ratsdeville

JONATHAN MONK @ vox

« EXHIBIT MODEL THREE »
jusqu'au 20 jan | until Jan 20
centrevox.ca

Jonathan Monk, Exhibit Model Three (détail), 2017

La pratique de l’artiste britannique Jonathan Monk se démarque par son conceptualisme et son humour, faisant référence tant à des œuvres canoniques de l’histoire de l’art, à des gestes ou à des énoncés d’artistes célèbres qu’à des histoires personnelles. Souvent présentés sous la forme d’installations, ses livres, ses sculptures, ses peintures, ses photographies offrent une vision désacralisée de l’art, de l’artiste et de son processus créatif. Or, ne vous attendez pas à voir ces œuvres à VOX car, à l’occasion de cette exposition à caractère rétrospectif, Jonathan Monk a choisi de laisser la galerie vide de tout objet matériel. L’artiste réalise plutôt une exposition documentaire : les salles sont ainsi recouvertes d’images monumentales recelant des vues d’expositions diverses, présentées à des années d’intervalle dans des contextes à chaque fois différents. 

The work of British artist Jonathan Monk stands out for its Conceptualist and humorous approach, referencing everything from canonical works of art history to actions and statements by famous artists to personal stories. His books, sculptures, paintings and photographs, often presented as installations, offer a desanctified vision of art, the artist and the creative process. You should not expect to see any of these works at VOX, however: for this retrospective exhibition, Monk has chosen to leave the gallery empty of material objects. Rather, the artist has mounted a documentary exhibition: the rooms are covered in monumental images presenting diverse exhibition views that span several years, in contexts that differ each time. 

VARIATION ET AUTONOMIE @ atelier circulaire

1 au 21 déc | Dec 1 to 21
ateliercirculaire.org

Masanari Murai, Sun and Bird, 1973, 89 x 68 x 3 cm

MASANARI MURAI - TOSHINOBU ONOSATO - YASUKAZU TABUCHI - YAYOI KUSAMA - NATSUYUKI NAKANISHI - HITOSHI NAKAZATO - TOMOHARU MURAKAMI - NAOYOSHI HIKOSAKA - KOSAI HORI - TOEKO TATSUNO

L'exposition Variation et autonomie : Estampes de peintres japonais contemporains, organisée en collaboration avec la Japan Foundation et le Consulat Général du Japon à Montréal, met en lumière un nouveau champ artistique ayant vu le jour dans les années 70, celui des estampes réalisées par des peintres japonais contemporains. Remarquables à la fois en tant que variation en peinture qu’en tant que forme autonome, ces œuvres ont aidé à établir l’estampe japonaise contemporaine en lui insufflant une envergure nouvelle. Cette exposition composée des œuvres de 10 artistes peintres de renom est destinée à encourager les visiteurs à revisiter l'histoire de l’estampe japonaise contemporaine. Aujourd’hui, 70 ans après la Seconde Guerre mondiale, à un moment où l’art imprimé se renouvelle pour affirmer sa pertinence au sein de l’art contemporain, il est nécessaire d’en remettre en question l’histoire à partir d’une variété de regards critiques. 

The exhibition Variation and Autonomy: The Prints of Contemporary Japanese Painters, organized in collaboration with the Japan Foundation and the Consulate General of Japan in Montreal, is designed to shed light on a new artistic field that developed in the 70’s through prints made by contemporary Japanese painters. Notable as both a variation on painting and an autonomous form, these works helped establish the genre of contemporary Japanese prints while imbuing it with a new breadth. The exhibition, composed of artworks by 10 renowned painters, is intended to encourage viewers to reconsider the existing history of contemporary Japanese prints. Today, 70 years after World War II, at a time when printed art is renewing itself to assert its relevance in contemporary art, there is a need to reconsider history from a variety of critical perspectives. 

