ratsdeville

CAR LE TEMPS EST LA PLUS LONGUE DISTANCE ENTRE DEUX ENDROITS @ mac

commissaire : Marie-Eve Beaupré
jusqu'au 12 mars | until March 12
macm.org

 

NICOLAS BAIER

Nicolas Baier, Trou noir, 2005, impression jet d'encre, 1/2, 109.9 cm x 143.8 cm. Collection Musée d'art contemporain de Montréal

 

ERIC CAMERON

Eric Cameron, Alarm Clock (3295), de la série Thick Painting, 1979 – 1994, 3295 demi-couches d'enduit acrylique sur réveille-matin, 43 x 46 x 17 cm. Collection Musée d'art contemporain de Montréal

 

SERGE TOUSIGNANT

Serge Tousignant, Le Long voyage, 1986, épreuve à développement chromogène, 4/5, 120.5 x 126.8 cm. Don de l'artiste. Collection Musée d'art contemporain de Montréal

 

SARAH SZE

Sarah Sze, Measuring Stick, 2015, projecteurs vidéo, ventilateur, éclairage, miroirs, bois, pierre, illustrations d’archives, haut-parleurs, acier inoxydable, ballon, sable, fruit, œuf, plastique, papier hygiénique, feuille d’aluminium, herbe. Collection Giverny Capital. Photo : Richard-Max Tremblay

 

Cette exposition qui rassemble une vingtaine d’œuvres s’inscrit dans le cycle Tableau(x) d’une exposition, une nouvelle série de projets développés à partir des œuvres de la Collection. La présentation intitulée « Car le temps est la plus longue distance entre deux endroits » (Tennessee Williams, 1944) rassemble des œuvres qui expriment notre besoin de définir notre rapport au temps et à l’espace et qui révèlent la propension des artistes à vouloir en faire image, de l’infiniment grand à l’infiniment petit.

This exhibition of around twenty works is part of the cycle Pictures for an Exhibition, a new series of projects based on works from the Collection. The presentation titled “For time is the longest distance between two places” (Tennessee Williams, 1944) features works that express our need to define a typology for our relationship to time and space, and that reveal artists’ propensity to want to depict this relationship, from the infinitely large to the infinitely small.

ERIKA DUECK + SONNY ASSU + LA REVENTE @ art mûr

jusqu'au 25 fév | until Feb 25
artmur.com

 

ERIKA DUECK
« DIVIDED PROXIMITIES »

Le succès d’un magicien tient en sa capacité à contrôler l’attention du spectateur afin de rendre invisibles les ruses de l’illusion. En ce sens, le travail d’Erika Dueck est bien à l’opposé de la prestidigitation, puisque d’emblée, l’artiste livre tout au spectateur. Au premier regard, on ne peut pas être charmé par ses sculptures. Elles se présentent d’abord comme ensembles de foamcore, de papier collant et de lumières d’appoint dont les fils pendent grossièrement dans le vide. Il est rare que de matériaux si bruts soient exposés dans l’espace de la galerie.

per·i·scope ˈperəˌskōp/ noun - 1. an apparatus consisting of a tube attached to a set of mirrors or prisms, by which an observer (typically in a submerged submarine or behind a high obstacle) can see things that are otherwise out of sight. In Erika Dueck’s optical machines, the viewer can peer through a small opening into a near-pathological state of anxious disorder; a state of things half-accomplished and naggingly remembered.

 

SONNY ASSU
« INTERVENTIONS ON THE IMAGINARY »

Sonny Assu, Choke on an Ovoid, 2014

Le plus récent corpus de l’artiste Sonny Assu nous transporte près de l’univers de la science-fiction, alors que des figures autochtones anciennes semblent envahies par une entité de l’espace. Ces œuvres digitalisées posent ainsi la question: et si la perception occidentale, actuelle et ancienne, des peuples autochtones tenait de la science-fiction?

Sonny Assu, a member of the Liǥwildaʼx̱w of the Kwakwaka’wakw nations, uses humour to unsettle dominant cultural expectations of indigenous art while playing with ideas of brand loyalty, consumerism, ready-mades and pop-culture. In 2014 Sonny Assu began thinking about a new project, what would eventually become the Interventions on the Imaginary series.

