ratsdeville

BNLMTL 2016

« LE GRAND BALCON »
Commissaire Philippe Pirotte
19 oct au 15 jan | Oct 19 to Jan 15
ouverture 17 au 21 oct | Oct 17 to 21
macm.org
mbam.qc.ca
lelivart.com
sat.qc.ca
lachapelle.org
galerie.uqam.ca
lastation

 

ANNE IMHOF

 

CELIA PERRIN SIDAROUS

 

HAEGUE YANG

 

LUIS JACOB

 

MOYRA DAVEY

 

NICOLE EISENMAN

 

NJIDEKA AKUNYILI CROSBY

 

SHANNON BOOL

 

HAIG AIVAZIAN - HÜSEYIN BAHRI ALPTEKIN - KNUT ÅSDAM - ERIC BAUDELAIRE - THOMAS BAYRLE - NADIA BELERIQUE - VALÉRIE BLASS - MICHAEL BLUM - DINEO SESHEE BOPAPE - ELAINE CAMERON-WEIR - CHRIS CURRERI - EM’KAL EYONGAKPA - GEOFFREY FARMER - ISA GENZKEN - LIAO GUOHE - LENA HENKE - JUDITH HOPF - IMPURE FICTION - MYRIAM JACOB-ALLARD - BRIAN JUNGEN - JANICE KERBEL - HASSAN KHAN - MEIRO KOIZUMI - DAVID LAMELAS - ZAC LANGDON-POLE - TANYA LUKIN LINKLATER - KERRY JAMES MARSHALL - COREY MCCORKLE - NATHALIE MELIKIAN - LUZIE MEYER - JOE NAMY - SHAHRYAR NASHAT - CADY NOLAND - CAMILLE NORMENT - PME-ART/JACOB WREN - MARINA ROSENFELD - CAMERON ROWLAND - BEN SCHUMACHER - WALTER SCOTT - BENJAMIN SEROR - FRANCES STARK - THIRTEEN BLACK CATS - LUKE WILLIS THOMPSON - DAVID GHERON TRETIAKOFF - LUC TUYMANS - MIES VAN DER ROHE - XU ZHEN / MADEINCOMPANY

 

Le Grand Balcon s’inspire librement de la pièce Le Balcon, de Jean Genet, qui fait de cette plateforme un espace de contestation entre la révolution et la contrerévolution, la réalité et l’illusion. Figure récurrente de l’écriture de Genet, le balcon est un lieu où la représentation peut être perversement troublée. Pour Genet (et pour de nombreux autres écrivains, dont Shakespeare) le balcon est aussi un topos de la galanterie amoureuse : un cadre privilégié mais ambigu qui rapproche les tourtereaux tout en les tenant à distance. C’est un dispositif du désir et un espace théâtral qui articule la relation complexe entre le dedans et le dehors, le haut et le bas. Le balcon est également assujetti à un régime particulier de visibilité, où une personne peut se mettre en scène de façon dramatique et afficher à la fois pouvoir et vulnérabilité.

Le Grand Balcon draws loosely on Jean Genet’s Le Balcon, in which the play’s high porch is a space of contestation between revolution and counter-revolution, reality and illusion. A recurring motif
 in Genet’s writing, his balcony is a place where representation itself can be perversely troubled. For Genet (and for many other writers, including Shakespeare) the balcony is also a topos of amorous flirtation: a privileged but ambiguous space that brings lovers closer while keeping them apart. It is a desiring apparatus and a theatrical space that articulates the complex relationship between inside and outside, up and down. The balcony is also subject to a particular regime of visibility, a space where a person can dramatically stage herself, with power and vulnerability on display.

