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CLAIRE MOEDER sur Le Projet Peinture

La Galerie de l'UQAM ouvre son espace à une ambitieuse exposition de peinture canadienne. Le vaste projet est accueilli en deux temps dans les murs de la Galerie, poursuivit par une publication, une exposition virtuelle et une série de rencontres.

Vue du volet 1 de l'exposition Le Projet Peinture. Un instantané de la peinture actuelle au Canada présentée à la Galerie de l'UQAM. De gauche à droite : Wanda Koop, My mother lives on that Island (SEEWAY), 2012, acrylique sur toile ; Team Macho, différents éléments ; Louis-Philippe Côté, Clinique, huile sur toile de lin, Photo : L.-P. Côté © Galerie de l’UQAM

Envisagé comme « panorama » selon les mots de Louise Déry, commissaire générale et directrice de la Galerie, mais aussi comme « un instantané de la peinture actuelle canadienne », Le Projet Peinture entend « proposer une vision actualisée de la peinture canadienne telle qu’elle se pratique dans le moment présent ». Transversale, l'exposition s'offre le territoire canadienne en terrain de jeu. Sa dynamique n'est pas pour autant géographique. Elle ne sera pas non plus thématique. Les grandes sections qui articulent le catalogue - figures du réel ; univers de fiction ; peinture comme sujet ; pratiques hybrides - forment le creuset d'une réflexion menée sur deux ans par l'équipe de la Galerie de l'UQAM et un comité scientifique. Si elles sont présentes dans l'exposition, ces sections ne sont pas pour autant reportées telles quelles, mais recomposées et expérimentées à nouveau dans l'espace de la Galerie. Pour le premier volet présenté actuellement, l'accrochage pensé par la commissaire Julie Bélisle et Louise Déry donne une inflexion formaliste plutôt que thématique à l'exposition. Les œuvres se combinent et se répondent dans la force, présente et immédiate, de leurs formes, couleurs et matériaux.

CLAIRE MOEDER ~ artiste-commissaire

Le commissaire d'exposition est un personnage un peu hybride, un peu flou qui a su pourtant faire reconnaître son statut public au sein du milieu des arts. La mouvance actuelle veut que le commissaire s'affiche comme une figure identifiable qui, tout comme l'artiste, aura son nom placé à l'entrée de l'exposition. Cette autorité nouvelle a fait basculer les rôles de pouvoir au sein de la sphère artistique où l'artiste se trouvait auparavant face aux conservateurs, galeristes ou directeurs d'institutions. Elle s'est aussi vue accompagnée de toutes sortes de critiques, de revendications et de tentatives de définitions qui, aujourd'hui encore, sont au cœur de débats, notamment sur le vedettariat des commissaires.

photos : sauf indication, Circa

Le rôle naissant du commissaire en attente de définition et ses limites poreuses ont rapidement ouvert une brèche dans lequel l'artiste s'est engouffré, revendiquant à son tour cette posture « d'auteur d'exposition ». Si cette incursion de l'artiste dans le champ du commissariat a pu paraître subversive ou critique, comme Daniel Buren l'affirmait en 1972 dans le catalogue de la Documenta 5, elle a pris depuis une forme plus convenue et, partant, plus sage.

photo : Manuel Mathieu

De nombreuses institutions ouvrent à des artistes leur collection ou leur programmation d’expositions temporaires. Invités à intervenir sur l’accrochage de la collection permanente, la scénographie d’une salle ou à concevoir les événements corollaires à la programmation, les artistes intègrent l’espace muséal de manière inédite. Montréal n'échappe pas à la règle : la Galerie SAS a proposé en 2012 et 2013 une série de carte blanche à ses artistes, invités chacun à concevoir une exposition - voir claire-moeder-sur-possession et claire-moeder-sur-fabuleux-cercles-vicieux.

CLAIRE MOEDER ~ rejouer l'exposition

Montréal recèle ce printemps d'expositions atypiques qui nous invitent à passer le seuil des musées et galeries autrement. Elles détournent nos habitudes de visite pour nous rappeler que l'art peut être une expérience déstabilisante qui joue avec ses propres règles, non sans un certain plaisir critique.