 

LA REVENTE

Dang Trinh

EDMUND ALLEYN - BARRY ALLIKAS - JEAN (HANS) ARP - PIERRE AYOT - TED BARKER - RAFAEL BARRIOS - LUC BÉLAND - STÉPHANIE BÉLIVEAU - ROGER BELLEMARE - MARCEL BELLERIVE - JUDITH BERRY - LOUIS PIERRE BOUGIE - KITTIE BRUNEAU - PHILIPPE CHABOT - MARIE-PAULE CHANUT - MAGALIE COMEAU - JEAN-SEBASTIEN DENIS - ALBERT DUMOUCHEL - AMY ELKINS - ERTE - NICOLAS FLEMING - ROBERT FREEMAN - EMMANUEL GALLAND - DAVID GARNEAU - JEAN GOGUEN - SYBIL GOLDSTEIN - MARTIN GOLLAND - BETTY GOODWIN - CLAUDE GOULET - ANGELA HENDERSON - DIL HILDEBRAND - BETTINA HOFFMANN - JACQUES HURTUBISE - GENERAL IDEA - JEAN-PAUL JÉRÔME - HARLAN JOHNSON - DENIS JUNEAU - BRIAN JUNGEN - ANISH KAPOOR - MASKULL LASSERRE - RENÉE LAVAILLANTE - FERNAND LEDUC - JEAN LEFEBURE - PHILIPPE CARON LEFEBVRE - RITA LETENDRE - ANTOINE LORTIE - ATTILA RICHARD LUKACS - JABER LUTFI - MARCELLA MALTAIS - FRANCOIS XAVIER MARANGE - MARCEL MAROIS - JOHN MAROK - JOHN MCEWEN - OLAF MOOIJ - JEAN NOEL - ALAIN PAIEMENT - JACQUES PAYETTE - FABRIZIO PEROZZI - MICHEL PIQUETTE - BRIGITTE POTTER-MAL - ROLAND POULIN - LOUISE ROBERT - ALEXANDRE ROBICHAUD - ISLEY ROJAS - MATT SCHUST - MARC SÉGUIN - CLAUDE SIMARD - STEVEN SOMBERBEE - DAVID SPRIGGS - CLAUDE TOUSIGNANT - THANH TRUC TRINH - DANG TRINH - CHARLES TYLER - IRENE F. WITTOME

Collectionner est une passion difficile à combler et avec le temps une réorganisation est indispensable. Ça peut être frustrant de voir nos murs se remplir sans toutefois posséder la collection désirée. C’est pour vous assister dans cette situation un peu embêtante que nous avons décidé en 2000 d’organiser la première édition de La Revente.

Collecting is a difficult passion to fulfill and there always comes a time when it appears essential to reorganize one’s collection. It can be frustrating to witness space being filled up by pieces without feeling like we’ve finally achieved the desired collection. It’s with the mandate to assist you facing this annoying situation that we organized the first edition of The Resale in 2000.

ART/SHIFT ~ entretien

Je me suis entretenu avec Marc-Antoine Longpré, fondateur d'Art-shift pour mieux comprendre cette initiative de vente d’œuvres d'art en ligne.

Éric : Qui es-tu ? D’où viens-tu ?

Marc-Antoine : Je suis issu du monde de la finance, j’ai passé les six dernières années à évoluer en tant que Conseiller en placement au sein BMO Nesbitt Burns. C’est d’ailleurs à ce moment que je me suis mis à m’intéresser au monde des arts visuels. J’échangeais avec clients et collaborateurs sur les artistes, mais aussi sur leur marché et sur l’art comme véhicule d’investissement. J’ai vite réalisé le manque de liquidité (ou facilité à revendre) de ce marché et c’est à ce moment que l’idée d’Artshift a commencé à prendre place dans mon esprit. 

É : Quelle est l'occasion d'affaires derrière Artshift ?

MA : L’idée est d’offrir aux collectionneurs et aux marchands une plateforme en ligne de diffusion afin de revendre leurs œuvres.

É : Quel est l'état du marché de l'art au Québec ?

MA : Le marché québecois (et canadien) est très restreint, non seulement il représente l’équivalent de seulement la Californie si on se compare à nos voisins du sud, mais il est divisé entre le Québec, Toronto et l’Ouest canadien. Cela n’aide en rien les artistes et le marché primaire.

