corresponding exhibition of works by artists from Battat Contemporary with Erin Stump Projects in Toronto in April 2014. Open since 2011, Erin Stump Projects was quickly identified as among the most promising and dynamic of Toronto's new galleries, with a noteworthy roster of emerging Canadian artists. ESP Mtl provides an insightful and imaginative survey of convergences in the practices of Erin Stump Projects artists and collaborators Maggie Groat, Leisure (Meredith Carruthers & Susannah Wesley) and Naomi Yasui.

ANARCHISME SANS ADJECTIF @ ellen

sur le travail de Christopher D'Archangelo, 1975-1979
commissaires : Dean Inkster et Sébastien Pluot
jusqu'au 26 oct | until Oct 26
ellengallery.concordia.ca

Image tirée d'un entretien vidéo avec Lawrence Weiner réalisé par Dean Inkster et Sébastien Pluot, New York, septembre 2005

Entretiens vidéo de Stephen Antonakos, Benjamin H. D. Buchloh, Daniel Buren, Ben Kinmont, Peter Nadin, Naomi Spector, Lawrence Weiner. Avec la participation de Pierre Bal-Blanc, Sophie Bélair Clément, Simon Brown, Ben Kinmont, Silvia Kolbowski, Pierre Leguillon, François Lemieux, Rainer Oldendorf, Émilie Parendeau, Nicoline van Harskamp.

Lorsque je déclare que je suis un anarchiste, je dois aussi déclarer que je ne suis pas un anarchiste, pour rester en accord avec l’idée (....) d’anarchisme. Longue vie à l’anarchisme. - Christopher D’Arcangelo

Entre 1975 et 1979, Christopher D’Arcangelo a développé une pratique artistique remarquable pour sa radicalité et sa portée critique à l’égard du rôle de l’artiste, du statut de l’objet d’art, et de l’institutionnalisation de l’art. D’Arcangelo était animé d’un désir de démocratisation radicale de la production et de la réception de l’art, et l’a exprimé à travers une déclaration sur l’anarchisme qui accompagnait la majorité de ses actions et de ses interventions.

Interviews with Stephen Antonakos, Benjamin H.D. Buchloh, Daniel Buren, Ben Kinmont, Peter Nadin, Naomi Spector, Lawrence Weiner. With the participation of Pierre Bal-Blanc, Sophie Bélair Clément, Simon Brown, Ben Kinmont, Silvia Kolbowski, Pierre Leguillon, François Lemieux, Rainer Oldendorf, Émilie Parendeau, Nicoline van Harskamp

When I state that I am an anarchist, I must also state that I am not an anarchist, to be in keeping with the (….) idea of anarchism. Long live anarchism.
 - Christopher D’Arcangelo

Between 1975 and 1979, the North American artist Christopher D’Arcangelo (1955-1979) developed an artistic practice that was notable for its radicality and critical import concerning the role of the artist, the status of the art object and the institutionalization of art. A desire for a radical democratization of the production and reception of art motivated D’Arcangelo’s institutional critique, which he voiced in a statement on anarchism.

IANIK MARCIL ~ art populaire

L’auteur Robert Bernier l’affirme sans ambages: «L’art de Pierre Ayot n’a rien de revendicateur, l’artiste préférant se tenir loin des questions sociales et politiques».¹ L’œuvre de Pierre Ayot (1943-1995), l’un des plus illustres représentants du courant pop-art au Québec est, à ce titre, ludique, éclatée, ancrée dans les objets du quotidien. «Rien de revendicateur» – voilà le jugement souvent apposé au pop-art, qui propose «une beauté certaine, mais triviale».²

Pierre Ayot, Ma mère revenant de son shopping, 1967, Sérigraphie, 92,0 × 74,4 cm © Succession Pierre Ayot/SODART (Montréal) 2007, Collection du Musée d'art de Joliette

Pourtant, l’œuvre de Ayot – comme celles de la plupart des artistes pop-art – me semble tout sauf triviale et non revendicatrice. Au-delà des clichés habituels sur ce courant, le pop-art offre bien plus qu’une représentation picturale des objets du quotidien, une récupération du marketing ou une esthétisation de la société de consommation.

Il s’ancre dans la culture historique d’une époque. Le « toaster » de Ayot (T'as encore laissé brûler mes toasts, 1969) ou ses distributrices de gommes à mâcher (... et boule de gomme, 1972) ou sa pin-up au sac d’épicerie Steinberg (Ma mère revenant de son shopping, 1967) sont datés et s’inscrivent dans une réalité socio-historique bien précise. Elles ont un sens. Elles sont populaires.

Or, quel est le sens actuel, plus de 45 ans après, de Ma mère revenant de son shopping? Particulièrement pour quelqu’un n’ayant pas vécu cette époque? Laissons de côté l’expérience esthétique pure que peut procurer cette œuvre. Laissons aussi de côté ce qu’elle nous enseigne de la société de consommation de la fin des années 1960. Quel sens s’en dégage-t-il en 2013?