LA VOIX DES IMAGES @ la centrale

jusqu'au 1 déc | until Dec 1
Commisaires : Virginie Jourdain et Hugo Santerre
lacentrale.org

©Diane Obomsawin, Faux public, 2017

ELOISA AQUINO - CARO CARON - MIRA FALARDEAU - COCO GUZMAN - LISA MANDEL - DIANE OBOMSAWIN - SYLVIE RANCOURT - CHRISTINE REDFERN -
LIV STRÖMQUIST

Collective et pluridisciplinaire, sollicitant les œuvres et les voix d’artistes locales et internationales, cette exposition tisse et croise différentes pratiques affiliées à la bande dessinée actuelle. Les artistes convié.e.s par ce projet participent à la scène contemporaine et leur travail est diffusé par des maisons d’édition, présenté dans des expositions, publié dans la presse écrite ou sur le web, ainsi qu’exposé autant au sein d’institutions culturelles que dans des événements et lieux auto-gérés. La voix des images, en s’inscrivant dans l’espace d’une galerie, souhaite faire résonner une pluralité de stratégies narratives féministes et de processus créatifs graphiques souvent dévalorisés par le milieu de l’art actuel, alors que ces pratiques ont pourtant largement influencé et impulsé le déploiement de représentations dissidentes et de récits alternatifs, symboliques, politiques et culturels. En d’autres termes, constatant le manque de reconnaissance pour la bande dessinée, l’art graphique ou le zine, l’exposition tient donc à rendre hommage à ces démarches qui ont contribué à bouleverser le champ des arts visuels et notre rapport aux représentations et aux narrations biographiques, fictionnelles ou documentaires. 

Featuring local and international artist works and voices, this multidisciplinary collective exhibition cross-hatches different practices affiliated with contemporary comic book art. The invited artists for this project are active participants in the contemporary art scene and their work is distributed by publishing houses, shown in exhibitions, published in print and online, and featured as much in cultural institutions as in artist-run venues and events. By occupying gallery space, The Voice of Images wishes to bring forward a plurality of feminist narrative strategies and creative processes in graphic art. Often devalued by the contemporary art milieu despite their wide sphere of influence, such practices fuel representations of dissent as well as alternative symbolic, political and cultural narratives. This exhibition takes stock of the lack of recognition in the field of visual art for comic books, graphic art and zines. It aims to pay tribute to the efforts that not only disrupted the art establishment but also changed our relationships with biographical, fictional or documentary narrative representations. 

IANICK RAYMOND @ b-312

« DE L’UN À L’AUTRE »
jusqu'au 16 déc | until Dec 16
galerieb312.ca

Se déployant dans les deux salles de la galerie, De l’un à l’autre rend compte des réflexions de l’artiste sur son médium, la peinture. Comment regardons-nous un tableau ? Que regardons-nous et de quelle façon ? Comment la mise en espace des tableaux joue-t-elle sur notre perception ? Comment, physiquement, en fait-on l’expérience ? Voici quelques questions qui auront habité Ianick Raymond tout au long de ses recherches universitaires, le menant à prendre d’assaut et à faire cohabiter, dans un même espace peint, deux approches de la peinture semblant s’opposer. Il explore à la fois le plan matériel de la peinture – travail de la surface, primauté de la matière, avec ses contingences et ses accidents – et le plan illusoire – travail minutieux et réfléchi jouant des phénomènes de la perception. C’est par l’exploration de cet entre-deux, dans le faire, qu’émergera les diverses tactiques que l’artiste met en place pour faire voir autrement. Il porte une attention presque aussi grande au lieu de présentation et aux conditions d’accrochage des œuvres qu’aux tableaux eux-mêmes, s’efforçant de faire disparaître les limites de l’espace pictural et de l’espace d’exposition en imitant la texture granuleuse du mur sur la surface de ses peintures.