Photos (sauf indication) : In Union, Milutin Gubash, 2013 © Guy L'Heureux

Dans les murs du Musée d'art contemporain, l'artiste français Laurent Grasso abandonne le visiteur dans le noir. Son labyrinthe nous immerge dans un parcours à l'aveugle, à travers de long et obscurs couloirs, des salles vidéos et des espaces infranchissables où les œuvres ne sont visibles qu'à travers des petites percées dans les murs. Ce dispositif d'ouvertures murales est d'ailleurs, à lui seul, un retournement savant de la présentation des œuvres. L'exposition mobilise de vastes moyens architecturaux, mais c'est dans ces détails que le parcours devient singulier. Davantage cachées qu'exposées, les œuvres suscitent un plaisir voyeur chez le spectateur, exacerbé par cette impossibilité de les saisir complètement.

© Laurent Grasso ADAGP 2013, Présentée au Jeu de Paume, Paris. Photo : Romain Darnaud

Laurent Grasso conditionne le spectateur pour créer des réactions inédites face aux œuvres d'art. Celui-ci expérimentera le voyeurisme de ces semi-cachettes mais aussi le doute sur ce qu'il voit car l'artiste construit une « fausse mémoire historique » à partir de documents anciens originaux associés sans distinction avec des copies et des œuvres contemporaines. À la fois perte de repère physique et perte de certitude, l'expérience de ce labyrinthe travaille à rebours l'autorité du musée, en semant le doute sur le statut d'œuvres d'art des objets qu'il présente.

CLAIRE MOEDER sur Séripop

Séripop : lever le voile

toutes les images : Séripop, This Peculiar Bias Will Nonetheless Set Up A Vast Field For The Unforeseen, 2013, Papier sérigraphié, bois, chaises, tabouret, rochets, mousse polyuréthane, gouache, serre-joints, film de PVC, tissu, corde, caoutchouc, Screen printed paper, wood, chairs, stool, spools, polyurethane foam, tempera, c-clamps, PVC shrink wrap, fabric, rope, rubber
photos : Eliane Excoffier

Après une série récente d’expositions au Québec, le duo Séripop investit l’espace de la Galerie Hugues Charbonneau au Belgo. Ils y présentent une installation sur-mesure, fidèle à l’échelle grand format de leurs œuvres qui se distingue pourtant par une dimension nouvelle : le mystère.

Séripop développe un langage graphique aisément identifiable où le duo a fait du papier peint coloré son matériau de prédilection. Souvent explosives et intrusives, leurs œuvres opèrent par contagion, contaminant les murs et le sol du lieu qu’elles occupent.

A contrario des œuvres précédentes déployées avec force couleurs, l’installation This Peculiar Bias Will Nonetheless Set Up A Vast Field For The Unforeseen à la Galerie Hugues Charbonneau se déploie avec pudeur, sans exhibition. Séripop abandonne cette contamination de l’espace pour nous proposer une œuvre plus intimiste. Il n’est pas question ici d’œuvre murale et les longues bandes de papier sérigraphié reposent désormais à quelque hauteur du sol au milieu de la galerie. Cette surface dissimule plus qu’elle n’expose. L’installation impose un nouvel horizon, autant qu’un obstacle à la vue.

CLAIRE MOEDER sur Sébastien Pesot

Sébastien Pesot : images sonores

Crash 1 , 250 X 250 cm, 2010, édition de 3
photos : Alain Lefort

L’espace d’exposition de la Maison de la culture Frontenac est un espace à part. Sous-sol théâtral, il offre de vastes salles striées par la lumière où il n’est jamais aisé d’y poser ses œuvres. Si elles gagnent souvent en intensité dramatique grâce à l’éclairage et à la forme solennel du lieu, les œuvres peuvent perdre par la même occasion en simplicité. Le défi de l’artiste est donc d’occuper un espace fort sans perdre de vue son travail original.

