ratsdeville

PAULINE BOUDRY & RENATE LORENZ + GRAHAM FAGEN @ uqam

24 fév au 8 avril | Feb 24 to April 8
galerie.uqam.ca

 

PAULINE BOUDRY & RENATE LORENZ
« SILENT »
en collaboration avec la Biennale de l’image en mouvement (Genève) - direction artistique : Andrea Bellini
commissaires : Caroline Bourgeois, Cecilia Alemani et Elvira Dyangani Ose

Pauline Boudry & Renate Lorenz, Silent, 2016. Permission Centre d’art contemporain de Genève.

Silent débute par l’interprétation de 4’33’’ de John Cage (1952). Convenant à n’importe quel instrument, la partition indique à la personne qui la performe de ne rien jouer pendant les 30 secondes, 2 min 23 s et 1 min 40 s que dure chacune des trois parties. Dans l’installation de Boudry & Lorenz, la musicienne Aérea Negrot interprète 4’33’’ sur une plateforme tournante installée dans un lieu public de Berlin, l’Oranienplatz, occupé entre 2012 et 2014 par un camp de réfugiés protestataires. Aérea Negrot chante ensuite une pièce composée spécialement pour le film.

Silent starts with an interpretation of John Cage‘s score 4´33´´ (1952). The score is conceived for any instrument and instructs its performer not to play their instrument during the entire duration of the three parts of 30s, 2m 23s and 1m 40s.  In the Boudry and Lorenz installation, the musician Aérea Negrot performs the score on a rotating stage placed on Oranienplatz, a public square in Berlin where a refugee protest camp took place between 2012 and 2014. In a second part of the film, she performs a song, which has been composed for the occasion.

 

GRAHAM FAGEN
« COMPLAINTE DE L'ESCLAVE »
commissaire : Louise Déry

Complainte de l’esclave propose un ensemble d’œuvres de l’artiste multidisciplinaire Graham Fagen sur le thème de l’esclavagisme et de l’implication écossaise dans le sort des populations africaines déportées dans les Caraïbes au 18e siècle. Les dessins présentant l’aspect de masques ou de portraits, les photographies de paysage marin ainsi que l’imposante installation vidéographique et musicale réunis dans cette exposition explorent les tensions et les émotions provoquées par le colonialisme et la traite des esclaves noirs. Alors que les manifestations de réconciliation et de rédemption nous mobilisent aujourd’hui de manière sensible par rapport à l’asservissement économique et à l’oppression culturelle des peuples – qu’ils soient autochtones, issus de l’immigration ou soumis aux formes actuelles d’une servitude sournoise –, le questionnement national et identitaire que pose Graham Fagen s’érige avec une rare pertinence sur une critique de l’héritage culturel et social.

The exhibition The Slave’s Lament presents works by the multidisciplinary artist Graham Fagen on the theme of slavery and Scottish involvement in the fate of African people deported to the Caribbean in the 18th century. The drawings, with the look of masks or portraits, the seascape photographs and the imposing video and music installation shown here explore the tensions and emotions brought about by colonialism and the African slave trade. Today considerable feeling has been mobilized with the aim of reconciliation and redemption for the economic servitude and cultural oppression of peoples – whether aboriginal, the product of immigration or subject to current insidious forms of servitude. Fagen’s questioning of nationality and identity, however, is based on a particularly pertinent critique of the cultural and social heritage.

HB @ clark

« HORS PAGE »
commissaires HB : Marie-Pier Bocquet, Kaeten Bonli, Jonathan Demers, Corine Lemieux, Yan Romanesky, Julie Tremble et Joyce Yahouda
commissaires CLARK : Roxanne Arsenault et Manon Tourigny
jusqu'au 18 fév | until Feb 18
finissage 18 fév 18h00 | Feb 18 ~ 6:00PM
centreclark.com

LILLI CARRÉ - DENNIS & DEBBIE CLUB - BARRY DOUPÉ - JACQUES DESBIENS - PIERRE HÉBERT - JESS JOHNSON - AMY LOCKHART - SOPHIE LATOUCHE - JENNY LIN - ADRIAN NORVID

HB œuvre à présenter les pratiques actuelles du dessin dans une revue imprimée, sorte d’exposition sur papier où se déploient, se côtoient et interagissent les œuvres au détour de chaque page. Assemblés dans le plaisir par un collectif de commissaires, les numéros de HB publiés depuis 2013 proposent une sélection surprenante d’artistes établis comme émergents, québécois, canadiens ou étrangers.

