ratsdeville

MERYL MCMASTER @ pfoac

« FILS DE SOI »
18 nov au 23 déc | Nov 18 to Dec 23
vernissage 18 nov 15h00 | Nov 18 ~ 3:00PM
pfoac.com

Consanguinity, 2010, épreuve chromogène, 61 x 61 cm, édition de 5

Meryl McMaster est une artiste d'Ottawa dont le travail photographique explore les tensions qui compliquent notre compréhension de la notion d'identité personnelle. Tout particulièrement, ses corpus d'œuvres récents ont exploré la liminalité du fait de se trouver entre ses cultures autochtone (Crie des Plaines) et européenne (Britannique/Néerlandaise), et le conflit logé à la jonction de l'héritage et de l'exploration de soi. Son approche distincte du portrait et de l’autoportrait photographique incorpore la spontanéité de la photographie, la production manuelle d’objets ou de vêtements sculpturaux qu’elle crée dans son atelier, et la performance. Ces différentes techniques forment une sorte de mosaïque de découverte de soi dans son travail, tandis qu’elle explore la manière dont nous construisons notre sentiment d’identité au moyen de lignées, d’histoire et de culture.

Meryl McMaster is an Ottawa based artist whose photographic work explores the tensions complicating our understanding of personal identity. Specifically, her recent bodies of work have explored the liminality of being betwixt her Indigenous (Plains Cree) and European (British/Dutch) cultures and the conflict found at the intersection of self-exploration and heritage. Her distinct approach to photographic portraiture and self-portraiture incorporates the spontaneity of photography, the manual production of objects or sculptural garments that she creates in her studio and performance. In her works, these media form a mosaic that illustrates a journey of self-discovery as she explores how we construct our sense of self through lineage, history and culture.

SARA ANGELUCCI @ patrick mikhail

« ARBORETUM »
18 nov au 6 jan | Nov 18 to Jan 6
vernissage 18 nov 14h00 | Nov 18 ~ 2:00PM
patrickmikhailgallery.com

Sara Angelucci, Arboretum (Boy/Winter Hawthorne), 2016, Inkjet Print, 34 x 24 in.

Dans son dernier travail, Angelucci continue son exploration de la photographie vernaculaire en se concentrant sur la peinture de paysage du XIXe siècle et la relation entre la figure et le sol. Les œuvres dans Arboretum présentent des cartes de cabinet du XIXe siècle dont les paysages peints et les décors forestiers ont été transformés pour permettre aux arbres de prendre le dessus sur les figures humaines. Ce faisant, la forêt revendique une position au premier plan de l'image et comme sujet principal; la figure devient le sol. En outre, Angelucci a découvert que les recherches scientifiques récentes révèlent que les forêts contiennent leurs propres réseaux sociaux et familiaux qui peuvent «soigner des voisins malades et s'informer du danger en envoyant des signaux électriques à travers un réseau fongique». Arboretum donne une présence visuelle à la notion de l'arbre comme un être complexe, étendant le concept de l'album de famille au-delà du cadre de la tradition picturale photographique. Ces images suggèrent une considération plus profonde non seulement de la relation figure-sol dans la photographie, mais aussi de notre position par rapport à la nature. 

In her latest work, Angelucci continues her exploration into vernacular photography by focusing on nineteenth-century landscape painting and the relationship between figure and ground. The works in Arboretum feature found nineteenth-century cabinet cards whose painted landscapes and forest backdrops have been transformed to allow the trees to over-take the human figures. In so doing, the forest claims a position in the foreground of the picture, and as the main subject; the figure becomes the ground. In addition, Angelucci discovered that recent scientific research is revealing that forests contain their own social and family networks that can “nurse sick neighbours, and warn each other of danger by sending electrical signals through a fungal network.” Arboretum gives visual presence to the notion of the tree as a complex being, extending the concept of the family album beyond the frame of photographic pictorial tradition. These pictures suggest a deeper consideration of not only the figure-ground relationship in photography, but also our position in relationship to nature. 