Vue d'ensemble

Les photographies de Sébastien Pesot gagnent sans conteste à être présentées dans ce cadre. À la manière d’un miroir déformant, l’exposition accentue la teneur abstraite de chacune de ces images, au point que leur rapport avec la musique –fil rouge de sa pratique- se retrouve avec surprise à l’arrière-plan.

CLAIRE MOEDER sur Roland Poulin

Exercices pratiques

Vues de l'exposition Roland Poulin, galerie Battat Contemporary, 2012, photo : Michel Dubreuil.

Les œuvres minimales sont une expérience à part. Rigoureuses, elle exigent du spectateur qu’il se plie à un exercice intellectuel, loin de la séduction visuelle. Ces œuvres ne laissent pas d’indice et prônent le décryptage savant. Le minimalisme semble souvent hermétique et ainsi exclure le vagabond d’exposition, le néophyte, l’étudiant qui ressortiront de leur visite les mains vides. Il nous repousse en fait hors des murs de l’exposition, nous demandant encore un effort au-delà de notre visite.

Il y a pourtant plusieurs - bonnes - raisons de répondre aux exigences qu’impose le minimalisme au spectateur. Le travail de Roland Poulin, présenté actuellement à la Galerie Battat Contemporary, en compile quelques-unes.

Le minimalisme nous propose un regard à contre-courant.
Si les œuvres minimales ne se laissent pas facilement appréhender, c’est pour mieux nous faire sortir de notre regard habituel de spectateur. Là on nous attendions des tableaux sur les cimaises nous trouvons des œuvres hybrides et insaisissables. La série de six panneaux de Roland Poulin se trouve à mi-chemin entre la sculpture et la forme brute découpée dans l’acier. Ils rappellent au premier abord les surfaces planes des monochromes modernes. De plus près, la matière est loin de s’apparenter à des tableaux. Ce sont plutôt des surfaces aveugles, noires qui malgré tout réfractent la lumière grâce à plusieurs angles dans les pans d’acier. Nous cherchions en vain une œuvre aux limites établies, sagement encadrée et accrochée sur un mur ; Roland Poulin nous offre plutôt une matière brute qui se déconstruit sous les effets de plis. La sculpture n’est pas loin, pourtant les œuvres sont encore très proches des surfaces planes de la peinture. Notre regard devra trouver son équilibre dans cet entre-deux où l’artiste joue à semer le doute.

CLAIRE MOEDER sur Sayeh Sarfaraz

Jeu de vilain

photos : avec l'aimable permission de la galerie antoine ertaskiran

Avec l’exposition mémoire d’éléphant, l’artiste iranienne Sayeh Sarfaraz ouvre un peu plus grand les portes de son univers ludique et malveillant. À l’échelle d’un enfant, l’exposition propose un parcours initiatique autour des conflits en Iran dont le spectateur ne restera pas intact.

« Tu viens jouer ? » : l’invitation lancée sur le mur de la Galerie Antoine Ertaskiran a ce ton d’enfant, un peu insistant, exigeant même. Au seuil de l’exposition, le texte harangue un spectateur imaginaire et pose immédiatement ses règles : « Fais comme si tu étais la gentille et moi la méchante […] Fais comme si tu mourrais […] je te dis comment faire […] encore fais comme si c’était vrai… ». Cette série d’ordres scandée sur le mur prend littéralement la place du texte de commissaire attendue en prémisse de l’exposition. Ici, le langage n’est ni théorique ni historique, mais use plutôt d’une rhétorique immédiate : celle de la menace. Il est utilisé très frontalement afin de dénoncer la situation violente qui secoue l’Iran. Si d’emblée le langage s’affirme avec force, il s’effacera pourtant peu à peu de l’exposition pour laisser place aux dessins et figurines qui envahissent les installations de l’artiste, porteurs eux aussi d'une même violence.