Faisant suite à deux parutions thématiques (le no 4 Erotica et le no 5 Structures), ce sixième opus interroge les pratiques du dessin qui débordent du cadre et qui  apparaissent « inexposables » dans le contexte de la publication. Les œuvres sélectionnées posent des problèmes évidents de reproduction, ne pouvant être réduites à une page qui les dépouillerait de leur spatialité, leur temporalité, leur immersivité ou leur interactivité. Elles mettent en lumière les limitations du format et non celles du modèle curatorial d’HB, qui une fois transposé aux espaces d’exposition, maintien sa cohérence, son flair et son mordant. Les commissaires proposent ici un corpus qui ne prétend pas dresser un portrait exhaustif des stratégies employées par les artistes qui dessinent hors page, mais qui cristallise plutôt une vision singulière en concordance avec l’esprit de HB. Dans cette optique, l’exposition se présente comme un numéro en soi, disponible pour une durée définie et dans un espace donné.

HB strives to present current drawing practices in a printed magazine format; a kind of exhibition on paper where works unfold, come together and interact within its pages. First published in 2013 and meticulously assembled by a team of curators, HB presents an impressive selection of emerging and established artists from Québec, Canada and beyond.

Following its two thematic issues (No. 4 Erotica, and the soon to be released No. 5 Structures), this sixth opus looks at drawing practices that reach beyond the page and which are largely “un-representable” in published form. The selected works demonstrate obvious challenges in terms of print reproduction, where reducing them to a single page robs them of their spatial, temporal, immersive and interactive qualities. These works may reveal the limitations of the printed format, but not those of HB’s curatorial model, which, once transposed to the exhibition space of the gallery, manages to maintain its coherence, flair and biting wit. While the curated works in this exhibition are not entirely representative of the strategies and approaches used by artists who draw off the page, they express a unique vision that reflects the spirit of HB. As such, the exhibition is presented as a kind of magazine issue in and of itself, available for a limited time within a limited space.

CAR LE TEMPS EST LA PLUS LONGUE DISTANCE ENTRE DEUX ENDROITS @ mac

commissaire : Marie-Eve Beaupré
jusqu'au 12 mars | until March 12
macm.org

 

NICOLAS BAIER

Nicolas Baier, Trou noir, 2005, impression jet d'encre, 1/2, 109.9 cm x 143.8 cm. Collection Musée d'art contemporain de Montréal

 

ERIC CAMERON

Eric Cameron, Alarm Clock (3295), de la série Thick Painting, 1979 – 1994, 3295 demi-couches d'enduit acrylique sur réveille-matin, 43 x 46 x 17 cm. Collection Musée d'art contemporain de Montréal

 

SERGE TOUSIGNANT

Serge Tousignant, Le Long voyage, 1986, épreuve à développement chromogène, 4/5, 120.5 x 126.8 cm. Don de l'artiste. Collection Musée d'art contemporain de Montréal

 

SARAH SZE

Sarah Sze, Measuring Stick, 2015, projecteurs vidéo, ventilateur, éclairage, miroirs, bois, pierre, illustrations d’archives, haut-parleurs, acier inoxydable, ballon, sable, fruit, œuf, plastique, papier hygiénique, feuille d’aluminium, herbe. Collection Giverny Capital. Photo : Richard-Max Tremblay

 

Cette exposition qui rassemble une vingtaine d’œuvres s’inscrit dans le cycle Tableau(x) d’une exposition, une nouvelle série de projets développés à partir des œuvres de la Collection. La présentation intitulée « Car le temps est la plus longue distance entre deux endroits » (Tennessee Williams, 1944) rassemble des œuvres qui expriment notre besoin de définir notre rapport au temps et à l’espace et qui révèlent la propension des artistes à vouloir en faire image, de l’infiniment grand à l’infiniment petit.

This exhibition of around twenty works is part of the cycle Pictures for an Exhibition, a new series of projects based on works from the Collection. The presentation titled “For time is the longest distance between two places” (Tennessee Williams, 1944) features works that express our need to define a typology for our relationship to time and space, and that reveal artists’ propensity to want to depict this relationship, from the infinitely large to the infinitely small.

