ratsdeville

CLAIRE MOEDER ~ à la lisière de la photographie

La Galerie B-312 accueille l'exposition collective Blue Skies & Cats autour des artistes Sylvia Doebelt, Jacinthe Lessard-L, Yusuke Nishimura et Frederick Vidal. L'exposition est portée par les affinités électives entre ces quatre photographes complices qui se plaisent à explorer les limites de l'image.

toutes les photos : Frederick Vidal

Les images abstraites sélectionnées pour Blue Skies & Cats n'ont jamais été conçues comme de pures formes isolées, mais sont nées de l'accident, de la superposition ou du détournement de matériels divers bien tangibles. Dans ces images réunies sous la bannière de la photographie analytique, le spectateur n'est pas guidé par un paysage ou une figure humaine. Il fait face à des zones lumineuses différentes, parfois fragiles et sensibles (Jacinthe Lessard-L, Sylvia Doebelt), parfois davantage imposées (Yusuke Nishimura, White Masking Tape) qui orchestrent la lumière du soleil (Doebelt) tout autant que celle d'une ampoule (Vidal). Le spectateur est convié à parcourir l'exposition comme un chassé-croisé entre ces images qui se répondent où il pourra saisir avec quelque effort le lien entre elles.

CLAIRE MOEDER ~ Patrick Bérubé : les valseuses

Inventaire aléatoire, encyclopédie retouchée, association libre de son et de forme, l'exposition Valse à 5 temps de Patrick Bérubé est une boîte de Pandore, dont les objets ont été minutieusement extraits puis placés par l'artiste à l'intérieur de la Galerie Art Mûr.

toutes les photos : Mike Patten, Art Mûr

L'exposition rassemble ces œuvres dans un dispositif serré, où l'espace restreint par les murs conditionne notre approche. Pourtant, Valse à cinq temps invite littéralement à traverser les murs de l'exposition. Conçue comme un huis-clos dont le préambule n'est autre qu'une salle d'attente, elle se découvre selon une série de portes, passage secret et accès dissimulés sous la console de cheminées.

L'artiste a organisé un parcours de cinq stations aux différentes ambiances colorées et sonores qui passent de l'éclairage rouge érotique à une surcharge de néon et de lumière bleue, du bruit parasite à la valse. Chaque espace modulent nos sens et donne le ton à une exposition à la fois unifiée et cloisonnée, vibrante et figée.

CLAIRE MOEDER in NYC ~ Valérie Blass : équilibrisme

Valérie Blass présentait cet automne à The Hole à New York une exposition organisée hors les murs par la galerie Parisian Laundry. L’exposition donne un éclairage nouveau sur cette artiste prolifique avec une efficacité simple.

Valérie Blass, La chose pour la partie, 2013, digital print on matte paper, edition of 5
photos : avec l'aimable permission de Parisian Laundry

L’exposition est placée a contrario de l’esprit du lieu : son espace blanc épuré contraste avec les salles attenantes où les artistes ont envahi murs et sol à grand renfort de couleurs vives et de motifs exubérants. Ce cadre clinique donne aux œuvres de Valérie Blass une connotation minimale qui, si elle peut surprendre à première vue, trouve aussi sa force à pointer la fragilité de sculptures aux formes effilées et à accentuer les détails de quatre photographies.

vue d'installation

CLAIRE MOEDER in NYC ~ Sophie Calle : ce qu'il reste de l'intime

Sophie Calle expose sa vie, intime et fictive, depuis près de 30 ans. Son visage est connu, ses obsessions aussi. Meneuse d'un art de l'autobiographie compulsif, l'artiste a dédié ses derniers projets depuis 2010 au récit de la mort de sa mère.

Sophie Calle, detail from I Died in a Good Mood, 2013 (from the Artists series Aufobiographies), digital print with text parnel © 2013 Sophie Calle / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris. Courtesy of Sophie Calle and Paula Cooper Gallery, New York

*note de l'éditeur : les photos nous sont prêtées pour une période d'un an, elles seront retirées le 1 novembre 2014

Il y dans l'œuvre de Sophie Calle une finesse à rendre compte de l'intimité avec une impudeur souvent ambiguë, qui évolue entre le registre critique et émotionnel. L'exposition Absence est bien loin de rendre justice à cette posture paradoxale où l'artiste s'expose pour mieux retourner dans les replis de sa vie. Les trois projets dédiés à la mort de la mère de l'artiste – une forme de avant/pendant/après bien indélicat tant ils sont scandés sans finesse sur les murs- révèlent sans grande conviction ce qu'il reste de l'intime, dans une surexposition de l'« absence » à grand renfort de style.