MAUDE ARÈS @ cercle carré

« THIS IS HOW WE WALK ON THE MOON »
jusqu'au 13 oct | until Oct 13
cerclecarre.coop

L’œuvre de Maude Arès aborde les fondements des croyances de chacun en relation avec l’histoire singulière que détient un objet. Son travail se caractérise par la méthodologie de la collection, l’empressement d’agir et l’instinct joueur de l’enfant. Afin d’explorer la forme, l’identité et la mémoire des matériaux, elle amasse différents objets impulsivement choisis pour leur morphologie, leur essence et leur humour. Ces objets sont alors organisés minutieusement par moment passé (ex. : l’escapade en forêt) ou par thématique (ex. : cheveux, roches, surfaces planes, etc.). À l’approche d’un projet, elle fait une large sélection parmi sa collection pour jouer. Rapidement, elle manipule, associe, observe pour créer des structures hétéroclites et uniques flirtant allègrement ou discrètement avec le figuratif et l’imaginaire. La logique de l’instinct dans le travail de Maude est paradoxale, car si elle collectionne systématiquement des objets et les organise logiquement, elle leur donne une nouvelle forme en investissant le hasard et le plaisir.

NICOLAS GRENIER @ sightings

« LE TEMPS DE L’ŒUVRE, LE TEMPS DU TRAVAIL »
jusqu'au 5 sept | until Sept 5
ellengallery.concordia.ca

Nicolas Grenier, Le temps de l'œuvre, le temps du travail / The Time of the Work, 2016, maquette numérique SketchUp / SketchUp digital model. Avec la permission de l’artiste

Dans le cadre de ce projet, des participants se sont engagés à passer dans le cube SIGHTINGS, en présence d’une œuvre qu’ils souhaitent acquérir, une durée équivalente à celle que l’artiste évalue avoir consacrée à sa production, et ce, sans téléphone cellulaire, tablette, ordinateur, livre ou autre objet de communication, de divertissement ou de travail. L’espace d’exposition devient le site d’une économie différente utilisant le « temps du travail » comme unité d’échange.

Participants in this project have committed to spending a certain period of time inside the SIGHTINGS cube with an artwork they wish to acquire. Moreover, this time is spent without a cell phone, tablet, computer, book, or any communication, entertainment, or working device. The duration of their presence in the cube is equivalent to the time that the artist invested in the production of the work. The exhibition space becomes the site for a different economy that uses the “time of work” as a unit for exchange.

FRANÇOIS ROCHON @ parc-extension

« REGARD SUR L’ART CONTEMPORAIN »
Commissaire : François Rochon
jusqu'au 14 juin | until June 14
salle de diffusion de Parc Extension : 421 Saint-Roch

Dil Hildebrand, Descending, 2007, Médiums mixtes sur toile, 152,4 x 269,24 cm, Collection de Pierre Trahan

La maison de la culture de Villeray–Saint-Michel–Parc-Extension a donné carte blanche au collectionneur François Rochon pour présenter des œuvres empruntées à d’autres collectionneurs qui partagent sa passion pour les arts visuels. Sélection  d’œuvres des collections privées de :

GÉRALD BOLDUC - ROBERT-JEAN CHÉNIER - JOANIE LAPALME - ALEXANDRE TAILLEFER - PIERRE TRAHAN - ALAIN TREMBLAY

ARGUMENTAIRE POUR L'ART | ART PLEA #7

L’art investissement
Bien sûr, on pensera en lisant ce titre à l’aspect spéculatif, qu’une œuvre risque de prendre de la valeur avec le temps, qu’on pourra la revendre plus tard avec profit ou encore la donner à un musée, se méritant un crédit d’impôt en ayant déjà, pour certains, bénéficié d’avantages fiscaux pour avoir acheté et exposé une œuvre d’un artiste canadien dans son bureau.

Mais c’est d’un tout autre type d’investissement dont j’aimerais vous parler. Au lieu de comprendre l’investissement comme l’acte d’un collectionneur intéressé qui achète une œuvre comme on achète un réer ou un placement en bourse – dans le seul but de voir sa valeur fructifier – je pense plutôt à une relation inverse, à savoir comment l’œuvre qu’on accroche chez soi « investit en nous ». Comment cette chose contribue à notre vie de tous les jours ? En quoi nous rend-elle plus riche de l’intérieur ?

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Éric Bolduc, old school, encre sur papier, 2014

Art investment
Of course, one thinks in reading this title, in terms of a speculative asset, a work that will perhaps increase in value over time, that we can resell it later at a profit or even donate it to a museum, earning a tax credit, having already, benefitted from tax breaks for purchasing, and exhibiting a work by a Canadian artist in the office.

But it is a completely different type of investment of which I would like to write. Instead of understanding the investment as the act of an interested collector who buys a work as you would buy a RRSP or a prescribed Securities Exchange investment - for the sole purpose of seeing its value grow - I think in terms of an inverse relationship, i.e. how the artwork one hangs at home "invests in us. How does this thing contribute to our everyday lives? In what way does the work make us richer from the inside?