LIZ MAGOR + FITCH & TRECARTIN @ mac

22 juin au 5 sept | June 22 to Sept 5
macm.org

 

LIZ MAGOR
« HABITUDE »
Commissaires : Lesley Johnstone et Dan Adler

Liz Magor, Carton II, 2006, gypse polymérisé, cigarettes, gomme à mâcher, allumettes, briquets. Édition 1/2. 29,2 x 53,3 x 48,2 cm. Collection du Musée d'art contemporain de Montréal. Photo : Richard-Max Tremblay

L’exposition explore la tension que l’on retrouve dans le travail de Magor entre les préoccupations classiques de l’art minimal (travail sériel, emploi de matériaux non-traditionnels et de formes abstraites, approfondissement des notions de répétition, de variation et de réitération) et l’inscription dans son vocabulaire des notions de différence, d’identité citoyenne et de conditionnement psychologique. L’idée de différence, cruciale chez Magor, opère à un niveau conceptuel et entre en friction avec les aspects matériels et abstraits de son travail, si bien que la notion d’identité demeure dynamique et se dérobe à la récupération.

The show explores the tension in Magor’s work between the classic concerns of minimal art—working in series, employing non-traditional materials and abstract shapes, while exploring notions of repetition, variation, and sameness—but opening up this vocabulary to ideas of difference, social identity, and psychological conditions. Crucially for Magor, these ideas of difference operate on a conceptual level—as they compete with material and abstract aspects—and are never permitted to become packaged identities that can be consumed (or marketed) with ease.

 

LIZZIE FITCH & RYAN TRECARTIN
« PRIORITY INNFIELD »
Commissaire Mark Lanctôt

Lizzie Fitch et Ryan Trecartin, Priority Innfield (Way), 2013, un des cinq théâtres sculpturaux autonomes uniques, présentant Comma Boat (film, vidéo HD). 325.1 x 548.6 x 487.7 cm. Avec l'aimable permission des artistes et de Regen Projects, Los Angeles / Andrea Rosen Gallery, New York. Photo : Fulvio Orsenigo

Priority Innfield est un « théâtre sculptural » composé de quatre films. Ces films (Junior War, Comma Boat, CENTER JENNY et Item Falls—tous de 2013) déferlent à un rythme effréné et sans relâche. Tournés dans un style direct, quasi amateur, ils explorent les impacts que peuvent avoir les technologies de l’information sur la communication, le langage et l’identité et présentent un barrage d’images frénétiques, de répliques absurdes, de poses et de mouvements exacerbés, puisés dans une culture basée sur une constante performativité.

Priority Innfield is a “sculptural theater” containing four movies and an ambient sound track presented in five pavilions. The movies, Junior War, Comma Boat, CENTER JENNY and Item Falls (all from 2013), unfold at a furious pace without interruption. Shot in a direct, quasi-amateur style, they explore the potential impacts of information technologies on communication, language and identity, and offer a barrage of frenetic images, absurd retorts and exaggerated poses and movements, drawn from a culture based on constant performativity.

MATHIEU COPELAND @ cinémathèque québécoise

« L’EXPOSITION D’UN FILM »
projection : 16 et 28 avril | April 16 and 28
cinematheque.qc.ca

Mathieu Copeland, L’exposition d’un film, extrait du film, 2014, 100 min

Le film, qui a obtenu un grand succès lors de sa diffusion à la Tate Modern à Londres et au Centre Georges-Pompidou à Paris, est présenté dans le cadre de l’exposition Motion. Montréal/Genève, en cours à la Galerie de l’UQAM. Que serait une exposition qui, au lieu de prendre place dans un musée ou dans une galerie, prendrait place au cinéma ?

Partant aussi bien de la réalité du film que des médiums qui le composent, L’exposition d’un film envisage, à travers une polyphonie sonore et visuelle, l’ensemble des textures possibles du cinéma. Le temps d’un film est ici envisagé par la disposition spatiale d’une image projetée et d’un son écouté, en somme une expérience de cinéma. Une exposition pour un contexte, soit un film présenté en salle de cinéma rassemblant 46 artistes majeurs qui ont tous un rapport spécifique au cinéma, qu’ils soient plasticiens, chorégraphes, performeurs ou musiciens. Contrainte par les propriétés intrinsèques au cinéma, cette exposition s’affirme à la fois comme un film exposé, le film d’une exposition ou encore une exposition filmée.