THE DEAD WEB - LA FIN @ eastern bloc

commissaire : Nathalie Bachand
jusqu'au 15 fév | until Feb 15
easternbloc.ca

 

FRÉDÉRIQUE LALIBERTÉ
« INFINITISME.COM FOREVER A PROTOTYPE »

Infinitisme.com Forever A Prototype est un projet web éternellement « en progrès », une machine à collage autonome qui génère des compositions virtuelles semi-aléatoires en allant chercher dans une banque de fichiers numériques catégorisés et classifiés : images, sons, gifs animés, vidéos, texte, etc. Le résultat de chaque visite est une série de constructions éphémères, basées à la fois sur la rigidité de l’archivistique et sur la désinvolture propre au hasard.

 

GRÉGORY CHATONSKY & DOMINIQUE SIROIS
« MÉMOIRES ÉTEINTES III »

Troisième itération d’une installation qui suggère la fin – et surtout la découverte, au sens archéologique du terme –, d’un monde tel que nous l’avons connu via l’exhumation de serveurs Internet encore lisibles, Mémoires Éteintes III renvoie à l’idée de notre propre extinction en tant que race humaine, et laisse envisager le futur de nos vestiges numériques.

 

JULIE TREMBLE
« BPM 37093 »

BPM 37093 de Julie Tremble, est une courte animation 3D qui « raconte » – fiction ou réalité, l’incertitude ici est volontaire – la mort d’une étoile et la lente transformation de sa matérialité. BPM 37093 est une étoile qui était très similaire au soleil et qui est aujourd'hui morte. Des scientifiques ont découvert qu'en mourant, l'étoile s'est presque entièrement transformée en diamant, comme le fera le soleil dans des milliards d'années. La temporalité hautement accélérée de cette mort d’étoile – 1:14 pour des millions d’années – questionne ici les notions de durée et d’instantanéité, de transformation, ainsi que nos représentations du monde.

 

JULIEN BOILY
« MEMENTO VASTUM »

Memento Vastum nous parle d’une mémoire perdue. Perte de savoir-faire, mais aussi de connaissances anciennes aussitôt remplacées par de nouvelles – souvent sous forme d’information ou même de données. C’est une dynamique récursive qui s’accélère constamment. Cette notion de vestige croise ici celles d’obsolescence programmée et de vanité. Si au 17e siècle le miroir était un élément récurrent dans la composition des vanités – ces natures mortes évoquant le caractère éphémère de l’humanité – aujourd’hui nos dispositifs électroniques et outils informatiques pourraient remplir la même fonction, dans laquelle Internet agirait comme un miroir sans tain.

 

PROJET EVA (ETIENNE GRENIER & SIMON LAROCHE)
« L’OBJET DE L’INTERNET »

Quoi de mieux qu’un monument pour témoigner de la gloire passée ? Avec L’Objet de l’Internet, une installation évoquant l’idée d’un mausolée destiné à la fin du web, les visiteurs sont projetés dans un futur dystopique où, sur les réseaux sociaux, ne demeureraient sous la forme d’une résonance que les traces de quelques égo-portraits encore artificiellement animés. Ces derniers, condamnés au statut de solipsismes stériles, s’agiteraient dans le vide sidéral de la fin d’Internet.

BNLMTL 2016

« LE GRAND BALCON »
Commissaire Philippe Pirotte
19 oct au 15 jan | Oct 19 to Jan 15
ouverture 17 au 21 oct | Oct 17 to 21
macm.org
mbam.qc.ca
lelivart.com
sat.qc.ca
lachapelle.org
galerie.uqam.ca
lastation

 

ANNE IMHOF

 

CELIA PERRIN SIDAROUS

 

HAEGUE YANG

 

LUIS JACOB

 

MOYRA DAVEY

 

NICOLE EISENMAN

 

NJIDEKA AKUNYILI CROSBY

 

SHANNON BOOL

 