NATACHA CLITANDRE @ agence topo

« SPECTROGRAPHIES DU TERRITOIRE »
23 nov au 23 déc | Nov 23 to Dec 23
vernissage 23 nov 17h00 | Nov 23 ~ 5:00PM
agencetopo.qc.ca

L’exposition est le fruit de nombreuses balades exploratoires réalisées à l’automne 2017 avec des résidents vivant ou côtoyant les abords du futur Campus MIL de l’Université de Montréal. Une déclinaison du projet a aussi été nourrie lors du festival Art in Odd Places présenté du 13 au 15 octobre 2017 à New York. Plutôt que de représenter Montréal par ses constructions d'envergure qui en font trop souvent une synthèse réductrice, l’artiste propose d’explorer de l’intérieur un secteur en pleine mutation, marqué en son centre par le chantier du Campus MIL. Lors de balades exploratoires, Natacha Clitandre et son équipe conviaient les résidents et travailleurs d’Outremont, Petite-Patrie, Parc-Extension et Ville Mont-Royal à aborder leur environnement en s'attardant aux détails urbanistiques que l’on y trouve et qui symbolisent leur relation au territoire. Croisant histoires locales et récits personnels, cet exercice permettra, au final, de capter l’esprit actuel des lieux.

YOANIS MENGE & GUY LAVIGUEUR @ la castiglione

« LE GRAND NORD »
15 nov au 16 déc | Nov 15 to Dec 16
vernissage 16 nov 17h00 | Nov 16 ~ 5:00PM
lacastiglione.ca

 

YOANIS MENGE
« AQIARUK »

©Yoanis Menge, Projet Aqiaruk, 2016, 1/4, 24 x 36 pouces

De 2012 à 2016 Yoanis Menge a photographié la chasse aux phoques aux Îles-de-la Madeleine, à Terre-Neuve et au Nunavut. Afin d'accompagner les chasseurs et mener à bien ce projet (HAKAPIK), il devient lui-même chasseur. Les campagnes menées à l’encontre de la chasse et les interdictions d’importation de produits du phoque par le Conseil de l’Europe suscitèrent dans le monde une frilosité que les exemptions législatives, sensées profiter aux Inuits, n’arrivèrent pas à endiguer. Ce rejet des produits de la chasse entraîna en particulier une baisse des prix des peaux et de la viande de phoque. L’artiste, touché par cette réalité, s’est intéressé aux conséquences sociales et économiques de ces évènements sur lesquels les chasseurs n’eurent aucune prise, leur avis n’étant pas pris en compte.

 

GUY LAVIGUEUR
« UNPROTECTED »

©Guy Lavigueur, Projet Unprotected, Cryosol No37, 2015/17, 1/10, 15 x 15 pouces

C’est à l’été 2015, lors d’une résidence d’artiste avec le Programme d’art des Forces canadiennes que Guy Lavigueur est parti capturer les immensités des territoires canadiens au nord du cercle article, à la lisière de la taïga et de la toundra. Un projet qui s’inscrit dans la filiation du passé de son père, où ce dernier, en tant qu’aviateur, fut appelé à transporter par avion des milliers de tonnes de matériaux pour la construction de la DEW LINE, une ligne de protection radar qui s’étend de l’Alaska au Groenland, pendant les années de la guerre froide. L’artiste nous montre ainsi la magnitude d’un territoire fragile autant que convoité.

