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Benoit Solbes ~ Horst au McCord

La légitimation artistique de l’industrie de la mode : l’exposition Horst au Musée McCord, par Benoit Solbes

Muriel Maxwell on the cover of American Vogue July 1 (détail), 1939. Photo : Condé Nast Horst Estate

Depuis quelques années maintenant, on constate la profusion d’expositions, de films ou de livres traitant du sujet de la mode : l’exposition rétrospective de Jean-Paul Gaultier qui s’est diffusée à travers le monde¹ ou encore la production de différents biopics sur le créateur Yves Saint-Laurent en sont des exemples manifestes.

Que penser aussi de l’exposition « L’impressionnisme et la mode », proposée au Musée d’Orsay en 2012, liant dans le cadre de l’espace de monstration, des œuvres très connues de ce mouvement artistique d’un côté et des créations du XIXème de l’autre, les deux s’enrichissant pour en souligner leur ancrage dans leur époque² ?

Ainsi, l’exposition Horst : Photographe de l’élégance, présentée récemment au Musée McCord, s’inscrit dans cette mouvance. Cette initiative est proposée conjointement avec le Victoria et Albert Museum de Londres et l’appui des archives de Condé Nast³, maison d’édition de Vogue notamment. Cette exposition plonge le spectateur dans l’univers de la photographie de mode à travers le travail de ce photographe (le plus reconnu des magazines Vogue et House and Garden) en présentant ses créations de 1930 à 1980.

CLAIRE MOEDER ~ Jake et Dinos Chapman : Rire de tout

Passer la porte de l’univers des frères Jake et Dinos Chapman est exigeant. Leurs œuvres mordent, grincent, irritent, attaquent sans relâche. Loin de l’invitation, Come and See - le titre de l’exposition à DHC - est davantage un ordre sans détour : « viens et vois ». Il nous ordonne de faire face à ces vitrines qui racontent l’horreur et l’absurde à la fois.

Jake and Dinos Chapman, Shitrospective, 2009

Toutes les photos : avec la permission de DHC/ART Fondation pour l'art contemporain. Photos : Richard-Max Tremblay 

À la suite du titre, les œuvres présentées ne prennent que très peu de détour pour s’attaquer à « la moralité, la religion, le sexe, la philosophie, l’histoire de l’art et la société de consommation » selon une vision programmatique élaborée depuis les années 1990 par les frères Chapman. Les artistes s’attaquent donc et ce, sans restriction ni ordre d’importance, à Dieu et Ronald MacDonald, au colonialisme, au puritanisme, au Ku Klux Kan, à la guerre, à la mort, à leur naissance ou à leur école d’art.

Jake and Dinos Chapman, I felt insecure, 2008

CLAIRE MOEDER ~ Paradise Lost : à coup de guano

L’exposition Retour à Paradis Lost inaugure le nouvel espace d’Optica avec une vision désenchantée du paradis, orchestrée par l’artiste montréalais Mathieu Latulippe.

Mathieu Latulippe, Paradise Island, impression numérique jet d'encre sur papier archive hahnemühle, 90 x 120 cm, 2014, permission de l’artiste 

Avec Retour à Paradise Lost, Mathieu Latulippe retravaille avec humour notre quête de bonheur à travers une dizaine d’œuvres créées pour l’exposition : une série de sculptures à l’échelle miniature, chère au travail de l’artiste; quatre photographies sagement intercalées sur les murs; une vidéo dont l’imposante trame sonore s’échappe d’un nichoir; un panneau de bienvenue, à l’entrée de l’exposition; une structure géométrique, étrange évocation d’un Sol Le Witt abandonné aux oiseaux. Cet inventaire à la Prévert raconte l’histoire de nos visions d’idéal passées à travers le prisme du cinéma, d’architectes ou de clichés communs de confort social.

Mathieu Latulippe, vue de l'exposition, Retour à Paradise Lost, 2014, permission de l’artiste, photo : Richard-Max Tremblay 

Artiste du merveilleux, de l’imaginaire méticuleux et de la métaphore miniature, Mathieu Latulippe  est aussi un artiste du banal grinçant. Si ses œuvres traversent le réel, elles ne s’y attardent pas longtemps pour venir s’installer dans les images de paradis implantés au plus profond de notre mémoire collective.

CLAIRE MOEDER sur la MANIF

Manif d’art : Formes et contre-formes de l’art engagé

La Manif d’art de Québec prend place dans la ville pour le mois de mai. 36 artistes présentés dans de nombreux lieux, un centre névralgique à l’espace 400e et plusieurs partenariats en font un évènement d’envergure. 