HAIG AIVAZIAN - HÜSEYIN BAHRI ALPTEKIN - KNUT ÅSDAM - ERIC BAUDELAIRE - THOMAS BAYRLE - NADIA BELERIQUE - VALÉRIE BLASS - MICHAEL BLUM - DINEO SESHEE BOPAPE - ELAINE CAMERON-WEIR - CHRIS CURRERI - EM’KAL EYONGAKPA - GEOFFREY FARMER - ISA GENZKEN - LIAO GUOHE - LENA HENKE - JUDITH HOPF - IMPURE FICTION - MYRIAM JACOB-ALLARD - BRIAN JUNGEN - JANICE KERBEL - HASSAN KHAN - MEIRO KOIZUMI - DAVID LAMELAS - ZAC LANGDON-POLE - TANYA LUKIN LINKLATER - KERRY JAMES MARSHALL - COREY MCCORKLE - NATHALIE MELIKIAN - LUZIE MEYER - JOE NAMY - SHAHRYAR NASHAT - CADY NOLAND - CAMILLE NORMENT - PME-ART/JACOB WREN - MARINA ROSENFELD - CAMERON ROWLAND - BEN SCHUMACHER - WALTER SCOTT - BENJAMIN SEROR - FRANCES STARK - THIRTEEN BLACK CATS - LUKE WILLIS THOMPSON - DAVID GHERON TRETIAKOFF - LUC TUYMANS - MIES VAN DER ROHE - XU ZHEN / MADEINCOMPANY

 

Le Grand Balcon s’inspire librement de la pièce Le Balcon, de Jean Genet, qui fait de cette plateforme un espace de contestation entre la révolution et la contrerévolution, la réalité et l’illusion. Figure récurrente de l’écriture de Genet, le balcon est un lieu où la représentation peut être perversement troublée. Pour Genet (et pour de nombreux autres écrivains, dont Shakespeare) le balcon est aussi un topos de la galanterie amoureuse : un cadre privilégié mais ambigu qui rapproche les tourtereaux tout en les tenant à distance. C’est un dispositif du désir et un espace théâtral qui articule la relation complexe entre le dedans et le dehors, le haut et le bas. Le balcon est également assujetti à un régime particulier de visibilité, où une personne peut se mettre en scène de façon dramatique et afficher à la fois pouvoir et vulnérabilité.

Le Grand Balcon draws loosely on Jean Genet’s Le Balcon, in which the play’s high porch is a space of contestation between revolution and counter-revolution, reality and illusion. A recurring motif
 in Genet’s writing, his balcony is a place where representation itself can be perversely troubled. For Genet (and for many other writers, including Shakespeare) the balcony is also a topos of amorous flirtation: a privileged but ambiguous space that brings lovers closer while keeping them apart. It is a desiring apparatus and a theatrical space that articulates the complex relationship between inside and outside, up and down. The balcony is also subject to a particular regime of visibility, a space where a person can dramatically stage herself, with power and vulnerability on display.

PIERRE AYOT + LAURENT MULOT @ joyce yahouda

15 oct au 19 nov | Oct 15 to Nov 19
vernissage 15 oct 16h00 | Oct 15 ~ 4:00PM
joyceyahoudagallery.com

 

« PIERRE AYOT : PUSH AND PULL »
Commissaire Nicolas Mavrikakis

Pierre Ayot, Attention! Haute tension, 1978, sérigraphie, métal, 102 x 80 x 3.5 cm

PIERRE AYOT - PATERSON EWEN - DENIS JUNEAU - STÉPHANE LA RUE - GUIDO MOLINARI - ALANA RILEY - ANDREA SZILASI - CLAUDE TOUSIGNANT - JULIE TREMBLE

À la Galerie Joyce Yahouda, l’exposition Push and Pull est un des volets de la grande rétrospective de l’artiste Pierre Ayot (1943-1995) que j’ai organisée dans plusieurs lieux : Grande bibliothèque de BAnQ, Fondation Guido Molinari, Galerie Graff et Galerie B-312. Des œuvres d’Ayot sont également exposées au Musée des beaux-arts de Montréal ainsi qu’au Musée d’art de Joliette.

At Joyce Yahouda Gallery, the exhibition Push and Pull is one part of the major Pierre Ayot retrospective (1943-1995) that I organized in a number of venues: Grande bibliothèque of BAnQ, Guido Molinari Foundation, Graff Gallery and B-312 Gallery. Some of Ayot’s artworks are also exhibited at the Montreal Museum of Fine Arts and at the Joliette Museum. Art critics and art historians often described Pierre Ayot as a maker of playful artworks and of intricate trompe l’oeils.