PATRICK BERNATCHEZ + DANA SCHUTZ + CAMILLE HENROT @ mac

17 oct au 10 jan | Oct 17 to Oct 10
macm.org

 

PATRICK BERNATCHEZ
« LES TEMPS INACHEVES »
Commissaires Lesley Johnstone et Kevin Muhlen

Patrick Bernatchez, Lost in Time, 2014, film couleur transféré sur support numérique, 46 min, son (extrait). Coproduction Musée d’art contemporain et Casino Luxembourg. Avec le soutien du Conseil des arts et des lettres, Conseil des arts du Canada. Collection privée, Montréal

L’événement réunit, pour la première fois, des œuvres majeures puisées dans deux cycles représentant une dizaine d’années de conceptualisation, de création, de production et de diffusion : Chrysalides (2006-2013) et Lost in Time (2009-2015). L’exposition est l’occasion de découvrir la pratique d’un artiste, dont « la sensibilité, le sens poétique et l’audacieuse imagination éblouissent », note John Zeppetelli, directeur général et conservateur en chef du MAC. Patrick Bernatchez fait appel à diverses disciplines – du dessin au cinéma et à la vidéo, en passant par le son, la sculpture, l’installation et la photographie – pour transformer le quotidien en matière onirique. En coproduction avec le Casino Luxembourg.

This exhibition brings together, for the first time, major works from two cycles that represent a decade of conceptualization, creation, production and presentation: Chrysalides, 20062013, and Lost in Time, 20092015. It provides an opportunity to discover the practice of an artist “whose sensibility, poetics and fearless imagination dazzle,” says John Zeppetelli, Director and Chief Curator of the MAC. Bernatchez employs various disciplines, from drawing to film and video, in addition to sound, sculpture, installation and photography, to transform everyday reality into the stuff of dreams. In co-production with Casino Luxembourg.

 

DANA SCHUTZ
Commissaire John Zeppetelli

Dana Schutz, Twin Parts, 2004, huile sur toile, 198.1 x 182.9 cm. Collection particulière, New York. Avec l’aimable permission de l’artiste et de la galerie Petzel, New York.

Véritable coqueluche de la peinture américaine, dont l’art est un « alliage puissant de figuration et d’abstraction ». Dans l’univers exubérant de cette peintre de réputation internationale, des situations impensables et des actions indicibles s’offrent au regard, pendant que de multiples allusions et constats viennent titiller l’esprit. Même s’il y est question de démembrement, d’auto-dévoration et autres troubles divers, le ton demeure curieusement humain, allant de la dérision à la défiguration proprement dite. L’exposition offre un survol de l’ensemble du travail de Dana Schutz, de ses débuts à sa récente production.

American painting sensation Dana Schutz, whose art is “a powerful meld of figuration and abstraction.” The exuberant universe of this internationally renowned painter confronts the eye with unthinkable situations and unspeakable acts, while a multitude of references and allusions tickle the mind. Even though this world includes dismemberment, self-cannibalization and various other disturbing behaviours, its tone, ranging from derision to outright disfiguration, remains oddly normal. The exhibition offers an overview of Schutz’s work, from her beginnings to her recent output.

 

CAMILLE HENROT
« GROSSE FATIGUE »

Camille Henrot, Grosse Fatigue, 2013, vidéo (couleur, sonore) 13 min, musique originale de Joakim, voix Akwetey Orraca-Tetteh, texte écrit en collaboration avec Jacob Bromberg. Producteur : kamel mennour, Paris ; avec le soutien du Fonds de dotation Famille Moulin, Paris. Production : Silex Films. Lion d’argent - 55e Biennale de Venise, 2013. Projet développé dans le cadre du Smithsonian Artist Research Fellowship Program, Washington, D.C. Remerciements particuliers aux Smithsonian Archives of American Art, Smithsonian National Museum of Natural History, et Smithsonian National Air and Space Museum © Camille Henrot / SODRAC (2015). Avec l'aimable permission de l'artiste, Silex Films et kamel mennour, Paris.

