ratsdeville

MARTIN GOLLAND @ antoine ertaskiran

« NOW, AS BEFORE »
29 nov au 23 déc | Nov 29 to Dec 23
vernissage 29 nov 17h00 | Nov 29 ~ 5:00PM
galerieantoineertaskiran.com

Martin Golland, The Gift, 2017, collage, technique mixte, 97 x 89 cm

Les peintures de Martin Golland illustrent un point de rencontre entre un environnement artificiel et le monde naturel, créant des espaces architecturaux imaginaires. S’inspirant d’un large éventail de langages picturaux qui répondent aux contradictions de l’histoire de la peinture figurative, les sujets traités par l’artiste sont influencés par les propriétés physiques de la peinture. L’artiste cherche ainsi à remettre en question l’acte même de regarder, créant ainsi une confusion entre l’imaginaire et le réel, l’étrangeté et la rêverie.

His paintings present a fictional meeting point between a built environment and the natural world, resulting in imaginary architectural spaces. Golland's work is created from a broad range of painting techniques that respond to the contradicting history of representational painting. Using these subjects gives the artist a way to question the act of looking. This blurs the transition between imagination and reality, the bizarre and reverie.

FELICITY TAYLER @ z art space

« RÉÉCRIRE »
14 juin au 12 juillet | June 14 to July 12
vernissage 14 juin 17h00 | June 14 ~ 5:00PM
zartspace.com

Coïncidant avec le 150e anniversaire de la Confédération du Canada et le 375e de la fondation de Montréal, cette exposition met de l'avant la série "White Butterfly", qui comprend des œuvres sur papier, des collages et des installations réalisées par l’artiste entre 2006 et 2015, durant l'administration Harper. Cette exposition fait appel à une réponse indirecte, subconsciente au discours officiel et aux multiples enjeux et critiques qui entourent les deux anniversaires. Cette notion plutôt moderniste qui concerne l’identité nationale est déconstruite par l’artiste pour ensuite être reconstruite par le spectateur. L’artiste propose une réécriture des discours identitaires, une identité nationale beaucoup plus ambigüe et personnelle ancrée dans un rapport plus émotif, qui est à la fois prédéfini et maniable. En ce sens, l’artiste par les considérations qu’elle établit, propose la possibilité d’une lecture identitaire post-nationale ancrée dans une histoire locale spécifique.

Coinciding with the 150th anniversary of Confederation of Canada and the 375th of the settlement of Montréal, this exhibition presents "White Butterfly", a series of works on paper, collage, and installations produced by the artist between 2006 and 2015, during the Harper years. Responding to this recent past, this series poses a conceptual challenge to the formation of national identity in Canada and Québec. White Butterfly solicits an indirect, almost subconscious response to the official discourse and to the many critiques arising from the present moment of commemoration. The modernist notion of national identity is deconstructed by the artist so that it can be reconstructed by a viewer. White Butterfly proposes a ‘rewriting’ of national identity formations that takes place through the emotional process of engaging with images. Identity is experienced as an ambivalent state, both predefined and amenable to self-determination. In that sense, the artist proposes a condition of possibility for a post-national identity linked to local histories.

ALAIN LAFRAMBOISE @ graff

« LES DERNIERS CAPRICES »
Commissaires : Louis Cummins et Karl-Gilbert Murray
jusqu'au 23 juin | until June 23
graff.ca

Les derniers caprices no 3, 2016, collage, 50,8 x 76,2 cm

Une exposition posthume d’œuvres inédites, qui rend hommage à cet artiste, historien et critique d’art décédé le 7 avril 2016. Alain Laframboise s’est joint aux artistes de la galerie Graff en 1985. Depuis, il nous a successivement fait voyager dans les petits univers grandioses de ses sculptures et dans la lumière dorée de ses visions. À travers la lentille de son impressionnante connaissance de l’art occidental, nous voyons se télescoper les grandes figures et moments de son histoire. Et c’est grâce à sa sensibilité pour les objets du quotidien et tragédies ordinaires qu’il a su nous faire glisser dans les coulisses du grand théâtre des signes et des choses qu’est notre réalité.