Dufresne et Laganière. Toutes les photos : © Renaud Philippe

La commissaire Vicky Chainey Gagnon a choisi le thème de « Résistance » pour aborder des enjeux politiques au plus près de l’actualité. Elle a rassemblé sous cette bannière des artistes qui « abordent l’obtention du pouvoir et sa contestation dans la vie quotidienne ». Éminemment contemporaine et ancrée dans le 21e siècle, la vision de la commissaire est tournée vers ces évènements récents nommés par les artistes, tels que le mouvement Occupy (Hessler), le sommet du G20 (Blain) ou les Jeux Olympiques (Dufresne & Laganière). Dans ce contexte maintenu au plus près de l’actualité proche, les œuvres devraient être principalement déterminées par une forme d’urgence : urgence à redonner voix aux 99 %, à dénoncer les formes abusives du pouvoir ou à révéler les menaces qui touchent nos sociétés en terme de guerre, écologie ou économie. Si ces enjeux définissent la trame de fond – et la finalité de plusieurs œuvres explicitement engagées-, ils sont étonnement livrés sous une forme davantage posée et achevée, où les œuvres semblent les placer à quelque distance du tumulte de la rue et de la contestation populaire.

CLAIRE MOEDER ~ éloge de la lenteur

L'artiste Thomas Bégin présente à la Fonderie Darling une œuvre où un code numérique est transformé en partition musicale. Sous le commissariat d'Éric Mattson, l'exposition Byte by Byte propose une traversée en équilibre sur le fil entre technologie et machinerie.

toutes les photos : BYTE BY BYTE 2014, Thomas Bégin, © Maxime Boisvert

Byte by byte est une orchestration sonore proposée à partir de la lecture aléatoire d'un disque dur. Les données numériques issues de documents puisés au hasard du disque deviennent une partition trouvée puis lue au ralenti à raison d'un unique byte par seconde, là où un ordinateur procède à près de un million de bytes par seconde. Thomas Bégin ne laisse pourtant rien paraître de cet usage technologique à l'origine du projet et se tient bien loin des expérimentations où se façonnent des œuvres sonores évanescentes, guidées par les nouvelles technologies. Au contraire, il retourne à des fondements simples où la production du son devient un voyage physique.

Dans l'espace, le son se propage, littéralement. Le flux de l'impulsion électrique, signal minimal à l'origine du byte, est amplifié et ralenti pour produire un son en passant d'un objet à l'autre. Devant nos yeux, il allume un néon d'abord qui fera ensuite vibrer un amplificateur pour poursuivre sa course à travers les éléments placés selon un réseau qui tient autant de l'assemblage bricolé, de la précision scientifique que du voluptueux chaos d'une scène de concert. Au total, huit stations proposent dans la salle une combinaison toujours différente d'amplificateurs, de guitares, de cymbales, de caisses claires, de néons et d'ampoules. Le son naît de cette composition d'objets manipulés, de câbles et de tiges métalliques qui conduisent le flux électrique à travers eux. La nappe musicale se propage d'une station à l'autre pour nous envelopper dans ses vibrations denses, dessinant une « zone floue, [à la] limite entre musique et parasitage sonore » selon l'artiste.

CLAIRE MOEDER ~ Patrick Bérubé : les valseuses

Inventaire aléatoire, encyclopédie retouchée, association libre de son et de forme, l'exposition Valse à 5 temps de Patrick Bérubé est une boîte de Pandore, dont les objets ont été minutieusement extraits puis placés par l'artiste à l'intérieur de la Galerie Art Mûr.

toutes les photos : Mike Patten, Art Mûr

L'exposition rassemble ces œuvres dans un dispositif serré, où l'espace restreint par les murs conditionne notre approche. Pourtant, Valse à cinq temps invite littéralement à traverser les murs de l'exposition. Conçue comme un huis-clos dont le préambule n'est autre qu'une salle d'attente, elle se découvre selon une série de portes, passage secret et accès dissimulés sous la console de cheminées.

L'artiste a organisé un parcours de cinq stations aux différentes ambiances colorées et sonores qui passent de l'éclairage rouge érotique à une surcharge de néon et de lumière bleue, du bruit parasite à la valse. Chaque espace modulent nos sens et donne le ton à une exposition à la fois unifiée et cloisonnée, vibrante et figée.

CLAIRE MOEDER in NYC ~ Valérie Blass : équilibrisme

Valérie Blass présentait cet automne à The Hole à New York une exposition organisée hors les murs par la galerie Parisian Laundry. L’exposition donne un éclairage nouveau sur cette artiste prolifique avec une efficacité simple.