L’artiste française Camille Henrot fait son entrée au Musée d’art contemporain de Montréal en présentant Grosse Fatigue, une fascinante installation vidéo de 13 minutes. C’est lors d’une résidence à la Smithsonian Institution à Washington, D.C., que l’artiste a réalisé cette œuvre vertigineuse. Nourrie de ses recherches dans les riches archives de l’illustre institution, Camille Henrot s’est donné comme défi de raconter l’histoire de l’univers et des espèces. Pour ce faire, elle a combiné divers mythes de la création du monde issus de religions classiques (bouddhiste, chrétienne, hindoue, juive, musulmane) et de traditions orales (Premières Nations, franc-maçonnerie, kabbale), ainsi que des éléments d’histoire scientifique. Présentées comme autant de fenêtres-chapitres qui s’ouvrent et se ferment successivement, les images défilent, accompagnées d’un récit (co-écrit avec le poète Jacob Bromberg) au rythme slam relevé que déclame Akwetey Orraca-Tetteh, en voix off. Anthropologie, science, mythe et spéculation se rencontrent ici pour produire une œuvre haute en couleurs et en savoirs qui nous montre que l’évolution de l’univers se poursuit, encore et toujours.

French artist Camille Henrot is making her debut at the Musée d'art contemporain de Montréal with Grosse Fatigue, a fascinating 13-minute video installation. The artist produced this dizzying work during a residency at the Smithsonian Institution in Washington, D.C. Delving into the extensive archives of this illustrious institution, Henrot set herself the challenge of telling the story of the creation of the universe. To do this, she combined Creation myths belonging to various religious (Buddhist, Christian, Hindu, Jewish, Islamic) and oral (First Nations, Freemasonry, Cabbala) traditions with elements of scientific history. Presented as a series of pop-up windows that open and close in succession, the images unfold to the accompaniment of a narration co-written with the poet Jacob Bromberg and spoken to a slam rhythm, off-camera, by Akwetey Orraca-Tetteh. Anthropology, science, myth and speculation merge to produce a work dense with colour and knowledge that shows us that the universe is still continually evolving.

YINKA SHONIBARE MBE @ dhc

« PIÈCES DE RÉSISTANCE »
29 avril au 20 sept | April 29 to Sept 20
vernissage 28 avril 17h30 | April 28 ~ 5:30PM
dhc-art.org

Yinka Shonibare MBE, Homeless Child 3 (détail), 2013, mannequin, tissu wax, fibre en verre, globe, valises en cuir. © Yinka Shonibare MBE. Photo: Stephen White / sous la licence de SODRAC / avec l’aimable concours de James Cohan Gallery, New York et Shanghai. 

Né à Londres de parents nigérians, Shonibare déménage à l’âge de trois ans avec sa famille à Lagos, au Nigéria, puis retourne en Grande-Bretagne pour y étudier les beaux-arts. Son travail a fait l’objet de nombreuses expositions aux États-Unis et en Europe, dans des cadres aussi prestigieux que la Documenta 10 et la 52e Biennale de Venise. Cette exposition majeure réunira des œuvres marquantes réalisées par l’artiste ainsi que des travaux récents en peinture, photographie, cinéma et sculpture.

Born in London of Nigerian heritage, Shonibare moved to Lagos, Nigeria with his family at age three, returning to Britain later to study art. His work has been exhibited extensively in the United States and Europe in such notable contexts as Documenta 10 and the 52nd Biennale di Venezia. This survey exhibition will present seminal and more recent artworks across painting, photo, film, and sculpture.

LUCY RAVEN + RAYMOND BOISJOLY @ vox

17 avril au 27 juin | April 17 to June 27
vernissage 17 avril 17h00 | April 17 ~ 5:00PM
centrevox.ca

 

LUCY RAVEN

Curtains, image fixe, 2014, installation vidéo anaglyphe avec son, 50 min.

La pratique de Lucy Raven se présente sous de nombreuses formes, notamment des films d’animation, des interventions en direct à la télévision, des installations et des conférences performatives. Elles témoignent toutes des explorations de l’artiste quant aux effets de la technologie sur le monde ainsi qu’aux liens entre le travail et la production d’images.

Lucy Raven’s practice encompasses a wide variety of forms, including animated films, interventions into live television, installations, and performative lectures. They all bear witness to the artist’s exploration of the effects of technology on the world, and the connections between labour and image production.