A posthumous exhibition of previously unseen works that pay tribute to this artist, historian and art critic who passed away on April 7, 2016. The opening will be held on Thursday, May 25 at 5 p.m. with curators, Louis Cummins and Karl-Gilbert Murray. Ever since Alain Laframboise joined galerie Graff’s artists in 1985, he has taken us on a journey through his sculpture’s small and extravagant worlds, and into the golden glow of his visions. Through the lens of his vast knowledge of western art, we saw historical figures and key moments seamlessly weave into one another; following his keen sensibility for everyday objects and commonplace tragedies, he inspired us to look behind the curtain of this great theater of objects and signs we call reality.

DIL HILDEBRAND @ pfoac

« E UNIBUS PLURAM »
jusqu'au 27 mai | until May 27
pfoac.com

The Owl hooteth, 2017, acrylique, résine, fibre de nylon et sable sur panneau acrylique encadré, 127 x 96.5cm

Ce nouvel ensemble d'œuvres introduit un caractère encore plus physique à la production tout en couches et en profondeur de Hildebrand. Sa recherche poussée et continue des techniques et des formats de la peinture fait de lui l'un des artistes canadiens contemporains les plus intéressants à suivre. Le corpus d'œuvres de Hildebrand marie une diversité de références et de méthodes, allant des stratégies modernistes de fragmentation et de recomposition à Photoshop et à l'architecture moderniste, en passant par des tropes picturaux de l'art occidental et le théâtre. Chevauchant la frontière ténue entre la représentation spatiale et l'abstraction, les peintures de Hildebrand explorent la mécanique même de la représentation. Cette fascinante nouvelle série examine la double nature de l'œuvre d'art à la fois comme objet et image, naviguant entre des surfaces hautement physiques et un espace pictural profond.

This new body of work brings a more physical presence to the layers and depth of Hildebrand's work. His continued advancement and research of media and formats in painting has solidified his place as one of Canada's most interesting contemporary artists. Hildebrand's body of work blends a diversity of references and methods, from modernist strategies of fragmentation and re-composition, pictorial tropes of Western art and theatre, to Photoshop and modernist architecture. Lying on the shifting border between spatial representation and abstraction, Hildebrand's paintings explore the mechanics of representation. This exciting new series investigates the twofold nature of the artwork as both an image and object, enacting a negotiation between highly physical surfaces and deep pictorial space.

CYNTHIA DINAN-MITCHELL @ atelier circulaire

« FLORAISON »
13 avril au 20 mai | April 13 to May 20
vernissage 13 avril 17h30 | April 13 ~ 5:30PM
ateliercirculaire.org

Cynthia Dinan-Mitchell, Botanical Bend, 2016, sérigraphie

L'exposition nous plonge dans un univers coloré et foisonnant où faune, flore et références à l’univers domestique se superposent, en autant de collages aussi hétéroclites qu’harmonieux. Faisant surgir un peu de poésie dans un quotidien souvent désenchanté, les œuvres de Dinan-Mitchell apparaissent comme une sorte de répit dans le flux incessant d’images de catastrophes et de corruption qui inondent la société contemporaine. Elles sont belles, mais jamais superficielles; critiques, sans être cyniques. […] On y reconnaît bien le style de l’artiste, à la fois féminin et foncièrement baroque.

The exhibition proposes an immersion into a colorful and abundant universe where fauna, flora and references to the domestic realm are superimposed in a combination of heteroclite and harmonious collages. Dinan-Mitchell brings poetry to daily life where disenchantment is often present, offering a break in the constant flow of images of catastrophe and corruption ever-present in contemporary society. Her artworks are beautiful but never superficial, critical without being cynical. One easily recognizes the style of the artist, both feminine and fundamentally baroque.

GABRIÈLE FONTANA @ ymuno

« JE SUIS LES VISAGES QUE JE CROISE »
jusqu'au 29 avril | until April 29
ymuno.ca

Gabrièle Fontana, Tête, 2016, médium mixte, carton marouflé sur aluminium, 12 x 16.5 cm

Ce projet part d’un souvenir. Train de nuit entre Genève et Amsterdam, il y a longtemps. L’extérieur est absent. Seule dans un compartiment avec le reflet de mon visage sur les vitres, démultiplié. Le même, le même, le même. J’étouffe. Sortir au plus vite. Vers un autre. L’autre. Sa différence va me sauver de l’enfermement. C’est là que tout a commencé. Je tente de me souvenir des visages croisés dans ma vie. Ils sont gravés quelque part en moi. Une impression diffuse, des impressions superposées, une abondance d’impressions. Je suis étourdie. Face à face. Visages de craie tracés dans la terre. Chuchotement de la matière vive. Cri de la matière sourde. Visages à nu, peau, poils, cornes. Un homme, une bête entrecroisés. Des coiffes, des parures, visages de cérémonie. Peau blanchie. Cernés de noir, fardée de rouge, les yeux, la bouche sont en excès. Visages travestis. Il ou elle ? Il et elle. De Madagascar à Stockholm, de Bombay à New York, les visages du monde remontent le temps jusqu’à moi.