CAROLINE MAUXION + TEJA GAVANKAR @ optica

11 nov au 16 déc | Nov 11 to Dec 16
vernissage 11 nov 15h00 | Nov 11 ~ 3:00PM
optica.ca

 

CAROLINE MAUXION
« UNE ENVELOPPE SANS CONTOURS »

Caroline Mauxion, Une enveloppe sans contours, 2017, impression sur verre trempé, 76, 2 x 152, 4 cm, 76,2 x 152,4 cm

Le corpus présenté ici s'inspire des conditions originelles de la photographie. Par le procédé photographique, qui imprime toute intensité de lumière sur une surface photosensible, des matériaux distincts deviennent proches parents. La plaque de verre fêlée et la flaque d’eau sont des géographies imaginées, des retours constants à l’écriture de Virginia Woolf. La description des espaces entre le tangible et l’intangible dans ses nouvelles et ses romans a guidé le processus créatif de l’artiste. Les œuvres présentées deviennent une réinterprétation d'images récurrentes dans l’écriture woolfienne, s’attardant à rendre visible derrière la « ouate de la vie quotidienne ».

The work presented here is inspired by the originating conditions of photography. Through photographic procedures, which imprint intensities of light onto photosensitive surfaces, distinct materials become closely related. The sheet of cracked glass and the water puddle are imagined geographies, constant returns to writings of Virginia Woolf. The description of spaces between the tangible and the intangible in Woolf’s novels and short stories serve as a guide in the artist’s creative process. The presented works become reinterpretations of recurring motifs in Woolfian imagery, endeavouring to make visible that which is hidden in the “cotton wool of daily life.”

 

TEJA GAVANKAR
« OTHER'S SPACES »

Teja Gavankar, other’s spaces 002, 2016, dessin, 21,59 x 27,94 cm

S’immiscer dans le quotidien et transformer l’espace dans ses traits les plus banals compose le terrain d’action et d’investigation de l’artiste indienne Teja Gavankar. Par la pratique du dessin et de l’intervention in situ, elle négocie les modes d’apparition du territoire afin d’en extraire l’identité et d’en extirper les spécificités. Puisant à même les éléments du paysage construit, devenus communs en raison de leur expérience répétée, elle y fait émerger de nouvelles configurations. Alors que l’artiste a principalement développé des projets in situ dans l’espace urbain, celui présenté au centre OPTICA incarne une première intervention en galerie.

Indian artist Teja Gavankar’s field of investigation and action is the everyday and the transformation of space in its most mundane attributes. Her drawings and in situ interventions negotiate the territory’s modes of appearance, distilling its identity and extracting its specificities. She draws from constructed surroundings, made familiar through repeated experience, and teases out new configurations. While the artist has mainly produced site-specific projects in urban spaces, the work presented at OPTICA represents a first gallery production.

RÊVERIE @ projet pangée

16 nov au 22 déc | Nov 16 to Dec 22
vernissage 16 nov 17h30 | Nov 16 ~ 5:30PM
projetpangee.com

 

MICHELLE BUI

Michelle Bui, Exercice Soft 3, 2017, numeric prints and sculpture

Michelle Bui accumule de manière impulsive objets, matériaux, couleurs, textiles, photographies, et végétaux. Sélectionnées pour leur disponibilité et leurs qualités tactiles, ces collections sont impeccablement rangées et sans cesse retriées dans son atelier. Elles agissent comme des fragments en attente d’un assemblage prometteur. Originaire de Montréal, Michelle Bui est diplômée en peinture et dessin de l’Université Concordia et poursuit actuellement une maîtrise en arts visuels et médiatiques à l’Université du Québec à Montréal. En 2017, elle a continué ses recherches sur la matérialité de la photographie à l’École nationale supérieure des beaux-arts de Paris et a représenté la relève en photographie aux Jeux de la Francophonie à Abidjan. Récipiendaire de la bourse François-Xavier Marange, Michelle Bui est l’artiste en résidence de l’Atelier Circulaire pour la prochaine année. Elle y développe un travail intitulé Pool of Plenty qui sera présenté à la Galerie de l’UQAM (janvier 2018) ainsi qu’au centre VU PHOTO à Québec (février 2018).