 

RAYMOND BOISJOLY
« FROM AGE TO AGE, AS ITS SHAPE SLOWLY UNRAVELLED… »

de la série From age to age, as its shape slowly unravelled…, 2015, impression jet d’encre sur vinyle autocollant, 132 x 191 cm à 290 x 419 cm. Catriona Jeffries, Vancouver.

Raymond Boisjoly est un artiste d’origine haida et québécoise. Son travail aborde à la fois la représentation de l’identité autochtone, le langage comme pratique culturelle, et la manière dont ces questions sont matérialisées et perçues. Son processus créatif se rapproche de la photographie, et il s’intéresse aux formes vernaculaires de la représentation et aux modes de production des images.

Raymond Boisjoly is an Indigenous artist of Haida and Québécois descent. His work focuses on the representation of aboriginality, language as a cultural practice, and the ways in which these issues are materialized and experienced. His process is situated in proximity to photography, and he is interested in vernacular forms of representation and modes of production of images.

THERESA HAK KYUNG CHA @ phi

« IMMATÉRIEL »
Commissaire : Monika Kin Gagnon
5 mars au 4 avril | March 5 to April 4
vernissage 4 mars 17h30 | March 4 ~ 5:30PM
phi-centre.com

Theresa Hak Kyung Cha, Redisappearing, avec le concours de Electronic Arts Intermix (EAI), New York. eai.org

Immatériel porte sur quatre vidéos et un film réalisés par Theresa Hak Kyung Cha, artiste intermédiatique et écrivaine coréenne-américaine aujourd’hui disparue. Il s’agit de Secret Spill(1974), Mouth to Mouth (1975), Vidéoème (1976), Re Dis Appearing (1977) et Permutations (1976). Réalisées entre 1974 et 1977, ces œuvres peuvent être rapprochées des premières expérimentations vidéo conceptuelles et intermédiatiques menées par des artistes aux États-Unis, au Canada et sur la scène internationale; elles manifestent l’engagement fondamental de cette artiste envers la matérialité du langage et des formes disciplinaires, envers la subjectivité, l’incarnation et la mémoire.

Immatériel centres on four videos and one film by the late Korean American intermedia artist and writer, Theresa Hak Kyung Cha. These include Secret Spill (1974), Mouth to Mouth(1975), Vidéoème (1976), Re Dis Appearing (1977), and Permutations (1976). Produced between 1974 and 1977, these videos can be situated alongside the earliest conceptual and intermedia video practice experiments by artists in the US, Canada and internationally, demonstrating her core commitments to the materiality of language and media forms, subjectivity, embodiment and memory.

SOPHIE CALLE + SIMON STARLING @ mac

5 fév au 10 mai | Feb 5 to May 10
macm.org

 

SOPHIE CALLE
« POUR LA DERNIÈRE ET POUR LA PREMIÈRE FOIS »

Sophie Calle, La Dernière Image. Aveugle à la broderie, 2010 (détail). Une photographie couleur sous couvercle de Plexiglas, une photographie couleur avec cadre métallique, un texte avec cadre métallique. © Adagp, Paris 2014. Avec l’aimable permission de la Galerie Perrotin, et de la Paula Cooper Gallery

Cette exposition réunit deux projets récents de Sophie Calle : La dernière image (2010), une série de photographies accompagnées de textes, et Voir la mer (2011), un ensemble de films numériques proposant une réflexion sur la spécificité des images mentales des aveugles et sur la découverte de la beauté et du sublime. Artiste conceptuelle de renom, Sophie Calle explore depuis des décennies les frontières entre le privé et le public, entre la vie et l’art. Par exemple, elle a un jour trouvé, dans une rue de Paris, un carnet d’adresses. Elle a alors décidé de rencontrer toutes les personnes dont le nom y était listé pour dresser un portrait du propriétaire de ce carnet. Le compte rendu de ces rencontres a par la suite été publié en feuilleton dans le quotidien Libération.

This exhibition comprises two recent projects by Sophie Calle: The Last Image, 2010, a series of photographs accompanied by texts, and Voir la mer, 2011, a series of digital films that take an incisive look at the particular reality of the mental images of blind people and at the discovery of beauty and the sublime. Calle, a renowned conceptual artist, found an address book one day on a Paris street. She then decided to contact all those listed in it in order to build a portrait of the book’s owner. The results of these encounters were published in serial form in the French daily Libération. For decades, Calle has explored the boundaries between public and private, life and art.