This project starts with a memory. Night train between Geneva and Amsterdam, long ago. The outside world is absent. Alone in a compartment, my face endlessly reflected in the windowpanes. The same. The same. The same. Smothering. I need a way out, right away, to another. The Other. Its difference will save me from confinement. It’s then everything started. I try to recall the faces I’ve encountered throughout my life. They’re inscribed some place in me. A diffuse impression, superimposed impressions, an abundance of impressions: dizzying. Face to face. Chalk faces traced in earth; whisperings of living matter. Wailing of mute matter. Bare faces, skin, hair, horns. Man and beast intertwined.  Headdresses, finery, ceremonial masks. Whitened skin.  Black-rimmed, blushing red, the eyes, the mouth are excessive. Cross-dressed faces. Him or her? He and she. From Madagascar to Stockholm, from Bombay to New York, the faces of the world travel through time toward me.

RENÉ DONAIS @ atelier circulaire # 517

« HIRSUTOPATHIA DOMESTICA »
13 au 26 avril | April 13 to 26
vernissage 14 avril 17h00 | April 14 ~ 5:00PM
ateliercirculaire.org

Ces estampes s’inspirent d’un cas fameux d’hybridité du XVIIIe siècle, soit une petite fille dont le corps était parsemé de poils de biche et d’excroissances spongieuses. On a attribué le phénomène à l’imagination de sa mère qui se serait querellé avec une voisine au sujet d’un cerf. La formation de l’enfant s’était donc trouvée altérée par les envies délirantes de l’imagination maternelle. Les excroissances pileuses étaient toutefois bien réelles et elles ont été observées par le naturaliste le Comte de Buffon et le physiognomonie Johann Caspar Lavater. Je propose quelques métamorphoses de cet enfant hybride, conciliant la gravure au burin sur des épreuves numériques.

DEREK SULLIVAN + DOMINIQUE PÉTRIN @ antoine ertaskiran

5 avril au 6 mai | April 5 to May 6
vernissage 5 avril 17h00 | April 5 ~ 5:00PM
galerieantoineertaskiran.com

 

DEREK SULLIVAN
« SEVERAL THINGS HAPPENING AT THE SAME TIME »

Derek Sullivan, #117, a book about left and right, 2017, 127 x 98 cm

Cette exposition réunit trois corpus d’œuvres, la série Poster Drawing, la série National Gallery Catalogue et la série Mirrors, toutes explorant le rôle du dessin dans la pratique de l’artiste. La série Poster Drawing est au cœur de l’exposition. En cours depuis 2005, elle est constituée de dessins rappelant les affiches promotionnelles que l’on retrouve dans les transports en commun ou sur les murs de chambres à coucher. Ces œuvres se servent du rythme changeant de la publicité comme une structure pour explorer les différents codes et systèmes linguistiques de la culture populaire ou de luxe. Elles se déclinent de diverses façons, allant de l’abstraction géométrique aux motifs répétés évoquant l’art moderniste et le design graphique, en passant par des allusions figuratives aux cahiers de livres dessinés et pliés. Rassemblant une gamme éclectique et très personnelle de références, chaque dessin est réalisé avec le même trait gestuel singulier qui dote ces œuvres d’une qualité esthétique à la fois naïve et méticuleuse. Combinant de nouvelles œuvres à des dessins réalisés au cours des six dernières années, il s’agit de l’exposition la plus importante de cette série à ce jour.

The exhibition brings together three bodies of work, the Poster Drawing series, the National Gallery Catalogues series and the Mirrors series, exploring the place of drawing within Sullivan’s practice. Central to the show is Sullivan’s Poster Drawing series. Ongoing since 2005, the Poster Drawings are uniformly formatted works on paper. Akin to promotional posters found in public transport or on bedroom walls, the works use the changing rhythm of advertising as a structure for an exploration of high and low cultural vernaculars. The works vary between monochromatic geometric abstractions, repeating patterning that recalls late modernist art and graphic design, figurative allusions, and drawn and folded book signatures. Conflating an eclectic and highly personal range of references, each drawing is executed with the same idiosyncratic gestural mark making that imbues these works with a naïve, yet meticulous aesthetic. Including new work alongside drawings from the past 6 years, this will be the largest presentation to date of this series.