Michelle Bui impulsively accumulates objects, materials, colours, textiles, photographs and plants. Selected for their availability and tactile qualities, her collections are impeccably arranged and constantly retrieved and reorganized in her studio. They act as fragments, waiting to become the subjects of a promising assemblage. A native of Montreal, Michelle Bui received a BFA in Painting and Drawing from Concordia University and is currently a Master's candidate in Visual and Media Arts at the Université du Québec à Montréal. In 2017, pursuing her research on the materiality of photography at the Ecole Nationale Superieure des Beaux-Arts in Paris, she represented the emerging talents of photography at the Jeux de la Francophonie in Abidjan. Recipient of the François-Xavier Marange scholarship, Michelle Bui is the artist in residence of the Atelier Circulaire for the next year. She is creating a new body of work called Pool of Plenty, which will be presented at UQAM Gallery (January 2018) and at the VU PHOTO Centre in Quebec City (February 2018).

 

LAURA FINDLAY

Laura Findlay, Rose Hill, 2015, oil on canvas

Laura Findlay est née à Montréal et vit et travaille présentement à Toronto. Son travail en peinture et en installation examine notre façon de comprendre certains événements par l'intermédiaire d'informations fragmentées. Ses expositions récentes incluent Grounds au Brucebo Konstnärshemmet en Suède (2017), Moving While Looking at Things That Do Not Move à The Kamloops Art Gallery en Colombie-Britannique (2017), Messengers chez Zalucky Contemporary à Toronto (2017), Ghost Story au Xspace Cultural Centre à Toronto (2016), @--}--- chez Lord Ludd à Philadelphie (2016) et Night Birds chez Seafoam à Toronto (2016). En 2014, Findlay a obtenu sa maîtrise en beaux-arts à l'Université de Guelph.

Laura Findlay is born in Montreal and is currently a Toronto-based artist who makes paintings and installations that examine understanding events through fragmentary information. Recent exhibitions include Grounds at Brucebo Konstnärshemmet, Sweden (2017), Moving While Looking at Things That Do Not Move at The Kamloops Art Gallery, British-Colombia (2017), Messengers at Zalucky Contemporary, Toronto (2017), Ghost Story at Xspace Cultural Centre, Toronto (2016), @--}--- at Lord Ludd, Philadelphia (2016) and Night Birds at Seafoam, Toronto (2016). She completed her MFA at the University of Guelph in 2014.

 

XAN SHIAN

Xan Shian, Epyllia, 2017, colour print on transparency

Xan Shian est une artiste multidisciplinaire, photographe et écrivaine vivant à Montréal. Son travail cherche à combler le fossé entre la photographie et la poésie, tout en naviguant les tensions tropiques à travers des relations matérielles, personnelles et interpersonnelles. S'inspirant de théories en rhétorique, philosophie et littérature, elle s'intéresse aux expériences vécues, la sienne comme celles des autres. Elle a publié deux livres, Ontology (Folca Press, 2017) et Threshold (Leaf Press, 2015), en collaboration avec la poétesse Marilyn Bowering. Elle a exposé son travail en Écosse et à Victoria, en Colombie-Britannique. En 2017, elle a été la commissaire de l'exposition multidisciplinaire Ontology à Espace Projet, Montréal, dans le cadre du Festival Art Matters. Elle détient un baccalauréat en communications de l'Université Concordia (2012) et termine actuellement un baccalauréat en arts visuels, spécialisation en photographie, également à l'Université Concordia.

Xan Shian is a multidisciplinary artist, photographer, and writer living in Montreal. Her work seeks to bridge the chasm between photography and poetry, while navigating tropic tensions through material, personal and interpersonal relationships. Drawing on rhetorical theory, philosophy, and literature she filters her work through the lens of lived experience, both that of her own and of others. She has published two books, Ontology (Folca Press, 2017) and Threshold (Leaf Press, 2015), in collaboration with poet, Marilyn Bowering. She has exhibited her work in Scotland and Victoria, BC. In 2017 she curated the multidisciplinary exhibit, Ontology, at Espace Projet in Montreal as part of the Art Matters Festival. She has a BA in Communication Studies from Concordia University (2012), and is currently finishing a BFA in Studio Arts, Photography, also at Concordia University.

