ratsdeville

JABER LUTFI @ l'atelier

14 au 17 déc | Dec 14 to 17
vernissage 14 déc 17h00 | Dec 14 ~ 5:00PM
l'atelier : 3287 Masson

Bébés dragons, 2017, acrylique sur toile, 76 x 137cm

Je peins à l'acrylique des tableaux figuratifs évoquant un théâtre archaïque où des personnages costumés jouent des extraits de récits indéterminés. Ce sont des clairs-obscurs peints en de multiples couches colorées et translucides. L'improvisation foisonnante combinée à la figuration théâtralisées induisent plusieurs couches d'écritures entrecroisées. C’est un débordement chaotique. Dans l’enchevêtrement inextricable de signes innombrables s'immiscent tant de désirs et discours divergents qu'il m'est impossible d’anticiper le tableau. Je m'y égare nécessairement. Il me faut assembler morceau par morceau, à même le chaos, une image parmi d’autres possibles. Quoique précis - souvent jusqu'aux limites du visible - ils restent paradoxalement semblables à un magma à la surface duquel apparait une image mouvante. Mes tableaux oniriques se construisent par association d’idées. Mes tableaux sont une image de comment naissent les images avant d’être communiquées. Ils montrent des images qui se créent en combat avec ou contre la culture et considèrent les similitudes entre culture et religion. Ils pointent du doigt comment la culture agit en filtre entre l’art et la réalité pour construire le monde à coup de fictions. Mes inspirations diverses mêlent Van Eyck et Picasso, Bosch et Michaud. 

VIKKY ALEXANDER @ l'escalier

« UNNATURAL HORIZON »
9 déc au 10 fév | Dec 9 to Feb 10
vernissage 9 déc 15h00 | Dec 9 ~ 3:00PM
lescaliergallery.com

Vikky Alexander, Lake in the Woods, 1986, installation view, Cash/Newhouse Gallery, New York

For the installation Lake in the Woods (1986), Vikky Alexander covered one of the walls of the New York Cash/Newhouse Gallery with a landscape photomural similar to the type found on the walls of confined spaces—hospitals or dentists’ waiting rooms, backdrops of dive bars, or suburban basement dens —as a comforting escape toward an imaginary outside. On the opposing wall, the artist placed simulated wood panels with a band of inlaid mirrors that allowed the viewer to see details of this landscape and to glance at their reflections. Alexander retrospectively explained that the idea of such a bipartite scenography came to her as the adequate response to the constraints of the site itself: a long corridor flanked by zigzagging irregular walls that lead to the gallery office. Beyond accentuating the characteristics of the site, she also aimed to offer a counterbalance to the return of figuration and of the heroic artistic subjectivity that dominated the market at this particular moment (Julian Schnabel, David Salle, German neoexpressionism, Italian transavanguardia, etc.)¹. Alexander said that collectors passed through the gallery, seemingly without seeing anything and walking directly to the office. Bemused, they asked the staff why there was no exhibition². Over a half decade later, Lake in the Woods would be acquired by the Vancouver Art Gallery, and this entry into the museum would correct the near-absence of the artwork’s reception during the inaugural presentation in 1986³. Throughout the 1980s, by highlighting the dialectic between floating signifiers ("pictures") and an architectural container, Alexander's work distanced itself from language-based conceptualism of the previous decade. However, she and her peers did not abandon the use of analytical methods. These artists rather constructed an interface that superimposed an awareness of the material parameters of the event of the exhibition as it then stood, with the recognition of an intermediary psychic site⁴.

LOREN WILLIAMS @ osler library

« MATERIA MEDICA »
13 déc au 4 mai | Dec 13 to May 4
vernissage 13 déc ~ 17h30 | Dec 13 ~ 5:30PM
Osler Library of the History of Medicine

Trace, late 14th century, “to make a plan or diagram”, from Old French, 12th century, trasser “delineate, score, trace, follow, pursue”.