Valérie Blass, La chose pour la partie, 2013, digital print on matte paper, edition of 5
photos : avec l'aimable permission de Parisian Laundry

L’exposition est placée a contrario de l’esprit du lieu : son espace blanc épuré contraste avec les salles attenantes où les artistes ont envahi murs et sol à grand renfort de couleurs vives et de motifs exubérants. Ce cadre clinique donne aux œuvres de Valérie Blass une connotation minimale qui, si elle peut surprendre à première vue, trouve aussi sa force à pointer la fragilité de sculptures aux formes effilées et à accentuer les détails de quatre photographies.

vue d'installation

CLAIRE MOEDER in NYC ~ Sophie Calle : ce qu'il reste de l'intime

Sophie Calle expose sa vie, intime et fictive, depuis près de 30 ans. Son visage est connu, ses obsessions aussi. Meneuse d'un art de l'autobiographie compulsif, l'artiste a dédié ses derniers projets depuis 2010 au récit de la mort de sa mère.

Sophie Calle, detail from I Died in a Good Mood, 2013 (from the Artists series Aufobiographies), digital print with text parnel © 2013 Sophie Calle / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris. Courtesy of Sophie Calle and Paula Cooper Gallery, New York

*note de l'éditeur : les photos nous sont prêtées pour une période d'un an, elles seront retirées le 1 novembre 2014

Il y dans l'œuvre de Sophie Calle une finesse à rendre compte de l'intimité avec une impudeur souvent ambiguë, qui évolue entre le registre critique et émotionnel. L'exposition Absence est bien loin de rendre justice à cette posture paradoxale où l'artiste s'expose pour mieux retourner dans les replis de sa vie. Les trois projets dédiés à la mort de la mère de l'artiste – une forme de avant/pendant/après bien indélicat tant ils sont scandés sans finesse sur les murs- révèlent sans grande conviction ce qu'il reste de l'intime, dans une surexposition de l'« absence » à grand renfort de style.

 La lourdeur de l'accrochage y est pour beaucoup. La surimposition de plusieurs objets (stèles au sol, reliquaire) et de trois projets différents engorge l'espace qui peine à donner l'ampleur nécessaire aux œuvres. Chaque projet placés côte-à-côte selon un ordre chronologique inévitable, poursuit sa propre logique, exigeant du spectateur de changer de registre d'un mur à l'autre. La trame narrative, proche d'un livre du premier mur rompt avec la disposition éclatée en all-over du second pour terminer par un accrochage en ligne des plus classiques pour le troisième.

mot de l'éditeur | word from the editor

Je suis très fier de vous annoncer que notre critique d'art préférée a été choisie pour la Résidence de recherche pour commissaires indépendants au International Studio and Curatorial Program de Brooklyn du CALQ ! Toutes nos félicitations et reviens-nous quand c'est fini ok ;)

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Claire Moeder installant une oeuvre d'Adrian Norvid (avec l'aide de l'éditeur) au kiosque de Joyce Yahouda à Art Toronto 2012

I'm so proud to announce that our favorite art critic was chosen for the CALQ's Research residency for independent curators at the International Studio and Curatorial Program (ISCP) in Brooklyn! Congratulations and do come back to Montreal after your residency ;)

CLAIRE MOEDER ~ déjouer le complot

Le projet Complot, initiative étudiante lancée il y a 10 ans, fête cette année un anniversaire teinté d'une saveur douce-amère : le thème retenu du « dégât », doublé du « constat de décès » volontaire de Complot annonçait un événement sur le fil du rasoir. L'exposition, la publication et la table-ronde ont généré en 2013 une importante réflexion, mais aussi une vision fragilisée car éclatée.

photos : Élise Provencher

Complot propose chaque année un jumelage entre 10 artistes visuels et 10 auteurs de la relève. Initiée dans le contexte universitaire de l'UQAM, cette formule visait à tisser des liens entre les étudiants en arts et en histoire de l'art, jugés trop ténus. Les projets se sont rapidement développés en une plateforme autonome où, chaque année, le groupe de travail constitué des artistes et auteurs fixe une nouvelle direction artistique à l'événement.

En 2013, le projet annuel naissant s'est aussi mué en un acte de décès. La perspective d'une fin nécessaire de Complot, dans son mandat et sa structuration actuels, s'est imposée aux participants puis a infiltré la direction artistique pour la submerger presque complètement. L'exposition et la publication en portent d'ailleurs bien plus que les stigmates. Le texte principal n'a pas choisi de mettre en avant la thématique originale du « dégât », pourtant nécessaire à introduire les œuvres exposées dans l'édifice Grover. Il a « débordé le cadre de la thématique de l’exposition pour investir celui du projet lui-même et questionner sa pertinence ainsi que sa forme, fixe depuis dix ans », pour finalement annoncer la mise à mort d'une formule « empiétant sur les idéaux de libertés implicites au projet ».