 La lourdeur de l'accrochage y est pour beaucoup. La surimposition de plusieurs objets (stèles au sol, reliquaire) et de trois projets différents engorge l'espace qui peine à donner l'ampleur nécessaire aux œuvres. Chaque projet placés côte-à-côte selon un ordre chronologique inévitable, poursuit sa propre logique, exigeant du spectateur de changer de registre d'un mur à l'autre. La trame narrative, proche d'un livre du premier mur rompt avec la disposition éclatée en all-over du second pour terminer par un accrochage en ligne des plus classiques pour le troisième.

CLAIRE MOEDER in NYC ~ Chris Burden : deux poids, sans mesure

Chris Burden est connu pour ses performances qui l'ont imposé comme une figure extrême des années 1970, en exposant son corps à plusieurs gestes violents. Ses sculptures et installations plus tardives, composent une poésie toute autre. Avec elles, l'artiste devient l'architecte fou d'un monde à son échelle, jouant sans cesse sur son équilibre physique tout autant que politique.

images : Chris Burden, Extreme Measures, New Museum, New York, 2013. Courtesy New Museum, New York. Photo: Benoit Pailley

Pour l'exposition Extreme Measures, le New Museum a pris le parti de présenter les œuvres grands formats de l'artiste, créées entre les années 1980 et aujourd'hui. Elles cherchent à s'immiscer dans plusieurs espaces inattendus – le hall, la façade, le toit - pour ouvrir l'espace d'exposition à un parcours moins classique. Poursuivant l'esprit de cette institution qui utilise régulièrement l'architecture extérieure de l'édifice pour présenter des œuvres in situ (Ugo Rondinone, 2006), un bateau est hissé au premier niveau de la façade et sert d'étendard sur la rue. Malgré ces interventions inusitées, l'exposition reste fidèle à un parcours classique de vastes salles épurées. L'espace intérieur impose une visite ambiguë au visiteur qui se trouve à la fois conforté dans ses repères et bousculé par le découpage de l'exposition en cinq niveaux, où les espaces sont inhabituellement isolés les uns des autres.

mot de l'éditeur | word from the editor

Je suis très fier de vous annoncer que notre critique d'art préférée a été choisie pour la Résidence de recherche pour commissaires indépendants au International Studio and Curatorial Program de Brooklyn du CALQ ! Toutes nos félicitations et reviens-nous quand c'est fini ok ;)

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Claire Moeder installant une oeuvre d'Adrian Norvid (avec l'aide de l'éditeur) au kiosque de Joyce Yahouda à Art Toronto 2012

I'm so proud to announce that our favorite art critic was chosen for the CALQ's Research residency for independent curators at the International Studio and Curatorial Program (ISCP) in Brooklyn! Congratulations and do come back to Montreal after your residency ;)

CLAIRE MOEDER ~ déjouer le complot

Le projet Complot, initiative étudiante lancée il y a 10 ans, fête cette année un anniversaire teinté d'une saveur douce-amère : le thème retenu du « dégât », doublé du « constat de décès » volontaire de Complot annonçait un événement sur le fil du rasoir. L'exposition, la publication et la table-ronde ont généré en 2013 une importante réflexion, mais aussi une vision fragilisée car éclatée.

photos : Élise Provencher

Complot propose chaque année un jumelage entre 10 artistes visuels et 10 auteurs de la relève. Initiée dans le contexte universitaire de l'UQAM, cette formule visait à tisser des liens entre les étudiants en arts et en histoire de l'art, jugés trop ténus. Les projets se sont rapidement développés en une plateforme autonome où, chaque année, le groupe de travail constitué des artistes et auteurs fixe une nouvelle direction artistique à l'événement.

En 2013, le projet annuel naissant s'est aussi mué en un acte de décès. La perspective d'une fin nécessaire de Complot, dans son mandat et sa structuration actuels, s'est imposée aux participants puis a infiltré la direction artistique pour la submerger presque complètement. L'exposition et la publication en portent d'ailleurs bien plus que les stigmates. Le texte principal n'a pas choisi de mettre en avant la thématique originale du « dégât », pourtant nécessaire à introduire les œuvres exposées dans l'édifice Grover. Il a « débordé le cadre de la thématique de l’exposition pour investir celui du projet lui-même et questionner sa pertinence ainsi que sa forme, fixe depuis dix ans », pour finalement annoncer la mise à mort d'une formule « empiétant sur les idéaux de libertés implicites au projet ».

CLAIRE MOEDER sur Le Projet Peinture

La Galerie de l'UQAM ouvre son espace à une ambitieuse exposition de peinture canadienne. Le vaste projet est accueilli en deux temps dans les murs de la Galerie, poursuivit par une publication, une exposition virtuelle et une série de rencontres.