 

LAURENT MULOT
« + – 49° 29’ »

Laurent Mulot, Lovers journey, 2016, vidéo couleurs, son, 3 min 23 sec

À l’été 1944, André Breton et Elisa Claro, alors jeunes amoureux, entreprennent un voyage en Gaspésie et s’arrêtent à Percé. Soixante et onze ans plus tard, par un jour de brouillard, le rocher, devenu fantôme, est invisible, mais la poésie, reine des images, donne à voir et à entendre le chant du poète…

In the summer of 1944, André Breton and Elisa Claro, at the time young lovers, took a trip to the Gaspé and made a stop at Percé. Seventy-one years later, on a foggy day, the rock, become a ghost, is invisible, but poetry, the queen of images, lets us see and hear the poet’s song…

17 VOLCANS @ cca

Commissaires : Philip Ursprung et Alex Lehnerer
jusqu'au 22 jan - until Jan 22
cca.qc.ca

Armin Linke, Kawa Ijen. Biau (Jawa Timur), Indonésie, 2016, tirage chromogène, 50 x 60 cm. © Armin Linke

 

FRANZ WILHELM JUNGHUHN - ARMIN LINKE - BAS PRINCEN

 

En vue de diffuser le discours critique et en accord avec sa pratique curatoriale, le CCA a collaboré avec l’Institute for the History and Theory of Architecture (gta) pour proposer un examen architectural inusité de la transformation des paysages contemporains. 17 Volcans reprend les études de Franz Wilhelm Junghuhn, explorateur germano-néerlandais qui a mené plusieurs expéditions à Java pour le compte des autorités coloniales des Pays-Bas entre 1836 et 1848. Il compte parmi les premiers colons à avoir gravi les nombreux volcans de l’île. Son héritage dans le domaine de la cartographie, de la botanique, de la géologie et de l’écriture est comparable à ceux légués par Thomas Stamford Raffles, Alfred Russel Wallace ou Alexander von Humboldt.

In disseminating critical discourse and in alignment with its curatorial practice, the CCA collaborated with the Institute for the History and Theory of Architecture (gta) offering an unusual architectural scrutiny of transformation of contemporary landscapes. 17 Volcanoes revisits the explorations by German-Dutch explorer Franz Wilhelm Junghuhn who made several expeditions in Java in the service of the Dutch colonial authorities between 1836 and 1848. He was among the first colonists to climb the island’s many volcanoes. His legacy in the realm of cartography, botany, geology and writing can be compared to the role of Thomas Stamford Raffles, Alfred Russel Wallace or Alexander von Humboldt.

THE GARDEN @ pangée

Commissaires : Julie Côté et Joani Tremblay
11 juin au 30 juillet | June 11 to July 30
vernissage 11 juin 15h00 | June 11 ~ 3:00PM
projetpangee.com

 

CLAIRE MILBRATH

 

DARBY MILBRATH

 

ÉTIENNE CHARTRAND

 

Claire et Darby Milbrath sont nées et ont grandi dans une maison hantée à Victoria, en Colombie-Britannique. La maison jadis accueillit les excédentaires de l’Empress Hotel et contient de nombreuses chambres et cachettes secrètes. Les étés furent passés à jouer à des jeux élaborés et imaginatifs dans le jardin débordant qui l’entourait. L’omniprésence du jeu, du romantisme et de la beauté qui imprégna leur enfance devint une grande influence dans le travail des deux sœurs aujourd’hui.

Claire and Darby Milbrath were born and raised in a haunted mansion in Victoria, BC. The house had once been the overflow for the Empress Hotel and contains numerous rooms and secret hiding places. Summers were spent playing elaborate and imaginative games in the overgrown garden surrounding it. The sense of make-believe, romanticism and splendour that permeated their childhood largely influences the sisters’ work today.