 

SIMON STARLING
« MÉTAMORPHOLOGIE »

Simon Starling, The Hat Maker/Henry Moore from Project for a Masquerade (Hiroshima), 2010-2011, Film 16 mm transféré sur support numérique (25 min 45 s), masques en bois, masques en bronze moulé, chapeau melon, supports en métal, miroir suspendu, écran suspendu, projecteur HD, lecteur multimédia et haut-parleurs. Dimensions variables. Collection Rennie, Vancouver. Fabricant de masques : Yasuo Miichi, Osaka. Photo : Ruth Clark.

Artiste britannique mondialement reconnu, Simon Starling présente, dans cette exposition, une quinzaine d’œuvres – sculptures, photographies, installations et films – produites depuis 2002. Cet important corpus met l’accent sur les enjeux majeurs de la réflexion de Starling, soit l’importance de la recherche et de la métamorphose comme processus de création, son intérêt pour l’histoire de l’art et une forte présence matérielle. La mise en circulation de Simon Starling : Métamorphologie est organisée par le Museum of Contemporary Art Chicago. L’exposition au MAC comprendra aussi Pictures for an Exhibition, un projet de Simon Starling rendu possible par l’Arts Club of Chicago.

Celebrated British artist Simon Starling presents some fifteen pieces in this exhibition-sculptures, photographs, installations and films-produced since 2002. This significant body of works points up the main concerns explored by Starling: the importance of research and metamorphosis as a creative process, an interest in the history of art and a strong presence of material substance. The tour of Simon Starling: Metamorphology is organized by the Museum of Contemporary Art Chicago. The exhibition at the MAC will also include Pictures for an Exhibition, a project by Starling organized by the Arts Club of Chicago.

EDGAR ARCENEAUX @ parisian laundry

« TIME TO BREAK SILENCE »
jusqu'au 20 déc | until Dec 20
parisianlaundry.com

Image extraite de A Time To Break Silence, 2013, video HD monobande, couleur, son, 64 minutes, permission de l’artiste et Susanne Vielmetter Los Angeles Projects

C’est l’humanisme axé sur l’avenir, tel que prôné par le docteur Martin Luther King Jr, leader du militantisme pour les droits civiques, qui sert de leitmotiv aux deux œuvres d’Edgar Arceneaux. Dans son film A Time To Break Silence (2013), présenté ici sous forme d’installation, l’artiste met en relation deux événements survenus dans les années 1960 pour réfléchir à leur héritage ainsi qu’à leurs répercussions sur l’avenir des villes américaines. L’œuvre tire son titre du dernier grand discours de King intitulé « Beyond Vietnam », dans lequel le pasteur dénonce la participation des États-Unis dans cette guerre, la décrivant comme « l’ennemi des pauvres ». King a été assassiné exactement un an plus tard, en 1968, deux jours avant la première de 2001: A Space Odyssey de Stanley Kubrick à Washington, D.C. Dans le film d’Arceneaux, King reprend son discours dans l’Église St. Anne de Detroit, qui semble ici une ruine éternelle, pendant qu’un homme préhistorique du nom de Stargazer inspecte l’endroit. Le film de Kubrick et le discours de King abordent tous deux la technologie selon une dualité outil/arme, lien que vient souligner la collaboration d’Arceneaux avec Underground Resistance, collectif d’innovateurs en musique techno de Detroit qui a produit la bande sonore du film.
—GB