PIERRE DORION + LUDOVIC CLÉROUX @ occurrence

« CARTE BLANCHE »
jusqu'au 16 déc | until Dec 16
occurrence.ca

 

PIERRE DORION

Photo : Richard Max Tremblay

Mes tableaux sont caractérisés, entre autres, par l’expérience d’un espace liminal où peinture, photographie et architecture se rencontrent. Souvent d’apparence minimaliste et formellement dépouillées, ces œuvres s’inspirent fréquemment d’espaces d’exposition que j’ai visités ou investis de mon travail. Suite à l’invitation d’Occurrence à y réaliser une exposition, je me suis laissé guider par l’espace de la galerie dans la réalisation et la présentation des œuvres. Une caractéristique de cet espace m’a particulièrement interpellé ; celle de la vitrine.
– Pierre Dorion

 

LUDOVIC CLÉROUX

Je m’intéresse aux phénomènes de l’observation et du temps. En réalisant des tableaux strictement par observation directe, je porte mon attention sur la réalité de mes sens, que j’essaie de distiller et d’isoler sur la toile. J’enregistre mes perceptions des effets de la lumière et du temps, dans lesquels mes sujets baignent, captant ces subtiles fluctuations et les tissant à même la surface du tableau. Mes œuvres se présentent comme des espaces de contemplation visuelle où règnent le silence, la curiosité et la sensualité oculaire. Les compositions que je recherche sont souvent caractérisées par leur aspect métaphysique, ambigu ou existentiel, qualités que je trouve inhérentes à l’expérience du réel.
– Ludovic Cléroux

NATACHA CLITANDRE @ agence topo

« SPECTROGRAPHIES DU TERRITOIRE »
23 nov au 23 déc | Nov 23 to Dec 23
vernissage 23 nov 17h00 | Nov 23 ~ 5:00PM
agencetopo.qc.ca

L’exposition est le fruit de nombreuses balades exploratoires réalisées à l’automne 2017 avec des résidents vivant ou côtoyant les abords du futur Campus MIL de l’Université de Montréal. Une déclinaison du projet a aussi été nourrie lors du festival Art in Odd Places présenté du 13 au 15 octobre 2017 à New York. Plutôt que de représenter Montréal par ses constructions d'envergure qui en font trop souvent une synthèse réductrice, l’artiste propose d’explorer de l’intérieur un secteur en pleine mutation, marqué en son centre par le chantier du Campus MIL. Lors de balades exploratoires, Natacha Clitandre et son équipe conviaient les résidents et travailleurs d’Outremont, Petite-Patrie, Parc-Extension et Ville Mont-Royal à aborder leur environnement en s'attardant aux détails urbanistiques que l’on y trouve et qui symbolisent leur relation au territoire. Croisant histoires locales et récits personnels, cet exercice permettra, au final, de capter l’esprit actuel des lieux.

CAROLINE MAUXION + TEJA GAVANKAR @ optica

11 nov au 16 déc | Nov 11 to Dec 16
vernissage 11 nov 15h00 | Nov 11 ~ 3:00PM
optica.ca

 

CAROLINE MAUXION
« UNE ENVELOPPE SANS CONTOURS »

Caroline Mauxion, Une enveloppe sans contours, 2017, impression sur verre trempé, 76, 2 x 152, 4 cm, 76,2 x 152,4 cm

Le corpus présenté ici s'inspire des conditions originelles de la photographie. Par le procédé photographique, qui imprime toute intensité de lumière sur une surface photosensible, des matériaux distincts deviennent proches parents. La plaque de verre fêlée et la flaque d’eau sont des géographies imaginées, des retours constants à l’écriture de Virginia Woolf. La description des espaces entre le tangible et l’intangible dans ses nouvelles et ses romans a guidé le processus créatif de l’artiste. Les œuvres présentées deviennent une réinterprétation d'images récurrentes dans l’écriture woolfienne, s’attardant à rendre visible derrière la « ouate de la vie quotidienne ».

The work presented here is inspired by the originating conditions of photography. Through photographic procedures, which imprint intensities of light onto photosensitive surfaces, distinct materials become closely related. The sheet of cracked glass and the water puddle are imagined geographies, constant returns to writings of Virginia Woolf. The description of spaces between the tangible and the intangible in Woolf’s novels and short stories serve as a guide in the artist’s creative process. The presented works become reinterpretations of recurring motifs in Woolfian imagery, endeavouring to make visible that which is hidden in the “cotton wool of daily life.”