STÉPHANIE MORISSETTE @ dominique bouffard

« LES CURIEUX EMPIRES COLONIAUX »
16 nov au 23 déc | Nov 16 to Dec 23
vernissage 16 nov 17h00 | Nov 16 ~ 5:00PM
galeriedominiquebouffard.com

Stéphanie Morissette, À travers les plumes - les galions (détail), 2017, graphite et papier, 25 x 30 x 7 cm

L’histoire, les conflits politiques et les comportements humains sont les champs d’intérêts de prédilection de Stéphanie Morissette. Considérant l’interconnexion de ces sujets, l’exposition « Les curieux empires coloniaux » propose un point de vue sur le colonialisme en mettant en exergue certains travers propres à l’humain tels l’envie de possession, la scopophilie (pulsion dans laquelle le sujet prend plaisir à regarder) et l’objectification (terme philosophique signifiant l’acte de traiter une personne ou un animal comme un objet ou une chose). De 1500 à 1950, les différents empires coloniaux de l’Europe affectent les cultures, les peuples et les écosystèmes des territoires qu’ils s’approprient violemment pour ensuite les exploiter et les étudier. Durant cette période, les sciences humaines et les sciences de la nature prennent de l’importance pour répertorier les spécimens du monde (même les humains) et souvent les exhiber comme des curiosités. Les collections d’animaux exotiques (morts et vivants) ainsi que les ménageries privées deviennent à la mode pour le plaisir des classes sociales les plus riches. Fait absurde, cet appétit pour les spécimens rares et exotiques s'accentue au point de mettre en péril certaines espèces animales et de créer de faux spécimens pour répondre à la demande.

History, political conflicts and human behaviour are Stéphanie Morissette’s favourite areas of interest. In view of the interconnection of these topics, the exhibition « Les curieux empires coloniaux » offers a vantage point on colonialism by highlighting certain all-too human quirks such as greed for possession, scopophilia (a drive to look so as to derive pleasure from it) and objectification (meaning the act of treating a person or an animal as an object or a thing). From 1500 to 1950, Europe’s various colonial empires affected the cultures, peoples and ecosystems of the territories they violently appropriated in order to then exploit and study them. During that period, human sciences and natural sciences became more important as ways to record the world’s specimens (even human ones) and often exhibit them as curiosities. Collections of exotic animals (both dead and alive) as well as private menageries became fashionable for the pleasure of the wealthiest social classes. Ludicrously, this craving for rare and exotic specimens grew to the point of jeopardizing some animal species and making up false specimens to answer the demand.

COLLECTIF BLANC @ arprim

« ÉDITION | FORME | EXPÉRIMENTATION »
10 nov au 20 jan | Nov 10 to Jan 20
vernissage 10 nov 17h30 | Nov 10 ~ 5:30PM
arprim.org

Ines Cox

Dans cette version repensée de l’exposition Édition / Forme / Expérimentation, la designer graphique Marie-Ève Tourigny et l’éditrice Catherine Métayer, qui ensembles forment le duo Collectif Blanc, proposent une vision curatoriale singulière, à la fois éclatée et érudite, mettant en lumière une cinquantaine d’artistes locaux et internationaux œuvrant dans la publication imprimée. Des fanzines aux livres rares, de la publication à compte d’auteur aux réalisations des plus grands studios de design, les œuvres constituent un corpus exemplaire quant à la notion d’expérimentation, vis-à-vis d’un format qui semble souvent se présenter avec des paramètres définis et prédéterminés. Ici, les commissaires attirent notre regard sur les qualités formelles et conceptuelles du livre, celles qui bousculent les limites entre l’objet utilitaire, véhicule d’information, et l’objet artistique, fruit de la collaboration entre artistes, auteurs, designer graphiques, éditeurs et autres intervenants.