The future-focused humanitarianism of civil rights leader Dr. Martin Luther King Jr. is the leitmotif in both of Edgar Arceneaux’s works. In the film A Time To Break Silence, presented here as an installation, he specifically links two events from the 1960s as a means to ruminate on their legacies and implications for the future of American cities. The work is titled after Dr. King’s last major speech, “Beyond Vietnam,” in which he decries U.S. involvement in the war as an “enemy of the poor.” King was killed exactly one year later, in 1968, two days before Stanley Kubrick’s 2001: A Space Odyssey premiered in Washington, D.C. In Arceneaux’s film, Dr. King reprises his speech in Detroit’s St. Anne church, which figures as a timeless ruin, while a prehistoric man named Stargazer fossicks. Both 2001 and Dr. King’s speech address technology in terms of a tool or weapon duality, a link amplified by Arceneaux’s collaboration with Underground Resistance, Detroit techno music innovators who produced the soundtrack for the film.
—GB

bnlmtl2014.org/en/artists/edgar-arceneaux

SCOTT MASSEY + FUTURE PERFECT @ dazibao

4 déc au 7 fév | Dec 4 to Feb
vernissage 6 déc 19h00 | Dec 6 ~ 7:00PM
dazibao-photo.org

 

SCOTT MASSEY
« LIGHT ADJUSTMENTS »

© Scott Massey, Spectrum Study, 2013

À travers une série d'œuvres qui, en apparence, empruntent aux mécanismes de l'observation et de la démonstration scientifique, Scott Massey joue avec les limites de notre perception visuelle, nous forçant à moduler – si ce n'est carrément corriger – la lecture intuitive de ce qui est donné à voir. Chacune de ses œuvres est soigneusement écrite, autant pour le choix du sujet que pour le processus même de sa mise en image, comme cherchant à atteindre non pas l'objectivité de la représentation (du paysage, de la lumière, du temps, des forces de l'univers) mais une sorte d'absolu. En idéalisant les mécanismes de la représentation, le travail de Scott Massey creuse notre désir de « voir pour connaitre. »

Through a series of works which, in appearance, borrow the mechanisms of scientific observation and demonstration, Scott Massey plays with the limits of visual perception, forcing us to modify, or sometimes to correct outright, our intuitive reading of what we see. Each of his works is carefully written, both in its choice of subject and in the very means by which the image is created, as if he were seeking to achieve not an objective representation (of landscape, light, time, the forces of the universe) but rather a kind of absolute. By idealising the mechanisms of representation, Massey’s work examines our desire to “see as a means of knowing”.

 

« FUTURE PERFECT »
Commissaire : Boshko Bosković

© Nita Deda & Yll Citaku, Our Bride, 2011

ANA BILANKOV - GORANA BOSNIĆ - SANDRA DUKIĆ & GORDANA MACANOVIĆ - MLADEN MILJANOVIĆ - NITA DEDA & YLL CITAKU - RENATA POLJAK - KAMER ŞIMŞEK

Les Balkans sont une construction intellectuelle, elle-même chargée de significations idéologiques polyvalentes; depuis Byzance, sa position « d’entre-deux » a jeté dans la perplexité l’Occident, dont le point de vue sur la région est souvent singulier, externe et statique. Le démantèlement de la Yougoslavie dans les années 1990 a donné lieu à un nouvel objet de fascination balkanique : le conflit ethnique et le nationalisme. Dans la foulée, de nombreuses expositions internationales ont perpétué certains stéréotypes du « Far East ». Une bonne part de ce qu’on attribue à cette région émane d’un imaginaire populaire occidental qui ignore les spécificités des histoires et des cultures locales et qui en réduit la description au langage du sang et du miel. Dans son important ouvrage intitulé Imaginary Balkans, Maria Todorova écrit ce qui suit : « La difficulté de s’identifier à la région des Balkans est un sous-groupe d’un problème plus vaste d’identification avec les nations périphériques.¹ »

The Balkans are an intellectual construct, loaded with multivalent ideological meanings; since the Byzantium its ‘in-between’ position has confused the West, whose perspective of the region is often singular, external and static. The dismemberment of Yugoslavia in the 1990’s introduced a new object of fascination with the Balkans: ethnic conflict and nationalism. Following this, a number of international exhibitions perpetuated certain stereotypes of the wild east. Much of what is attributed to this region emerges from a popular Western imagination that ignores the specificities of local histories and cultures, reducing descriptions to the language of blood and honey. In her seminal book, Imaginary Balkans, Maria Todorova states the following: “The problem of identifying with the region of the Balkans is a sub variety of a wider identity problem of peripheral nations.”¹