 

TEJA GAVANKAR
« OTHER'S SPACES »

Teja Gavankar, other’s spaces 002, 2016, dessin, 21,59 x 27,94 cm

S’immiscer dans le quotidien et transformer l’espace dans ses traits les plus banals compose le terrain d’action et d’investigation de l’artiste indienne Teja Gavankar. Par la pratique du dessin et de l’intervention in situ, elle négocie les modes d’apparition du territoire afin d’en extraire l’identité et d’en extirper les spécificités. Puisant à même les éléments du paysage construit, devenus communs en raison de leur expérience répétée, elle y fait émerger de nouvelles configurations. Alors que l’artiste a principalement développé des projets in situ dans l’espace urbain, celui présenté au centre OPTICA incarne une première intervention en galerie.

Indian artist Teja Gavankar’s field of investigation and action is the everyday and the transformation of space in its most mundane attributes. Her drawings and in situ interventions negotiate the territory’s modes of appearance, distilling its identity and extracting its specificities. She draws from constructed surroundings, made familiar through repeated experience, and teases out new configurations. While the artist has mainly produced site-specific projects in urban spaces, the work presented at OPTICA represents a first gallery production.

COLLECTIF BLANC @ arprim

« ÉDITION | FORME | EXPÉRIMENTATION »
10 nov au 20 jan | Nov 10 to Jan 20
vernissage 10 nov 17h30 | Nov 10 ~ 5:30PM
arprim.org

Ines Cox

Dans cette version repensée de l’exposition Édition / Forme / Expérimentation, la designer graphique Marie-Ève Tourigny et l’éditrice Catherine Métayer, qui ensembles forment le duo Collectif Blanc, proposent une vision curatoriale singulière, à la fois éclatée et érudite, mettant en lumière une cinquantaine d’artistes locaux et internationaux œuvrant dans la publication imprimée. Des fanzines aux livres rares, de la publication à compte d’auteur aux réalisations des plus grands studios de design, les œuvres constituent un corpus exemplaire quant à la notion d’expérimentation, vis-à-vis d’un format qui semble souvent se présenter avec des paramètres définis et prédéterminés. Ici, les commissaires attirent notre regard sur les qualités formelles et conceptuelles du livre, celles qui bousculent les limites entre l’objet utilitaire, véhicule d’information, et l’objet artistique, fruit de la collaboration entre artistes, auteurs, designer graphiques, éditeurs et autres intervenants.

In this revisited version of their exhibition Édition / Forme / Expérimentation, the duo Collectif Blanc composed of graphic designer Marie-Ève Tourigny and publisher Catherine Métayer proposes a singular curatorial vision, both off-the-wall and erudite, that highlights the printed publications of fifty local and international artists. From fanzines to rare books, self-published pieces to major design studio publications, this exhibition brings together an exemplary body of works that charts the experimental potential of a format that is often seen as bound by a set of well-defined and predetermined parameters. In it, curators draw our attention to the formal and conceptual qualities of books—those that disrupt the boundaries between everyday object, information medium and work of art—as the results of collaborations between artists, authors, graphic designers, publishers and other actors in the field. 

ALANIS OBOMSAWIN @ skol

« CHANT DE VICTOIRE »
jusqu'au 18 nov | until Nov 18
skol.ca

Ruse ou traité ?, image tirée de la bande annonce

Nda kd’achwi 8bankawba wji pidigaw8gan, t8wdata mziwik pm8wzowinnoak.

Ruse ou traité? (2014, 84 min. anglais- français, sous-titre en français)

Projections en galerie
mardi au samedi – 12h, 14h, 16h
jeudi – 12h, 14h, 16h, 18h

Dans le cadre de Aabiziingwashi (Bien éveillés): Le cinéma autochtone en tournée de l’ONF, Skol présente en galerie, le documentaire Ruse ou traité? Dans la foulée du mouvement Idle No More, ce long métrage documentaire de la réputée cinéaste Alanis Obomsawin suit le parcours de chefs autochtones en quête de justice, cherchant à établir un dialogue avec le gouvernement canadien. En retraçant l’histoire de leurs ancêtres depuis la signature du Traité no 9, ils veulent sensibiliser la population aux enjeux qui les préoccupent : la protection de leurs terres et de leurs ressources naturelles, ainsi que le droit de pratiquer la chasse et la pêche pour que leur société puisse prospérer. Ce film donne la parole à ceux et à celles qui refusent d’abdiquer.