Vue du volet 1 de l'exposition Le Projet Peinture. Un instantané de la peinture actuelle au Canada présentée à la Galerie de l'UQAM. De gauche à droite : Wanda Koop, My mother lives on that Island (SEEWAY), 2012, acrylique sur toile ; Team Macho, différents éléments ; Louis-Philippe Côté, Clinique, huile sur toile de lin, Photo : L.-P. Côté © Galerie de l’UQAM

Envisagé comme « panorama » selon les mots de Louise Déry, commissaire générale et directrice de la Galerie, mais aussi comme « un instantané de la peinture actuelle canadienne », Le Projet Peinture entend « proposer une vision actualisée de la peinture canadienne telle qu’elle se pratique dans le moment présent ». Transversale, l'exposition s'offre le territoire canadienne en terrain de jeu. Sa dynamique n'est pas pour autant géographique. Elle ne sera pas non plus thématique. Les grandes sections qui articulent le catalogue - figures du réel ; univers de fiction ; peinture comme sujet ; pratiques hybrides - forment le creuset d'une réflexion menée sur deux ans par l'équipe de la Galerie de l'UQAM et un comité scientifique. Si elles sont présentes dans l'exposition, ces sections ne sont pas pour autant reportées telles quelles, mais recomposées et expérimentées à nouveau dans l'espace de la Galerie. Pour le premier volet présenté actuellement, l'accrochage pensé par la commissaire Julie Bélisle et Louise Déry donne une inflexion formaliste plutôt que thématique à l'exposition. Les œuvres se combinent et se répondent dans la force, présente et immédiate, de leurs formes, couleurs et matériaux.

CLAIRE MOEDER ~ artiste-commissaire

Le commissaire d'exposition est un personnage un peu hybride, un peu flou qui a su pourtant faire reconnaître son statut public au sein du milieu des arts. La mouvance actuelle veut que le commissaire s'affiche comme une figure identifiable qui, tout comme l'artiste, aura son nom placé à l'entrée de l'exposition. Cette autorité nouvelle a fait basculer les rôles de pouvoir au sein de la sphère artistique où l'artiste se trouvait auparavant face aux conservateurs, galeristes ou directeurs d'institutions. Elle s'est aussi vue accompagnée de toutes sortes de critiques, de revendications et de tentatives de définitions qui, aujourd'hui encore, sont au cœur de débats, notamment sur le vedettariat des commissaires.

photos : sauf indication, Circa

Le rôle naissant du commissaire en attente de définition et ses limites poreuses ont rapidement ouvert une brèche dans lequel l'artiste s'est engouffré, revendiquant à son tour cette posture « d'auteur d'exposition ». Si cette incursion de l'artiste dans le champ du commissariat a pu paraître subversive ou critique, comme Daniel Buren l'affirmait en 1972 dans le catalogue de la Documenta 5, elle a pris depuis une forme plus convenue et, partant, plus sage.

photo : Manuel Mathieu

De nombreuses institutions ouvrent à des artistes leur collection ou leur programmation d’expositions temporaires. Invités à intervenir sur l’accrochage de la collection permanente, la scénographie d’une salle ou à concevoir les événements corollaires à la programmation, les artistes intègrent l’espace muséal de manière inédite. Montréal n'échappe pas à la règle : la Galerie SAS a proposé en 2012 et 2013 une série de carte blanche à ses artistes, invités chacun à concevoir une exposition - voir claire-moeder-sur-possession et claire-moeder-sur-fabuleux-cercles-vicieux.

CLAIRE MOEDER ~ rejouer l'exposition

Montréal recèle ce printemps d'expositions atypiques qui nous invitent à passer le seuil des musées et galeries autrement. Elles détournent nos habitudes de visite pour nous rappeler que l'art peut être une expérience déstabilisante qui joue avec ses propres règles, non sans un certain plaisir critique.

Photos (sauf indication) : In Union, Milutin Gubash, 2013 © Guy L'Heureux

Dans les murs du Musée d'art contemporain, l'artiste français Laurent Grasso abandonne le visiteur dans le noir. Son labyrinthe nous immerge dans un parcours à l'aveugle, à travers de long et obscurs couloirs, des salles vidéos et des espaces infranchissables où les œuvres ne sont visibles qu'à travers des petites percées dans les murs. Ce dispositif d'ouvertures murales est d'ailleurs, à lui seul, un retournement savant de la présentation des œuvres. L'exposition mobilise de vastes moyens architecturaux, mais c'est dans ces détails que le parcours devient singulier. Davantage cachées qu'exposées, les œuvres suscitent un plaisir voyeur chez le spectateur, exacerbé par cette impossibilité de les saisir complètement.

© Laurent Grasso ADAGP 2013, Présentée au Jeu de Paume, Paris. Photo : Romain Darnaud

Laurent Grasso conditionne le spectateur pour créer des réactions inédites face aux œuvres d'art. Celui-ci expérimentera le voyeurisme de ces semi-cachettes mais aussi le doute sur ce qu'il voit car l'artiste construit une « fausse mémoire historique » à partir de documents anciens originaux associés sans distinction avec des copies et des œuvres contemporaines. À la fois perte de repère physique et perte de certitude, l'expérience de ce labyrinthe travaille à rebours l'autorité du musée, en semant le doute sur le statut d'œuvres d'art des objets qu'il présente.