In this revisited version of their exhibition Édition / Forme / Expérimentation, the duo Collectif Blanc composed of graphic designer Marie-Ève Tourigny and publisher Catherine Métayer proposes a singular curatorial vision, both off-the-wall and erudite, that highlights the printed publications of fifty local and international artists. From fanzines to rare books, self-published pieces to major design studio publications, this exhibition brings together an exemplary body of works that charts the experimental potential of a format that is often seen as bound by a set of well-defined and predetermined parameters. In it, curators draw our attention to the formal and conceptual qualities of books—those that disrupt the boundaries between everyday object, information medium and work of art—as the results of collaborations between artists, authors, graphic designers, publishers and other actors in the field. 

CYNTHIA GIRARD-RENARD @ hugues charbonneau

« AMOUR ET ANARCHIE »
11 nov au 20 déc | Nov 11 to Dec 20
vernissage 11 nov 15h00 | Nov 11 ~ 3:00PM
huguescharbonneau.com

Cynthia Girard-Renard, Plaisir fétichiste d'une militante antifasciste (détail), 2017

Le projet intitulé Amour et anarchie s'inspire d’un film de la cinéaste italienne Lina Wertmüller dont l’action principale se déroule dans un bordel sous l’Italie fasciste de Mussolini. L’artiste a concocté une série de 6 tableaux érotico-politiques où des personnages inter-espèces se débattent dans des jouissances carnavalesques malgré les jours sombres et les scénarios apocalyptiques qui les entourent. Refusant la passivité et le statu quo, les figures polymorphes se tissant entre l’animal, le végétal et l’humain copulent et exultent. Inspiré d’une constellation d’artistes femmes telles que Dorothy Iannone pour ses tableaux érotiques, Carolee Scheemann et son bodyart, ainsi que Annie Sprinkle dans son mouvement écosexuel, Girard-Renard a réalisé un corpus de toiles dont les fonds sont faits d’empreintes de troncs d’arbres sur lesquels elle a imprimé des parties de son corps. Les fonds-écorces sont le théâtre burlesque parfait pour animer cette troupe de personnages impertinents repoussant les scénarios obscurantistes dans des scénettes sexo-satiriques désopilantes.

NADIA MYRE @ mbam

« TOUT CE QUI RESTE – SCATTERED REMAINS »
Commissaire : Geneviève Goyer-Ouimettte
15 nov au 27 mai | Nov 15 to May 27
mbam.qc.ca

Code Switching (Pipe Beads), 2017, impression numérique. Avec l’aimable concours du CARCC et d’Art Mûr

L'exposition dévoile en première canadienne Code Switching, une série produite dans le cadre de la résidence de l’artiste à la Fonderie Darling en 2016-2017, sous le parrainage du MBAM. L’exposition regroupe une vingtaine d’œuvres – photographies et sculptures – de l’artiste, réalisées entre 2000 et 2017. Cette présentation du MBAM s’inscrit dans le cadre d’Elles Autochtones une saison particulière consacrée à des artistes femmes autochtones contemporaines. Nadia Myre est membre de la nation algonquine Kitigan Zibi Anishnabeg. Dans ses œuvres, elle revisite l’histoire officielle des peuples autochtones ainsi que leurs luttes politiques et sociales. Elle juxtapose judicieusement son expérience personnelle à celle d’autrui. Grâce à cette approche, ses œuvres sont fortement empreintes de symbolisme, incitant à la contemplation et à la réflexion. Le travail de Nadia Myre s’inscrit dans une démarche participative et aborde essentiellement les thèmes de l’identité, du langage, du désir et de la mémoire. Telles des témoins d’échanges culturels entre peuples, les œuvres rassemblées dans TOUT CE QUI RESTE – SCATTERED REMAINS marquent la rencontre entre Autochtones et Européens.