As part of Aabiziingwashi (WideAwake): NFB Indigenous Cinema on Tour, Skol presents the documentary Ruse ou traité? (Trick or Treaty?). This feature documentary by acclaimed filmmaker Alanis Obomsawin profiles Indigenous leaders in their quest for justice as they seek to establish dialogue with the Canadian government. By tracing the history of their ancestors since the signing of Treaty No. 9, these leaders aim to raise awareness about issues vital to First Nations in Canada: respect for and protection of their lands and their natural resources, and the right to hunt and fish so that their societies can prosper. In recent years, an awareness-raising movement has been surfacing in First Nations communities. In this powerful documentary, those who refuse to surrender are given a chance to speak out.

GUY BOUTIN + RAÚL AGUILAR CANELA @ clark

jusqu'au 9 déc | until Dec 9
centreclark.com

 

GUY BOUTIN
« PEINTURE ULTRA MERDE »

Associé au monde effervescent et bigarré des années 1980, Guy Boutin est issu de la culture underground gravitant autour d’une faune montréalaise qui s’abreuvait tant à la source de la poésie, de la bande dessinée que de la peinture en direct. Il a depuis poursuivi un parcours atypique au sein de lieux et soirées cultes montréalais1 toujours dans l’urgence de faire et de produire du sens en laissant des traces marquantes de gestes indomptables et d’émotions exacerbées de l’instant présent. Au début de son parcours, c’est à l’intérieur de ce fief urbain d’abord en tant qu'artiste autodidacte acharné que Guy Boutin s’adonne aux graffitis et à la bd pour en venir à un langage pictural plus près du tag brut que du dessin, amalgamé à des formes et des traits colorés rythmés que l’on retrouve toujours aujourd’hui dans ses tableaux.

Guy Boutin has long been associated with the effervescent, multi-coloured universe of the 1980s. Emerging from the Montreal underground scene that gravitated around poetry, comic books and live painting, his atypical path led him through Montreal's cult venues and events,1 where his urgent need to create meaning was expressed through the indomitable spirit of his gestures and the intensity of the present moment. It is within this urban setting that, early on in his career as a restless, self-taught artist, Guy Boutin discovered graffiti and comic books and began developing a pictorial language that was more akin to tagging than to drawing, with the rhythmic coloured lines and forms that are still present in his work today.

 

RAÚL AGUILAR CANELA
« I’LL TEACH MY KIDS HOW TO BE AESTHETICALLY CORRECT »

Que peint un peintre, arrivé à la fin du monde? Cette question semble animer la pratique de Raúl Aguilar, qui crée des tableaux délicieusement colorés et kaléidoscopiques, mais empreints d’appréhension. Face à ce défi, l’artiste offre des directives précises : « Élevez-vous au-delà du présent et observez d’en haut, comme une mouche à 6000 yeux. Faites dissoudre votre égo pour atteindre un état de conscience puisé aux archives de l’humanité. Effacez votre anxiété personnelle. Bref, soyez zen ». Donc, ce qu’il faut c’est de l’ouverture, du détachement et de la discipline. Devenir un yogi, un voyant.

What does a painter paint at the end of the world? This seems to be a central question for Raúl Aguilar, who makes paintings that are deliciously coloured and kaleidoscopic, but full of foreboding. In the face of this challenge, the artist offers explicit instructions. “Elevate away from the present and see from above, as a fly, with 6000 eyes. Dissolve the ego into an archival consciousness and fade away personal anxiety. Just be Zen.” So, what is required is openness, detachment and discipline. You have to become a yogi, a seer.