LOIN DES YEUX @ optica

Commissaire : Claire Moeder
16 avril au 11 juin | April 16 to June 11
vernissage 16 avril 15h00 | April 16 ~ 3:00PM
optica.ca

Julien Discrit, Brighter than a thousand suns (détail), 2007

 

JULIEN DISCRIT - CLAIRE HANNICQ - ANOUK KRUITHOF - JACINTHE LESSARD-L. - PÉTREL & ROUMAGNAC - ALANA RILEY

 

Loin des yeux engage le regardeur dans une exploration de l’invisible. L’exposition englobe une sélection d’œuvres photographique et vidéographique dont les images partielles, souterraines et ambivalentes se dérobent au regard. Les artistes de l'exposition expérimentent des brouillages visuels qui rendent compte de plusieurs strates de visibilité, lesquelles déplacent notre perception pour la conduire – ou la perdre – vers des images cachées qui oscillent entre disparition et révélation. Infiltrant ces diverses possibilités d’existence, l’exposition explore les stratégies singulières de dissimulation et de résistance qui d’emblée affectent notre lecture des œuvres.

La disparition totale ou partielle du sujet, son accès rendu presque impossible dû à un brouillage volontaire par parasitage, est une stratégie récurrente. Elle invite à expérimenter les œuvres dont la perception est vacillante et maintenue en tension ; elle place notamment le regardeur dans une position ambiguë tant physique que réflexive. Ainsi, l’exposition introduit de nouvelles relations entre les œuvres et le spectateur, en les soustrayant ou en les dérobant partiellement à la vue. Ces déclinaisons engendrent une frustration latente qui oblige à appréhender différemment l’image qu’elle soit fixe ou en mouvement.

Loin des yeux engages the viewer in an exploration of the invisible. The exhibition encompasses a selection of photographic and video works in which the images—partial, ambivalent, subterranean—shy away from the gaze. The artists experiment with visual blurrings that testify to the many layers of visibility. They shift our perception, leading (or losing) it, as hidden images oscillate between disappearance and revelation. Infiltrating the various existential possibilities, the exhibition explores peculiar strategies of dissimulation and resistance that have an immediate impact on our reading of the works.

The total or partial disappearance of the subject, access to it made nearly impossible by an intentional and parasitic blurring, is a recurring strategy. It calls for experiencing works of vacillating perception and in a constant state of tension, placing the viewer in a physically and reflexively ambiguous position. The exhibition thus introduces new relationships between the spectator and the works, which are removed or partially obscured. These variations spawn a latent frustration that forces viewers to apprehend the image differently, whether it be fixed or moving.

ART SOUTERRAIN 2016

« L'ART DOIT-IL SÉDUIRE »
27 fév au 20 mars | Feb 27 to March 20
ouverture 27 fév 18h00 | Feb 27 ~ 6:00PM
artsouterrain.com

 

BONNIE BAXTER

 

ALLISON SCHULNIK

 

JONATHAN SCHIPPER

 

MARTIN USBORNE

 

Photographie : DINA GOLDSTEIN - ZHANG KECHUN - JEAN-FRANÇOIS BOUCHARD - HOLLY KING - AMBROISE TEZENAS - ERIKA DE FREITAS - INKA & NICLAS

Sculpture et installation :  ZEKE MOORES - MARK JENKINS - JEAN-FRANÇOIS COOKE & PIERRE SASSEVILLE - SARAH GARZONI - JEAN BRILLANT - NATHALIE QUAGLIOTTO - PIERRE ET MARIE - MICHEL DE BROIN - CHRISTOS PANTIERAS - RENATO GARZA CERVERA

Vidéo : TAKESHI MURATA - JESPER JUST

ART SOUTERRAIN convie depuis 2009 un large public à découvrir l’art contemporain autour d’un festival unique en Amérique du Nord qui se déploie dans le réseau souterrain piétonnier de Montréal, qu’empruntent quotidiennement quelques 100 000 passagers.

L’équipe artistique de ART SOUTERRAIN 2016, composée de Frédéric Loury, commissaire principal et directeur général, de Anais Castro et de Marie-Josée Rousseau, commissaires québécoises invitées, a choisi le thème L’art doit-il séduire ? pour présenter la 8e édition du festival : « Le recours à un esthétisme marqué est devenu incontournable dans une partie de la création contemporaine. Cette tendance s’insinue-elle dans l’esprit des artistes pour répondre aux attentes du public ou du monde des Arts?  (…) La création contemporaine peut-elle trouver une résonance sans glamour? » Art performatif éphémère, œuvres vidéographiques, photographiques et numériques, installations et sculptures témoigneront ainsi de l’évolution du monde de l’art et des intérêts de ses différents acteurs, dans une société de plus en plus axée sur la séduction et l’attraction. »