DOCUMENTER RECRÉER @ cinémathèque québécoise

« ENTRE DOCUMENTATION ET RECREATION : MEMOIRES ET TRANSMISSIONS DES ŒUVRES PERFORMATIVES ET CHOREGRAPHIQUES CONTEMPORAINES »
atelier international organisé par Anne Bénichou
en collaboration avec la Fondation Jean-Pierre Perreault et l’Institut du Patrimoine
jusqu'au 4 mai | until May 4
cinematheque.qc.ca

Étudiants de la School of Toronto Dance Theater en répétition pour la représentation de l'oeuvre Joe, de Jean-Pierre Perreault, Festival Danse Canada, Théâtre du Centre national des Arts (Ottawa), 2012, photo : Fondation Jean-Pierre Perreault.

Quelles mémoires et quelles formes de transmission pour les oeuvres performatives et chorégraphiques contemporaines ? Cette interrogation soulève depuis quelques années de vifs débats, parfois des polémiques, tant sur les plans théorique, artistique, méthodologique, institutionnel, juridique que politique. Pratiques artistiques éphémères, multidisciplinaires, engageant le corps, réalisées dans la perspective d’un rapport à un public, la danse contemporaine et la performance semblent requérir des modes singuliers de mémoires et de transmissions, procédant à la fois de l’archive (des transmissions par l’intermédiaire de traces et de documents) et de la mémoire orale et corporelle (des transmissions directes, d’un corps à un autre, basées sur l’oralité). Ce double registre explique en partie pourquoi, jusque récemment, la danse contemporaine comme la performance ont échappé aux institutions patrimoniales traditionnelles qui reposent essentiellement sur des conceptions archivistiques, documentaires et matérielles du patrimoine.

programmation complète

L'ART CONTEMPORAIN sur ° un show de mot'arts

Principalement connu comme édimestre de ratsdeville [RDV] – un webzine sur les arts visuels de Montréal – Éric Bolduc a récemment ajouté une nouvelle flèche à son arc avec son projet « L’art contemporain ». Si RDV veut mettre de l’avant l’actualité de la scène artistique montréalaise, son nouveau projet se consacre sur l’histoire de l’art contemporain. Selon Bolduc, ce dernier serait un angle mort de la culture populaire. Même ceux qui ont passé par l’École des beaux-arts démontrent certaines lacunes dans cette sphère de la connaissance qui semble cabalistique.

photo : Éloi Desjardins

À partir de cette prémisse, Bolduc a décidé de créer et d’animer une page Facebook qu’il a intitulée L’art contemporain. En utilisant la fonctionnalité timeline de ce média social, notre curateur organise de façon chronologique quelques points d’intérêt. Y sont mis en lumière des anecdotes, des mouvements et des œuvres canoniques de l’art du XXe siècle. Un carnet de route pour naviguer dans les chroniques et remonter aux origines proche de l’art actuel. Une façon conviviale et participative d’apprendre et de partager sur les figures emblématiques qui composent les anthologies.

écouter l'extrait audio

billet sur ° Un Show de Mot'Arts

L'art contemporain ~ un carnet de note

Je vous présente mon nouveau dada facebook.com/artmaintenant

Marcel Duchamp, Roue de bicyclette, 1913, Paris

Depuis peu, je ressens une urgence de me rappeler à moi-même les notions de bases de l'art contemporain. Je réalise que mes connaissances sur le sujet se sont formées autour de quelques cours durant ma formation en beaux arts, il y a une vingtaine d'années. Depuis, c'est d'une façon plutôt intuitive et empirique que j'aborde les pratiques de mes pairs.

C'est en 2006, alors qu'une restructuration me faisait orphelin d'une façon de « gagner ma vie » que je suis devenu « travailleur culturel » et qui plus est, en arts visuels. Des circonstances cosmiques ont semblé m'amener à occuper un poste temporaire - mais combien formateur - à l'AGAC, en tant que coordonnateur des évènements. C'est d'ailleurs avec Matthieu Gauvin et Grégory Kunz que nous avons monté la foire PAPIER.

En 2007, c'est mon premier professeur d'histoire de l'art (du 20e siècle), Anne Bénichou, qui me recommanda à son copain Jacques Doyon, directeur du magazine Ciel variable, qui se cherchait quelqu'un à 3 jours semaines pour vendre de la publicité et s'occuper des abonnements. J'y travaille avec bonheur encore aujourd'hui.

En même temps, j'avais entamé la rédaction de ratsdeville, une sorte de poste d'observation de l'actualité de l'art contemporain à Montréal. Déjà à l'époque, je réalisais que cette entreprise était motivée par un complexe de compensation : je désirais avant tout me familiariser avec les œuvres et les artistes qui faisaient partie du mouvement de l'art actuel.

Aujourd'hui, 6 ans plus tard, je veux revenir à la base et voir « l'état des stocks » en histoire et en théorie de l'art.