TENDANCES @ longueuil

Acquisitions 2013-2014
27 sept au  21 déc | Sept 27 to Dec 21
vernissage 26 sept 17h00 | Sept 26 ~ 5:00PM
Maison de la culture de Longueuil : 300 Saint-Charles O

 

RAPHAËLLE DE GROOT

Raphaëlle De Groot, 1273 petites choses qui ne servent plus, 2010, impression numérique, ed 5, 51 X 71.5 cm, galerie Graff

 

LUC COURCHESNE

Luc Courchesne, Plum Island, 2012, 10" de diamètre sur plexiglass, galerie Pierre-François Ouellette art contemporain

 

LUDMILA ARMATA - PIERRE AYOT - ANNIE BAILLARGEON - SIMON BILODEAU - SYLVIE BOUCHARD - BERTRAND CARRIÈRE - COZIC - GWENAËL BÉLANGER - NATHALIE GRIMARD - ADAD HANNAH - DIL HILDEBRAND - RAYMOND LAVOIE - MANCE LANCTÔT - NATASCHA NIEDERSTRASS - VIATOUR BERTHIAUME

mot de l'éditeur | word from the editor

Cette semaine, Ianik poursuit sa série de billets s'inspirant des sept péchés capitaux d'après l'œuvre de Jérôme Bosch avec une réflexion sur le collectionnement comme figure de l'avarice ou du désir iraisonné de caresser en privé des oeuvres originales ... Dans un monde où l'insécurité individuelle prévaut, les liens tissés entre l'art et l'argent sont rarement simples. The Gardian publiait récemment un article à propos de la sous-rémunération des artistes au Royaume-Uni et mentionnait une étude démontrant que plus de 70% des artistes ayant pris part à des expositions financées publiquement n'ont reçu aucune compensation monétaire pour leur travail au cours des trois dernières années.

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Éric Bolduc, intermédiaire, feutre sur papier, 2014 (travail en cours)

This week, Ianik continues his series of posts inspired by the seven capital sins from a painting by Jérôme Bosh with a reflexion on collecting as a form of avarice or the irrational desire to caress original works in private ... In a world where individual insecurity prevails, the links between art and money are rarely simple. The Gardian published recently an article about the culture of not paying the artists in UK and mentioned a study showing that over 70% of contemporary visual artists received no fee for taking part in publicly funded exhibitions in the last three years.

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IANIK MARCIL ~ caresser l’œuvre

L’avare tel qu’on l’a historiquement représenté a généralement un rapport charnel, physique et sensuel avec son trésor. Il caresse sa « cassette » de pièces d’or – palper ses écus lui apporte une jouissance qui dépasse largement une quelconque motivation rationnelle d’accumulation de la richesse. On imagine mal – au-delà de l’anachronisme, Harpagon, le père Grandet ou Séraphin Poudrier caresser l’écran de leur ordinateur sur lequel s’afficherait la valeur de leur portefeuille boursier.

Jérôme Bosch, Les Sept Péchés capitaux et les Quatre Dernières Étapes humaines, L'avarice (détail)

De même, le collectionneur d’art a un rapport tout aussi sensuel avec ses œuvres. Bien entendu, collectionner participe d’une certaine forme de relation sociale ostentatoire : on met en valeur à la vue de tous sa collection. Mais ce caractère public, au sens fort, de l’acte de collectionner demeure limité aux quelques privilégiés qui auront la chance d’admirer ces œuvres. La véritable consommation ostentatoire – pour reprendre les mots de Veblen – se réalise davantage lorsque la collection devient publique (par un don à un musée, par exemple).

Le rapport du collectionneur à ses tableaux et sculptures est beaucoup plus privé qu’il n’y paraît de prime abord. L’expérience esthétique des arts visuels, bien qu’elle ne fasse appel généralement qu’à la seule vue, est profondément sensuelle et charnelle. Avaricieuse, même. Nul autre que le collectionneur ne peut toucher (littéralement) ses œuvres, comme personne n’a accès au trésor de l’avare. Balzac dit du père Grandet, d’ailleurs, que son visage « annonçait une finesse dangereuse, une probité sans chaleur, l’égoïsme d’un homme habitué à concentrer ses sentiments dans la jouissance de l’avarice. » Un homme au caractère froid et dur qui n’a d’autres plaisirs que la contemplation et la proximité de son trésor.