CLAIRE MOEDER sur Chloé Desjardins et Karen Trask

Vision double

Chloé Desjardins, sculpture blanche (détail), Galerie B-312, photo : Jean-Marc Fredette

L’édifice montréalais du Belgo offrent parfois d’heureux hasards. Si l’offre culturelle y est concentrée, la programmation des expositions reste toujours fidèle à un principe très hétéroclite, à l’image des dizaines de centres d’artistes et galeries qui s’y côtoient. Pourtant, la déambulation d’une exposition à l’autre nous invite parfois à rassembler ce qui, de prime abord, n’aurait rien en commun. C’est le cas de deux expositions présentées ce mois-ci sur le même palier et qui partagent d’étranges accointances. Appréhendées l’une après l’autre, les expositions de Karen Trask et Chloé Desjardins, respectivement présentées à B-312 et Circa, trouvent des échos inattendus, allant jusqu’à se contaminer d’un bout à l’autre du couloir.

Karen Trask, photo : 
Paul
 Litherland,
 2012, avec 
l’aimable 
permission
 de 
l’artiste
 et
 du
 Centre
 d’exposition 
Circa
:
 art
 contemporain.


Tout au long de sa visite, le spectateur qui traverse l’espace de B-312 ne peut se départir d’une première impression clinique. L’espace blanc et épuré suit cette règle de neutralité qui colle à la peau de nos « White Cube » muséaux. Ici, cette pratique est rendue si extrême qu’elle devient une forme de jeu. L’artiste Chloé Desjardins a utilisé la galerie et ses codes pour les pousser dans ses retranchements. L’impact est immédiat : d’abord invitant –l’artiste a pris soin de placer à l’entrée de l’exposition un socle sur lequel repose un tapis, clin d’œil de bienvenu-, l’espace se resserre autour d’une succession de socles et d’une vitrine qui imposent au spectateur une circulation bien définie.

CLAIRE MOEDER sur Ville Imaginaire

Dans l’œil du spectateur

photos : Les Territoires

Durant le mois de juin, la Galerie les Territoires cède ses murs au projet Ville Imaginaire. Les participants du projet ont saisi l’invitation au pied de la lettre et exposent leurs créations à l’intérieur-même des murs. Clin d’œil à l’espace austère du White Cube, l’exposition revisite notre rapport à l’objet sous un jour ludique.

Pour Ville Imaginaire, rien n’est offert de prime abord au regard. C’est au spectateur d’aller concrètement à la rencontre de ce qui est présenté car tous les objets présents se situent en retrait. Chaque élément a été encastré derrière les cloisons de la galerie puis rendu accessible par des perforations de tailles variables. Les murs sont ainsi découpés par des formes très diverses ; des rectangles minutieusement découpés accueillent des figurines miniatures, des triangles profonds recréent des kaléidoscopes en arrière du mur, une fente laisse deviner un zootrope où le spectateur est invité à mettre en mouvement les images. Ces présentations créent des barrières imposées entre l’objet et le spectateur, conditionnant l’œuvre en l’emprisonnant dans une vision bien délimitée.

CLAIRE MOEDER sur Judging Books by Their Covers

Exposition à couvert

Hans-Peter Feldmann, Bookshelves, 1999, cinq photographies montées sur aluminium Dibond. Photos : Ronald S. Diamond, avec la permission de SBC galerie d’art contemporain

À la Galerie SBC, Judging Books by Their Covers place le livre au cœur d’une exposition. Pourtant, vous n’y verrez pas d’objet imprimé à proprement parler mais plutôt ses images. Le commissaire Peter White met à l’honneur le livre et ses représentations et en réalisant une exposition-hommage, au contenu plus nostalgique que critique.

Peter White, a réuni cinq artistes autour de la thématique de l’objet–livre. L’exposition propose d’approcher le livre en tant qu’objet, à partir de la « simple réalité matérielle des livres imprimés, qui en font des avatars du savoir en même temps qu’une composante omniprésente de notre quotidien. » Dans la première salle, Bookshelves de Hans-Peter Feldmann reproduit -presque à l’échelle- la bibliothèque de l’artiste. Au plus près de son quotidien et au cœur de sa demeure, les livres amoncelés sur les étagères font ici office de portrait presque impudique de l’artiste. Cette photographie monumentale domine l’exposition et y joue sans ambiguïté un rôle de pivot.