 

DOMINIQUE PÉTRIN
« I JUST WISHED MARTHA STEWART WAS HERE TO TELL ME TO CHILL DOWN,
LIKE REAL DOWN »

Inspirée de l’espace du living room et générée par un algorithme tiré des médias sociaux, cette installation immersive est composée de collages ornementaux et de motifs accumulés et saturés qui proposent une série d’angoisses universelles, tout en restant anonymes et génériques. Cette installation fait introduction à son exposition individuelle qui sera présentée à la galerie en septembre 2017. La pratique en sérigraphie de Dominique Pétrin s’est développée en installation avec l’utilisation de papier sérigraphié à la main, découpé et collé à la surface des murs et du plancher, créant un espace immersif. Elle s’intéresse aux moyens d’altérer la perception et la conscience visuelle et spatiale en déjouant les processus cognitifs de la vision. Ces installations monumentales, souvent éphémères et conçues spécifiquement pour leur environnement, sont librement inspirées des fresques de Pompéi, de l’histoire de l’ornementation et de la culture Internet.

Inspired by the concept of the living room and generated through an algorithm drawn from social media, this immersive installation is composed of ornamental collages and saturated patterns which address universal anguishes while remaining anonymous and generic. This installation will lead up to her upcoming solo exhibition at the gallery in September 2017. Dominique Pétrin’s practice incorporates silkscreen on paper that have been cut and glued to the wall and floor, underlining the physical labour involved in creating an immersive environment. Most of her work is ephemeral and specifically conceived for its environment, enhancing the visual impact of the screen printed colours. These large-scale installations are freely inspired by Pompeii’s frescos, the history of ornamentation and cyberculture.

MICHÈLE LAPOINTE @ plateau-mont-royal

« METTRE LA TÊTE OÙ L’ON PENSE »
31 mars au 7 mai | March 31 to May 7
vernissage 1 avril 14h00 | April 1 ~ 2:00PM
accesculture.com/PlateauMontRoyal

L’installation Mettre la tête où l’on pense plonge le spectateur dans une transposition libre et visuelle du roman de Marie Auger, Carapace. L’artiste montréalaise Michèle Lapointe, dans sa constante tentative à saisir le sentiment profond de détresse chez l’être humain et la dualité de sa légèreté et de sa lourdeur, nous propose des œuvres hybrides, sortes d’objets-textes qui se situent entre illusions optiques, jeux typographiques, et poésie plastique. Il en résulte des sortes de gels d’images construits sur un canevas de délires lucides offert par Marie Auger : jeux de mots, métamorphoses, solitude, désarroi, maladie.

SARAH KERNOHAN @ ave

« DISSIPATE »
jusqu'au 5 avril | until April 5
galerieave.ca

Les travaux de cette exposition sont basés sur les souvenirs de la nature, que j’approche avec un sens d’émerveillement, de révérence, d’admiration et de mystère. Mes dessins et collages évoquent certains paysages et procédés géologiques en explorant comment les matériaux  naturels prennent place avec le temps. Ils s’inspirent de mes observations sur les rochers, l’érosion ainsi que les grands et petits changements que les vagues créent en bordures des divers rivages. Exécutés au graphite, les dessins dans Dissipate témoignent du levé, de l’emprise du mouvement de va et vient des sédiments alors qu’ils sont soulevés par les vagues sans jamais êtres déposés de la même façon. J’enregistre ces petites actions et ces traces tout en prenant compte des marques de mouvements plus larges.

The works in this exhibition are based on memories of nature, which I approach with a sense of wonder, reverence, awe and mystery. My drawings and collages evoke certain landscapes and geological processes, exploring how materials settle into place over time. They draw inspiration from my observations of rocks, erosion, and the large- and small-scale changes that waves create along various shorelines. Executed in graphite, the drawings in Dissipate record the lift, drag and back-and-forth movement of sediment as it is carried by waves, never deposited in the same position twice. I record small actions and traces along with larger sweeping marks.