Invited by the Osler Library to create a body of work on the theme of Montreal’s medical history, and recipient of the Larose - Osler Artist in Residence for 2017, the artist combines artifacts from the Osler collection with collected and created traces of Montreal’s medical past. The work in this exhibition draws inspiration from books and artifacts in the Osler Library as well as a wide variety of other sources. In particular, early maps of the city offer a form of time travel, indicating the location of the first hospitals and their large gardens used for food and medicinal plants. Three hundred year old streets such as rue de l’Hopital and rue des Soeurs Grises still exist in Montreal today, drawing direct lines to Montreal’s medical history, as do streets named Jeanne Mance, Marguerite d’Youville and Penfield.

CHANTAL KHOURY @ popop

« HOME AND HAVEN »
5 au 9 déc | Dec 5 to 9
vernissage 7 déc 18h00 | Dec 7 ~ 6:00PM
galeriepopopgallery.com

HOME AND HAVEN est une série de peintures et dessins explorant des souvenirs contextuels des Maritimes à travers une optique utopique. Motivée par une enfance en banlieue et en milieu rural, cette série aborde le thème de la relation à la nostalgie et examine des lieux vécus, en les transcendant en lieux rêvés. Se basant sur des catalogues de tourisme et des photographies familiales, l’artiste ravive des parcelles de lieux devenus étrangers et des fragments de souvenirs oubliés dont les détails sont filtrés à travers une mémoire sélective qui domine la série. Ce récit s'exprime autant en tant que touriste que résident. Cette dernière série explore la relation changeante de l’artiste à l’idée de ce qui constitue un chez-soi. Elle s’inspire d’une série précédente intitulée BITTERSWEET, laquelle s’était dirigée vers le paysage en tant que sujet.

HOME AND HAVEN is a series of paintings and drawings that explores site-specific memories of the Maritimes through a utopian lens. Motivated by a childhood in suburbia and rural surroundings, the work addresses a relationship to ‘longing’ and examines places lived, but transcends them into places dreamed. Informed by tourism catalogues and family photos, fragmented intersections and bits of now foreign places are brought to light. Selective memory dominates as details are re-filtered and re-contextualized. This narrative speaks as both ‘tourist’ and ‘resident’. Chantal Khoury’s latest series explores an expanding relationship to the idea of ‘home’. It was inspired by a previous body of work entitled BITTERSWEET, which directed her interests towards the landscape as subject. 

OLICORNO @ angers

« KIDS – DES TEMPÊTES ET DES CORPS »
2 au 18 déc | Dec 2 to 18
vernissage 6 déc 18h00 | Dec 6 ~ 6:00PM
galerieangers.com

Kids #2 de la série Kids, acryliques sur canevas, 72 x 48 po

L'artiste s'est inspiré de la récente saison des ouragans pour cette série de tableaux qu'il nomme en hommage à l'enfance. Son intention est de représenter ces phénomènes comme des forces de la Nature dépourvues de volonté intrinsèque de faire du mal. À l'instar de l'enfance, et à une toute autre échelle, la tempête est un chaos temporel qui peut faire de grands ravages sans toutefois avoir conscience des conséquences de son passage. À travers une relecture symbolique des catastrophes naturelles qui ont ponctué l’automne 2017, Olicorno crée des liens entre la nature humaine et la nature de l’Univers qui l’héberge.

D’OÙ VIENS-TU ? @ art mûr

Commissaires : Collectif 13
7 au 16 déc | Dec 7 to 16
vernissage 7 déc 17h30 | Dec 7 ~ 5:30PM
visite et performances 9 déc 13h30 | Dec 9 ~ 1:30PM
artmur.com

 

PIERRE CHAUMONT

Pierre Chaumont, Breaking the Spell (Perseus Beheading Medusa), 2016

 

CHUN HUA CATHERINE DONG

Chun Hua Catherine Dong, The Arrival, installation et performance, 2016

 

DAYNA DANGER

 

Rassemblées sous le titre D’où viens-tu?, les œuvres de ces artistes traitent d’enjeux qui touchent certains malaises de la société actuelle : la condition féminine, la représentation des identités culturelles et sexuelles, et notre rapport à la condition numérique. Le Collectif 13 est formé par douze étudiants et étudiantes en histoire de l’art et muséologie de l’UQAM et la commissaire et chargée de cours Véronique Leblanc. Ce projet est le fruit de leur réflexion collective dans l’espace et le temps du cours Organisation d’une exposition.

Joined under the title D’où viens-tu? [Where are you from?], the artists’ works tackle three causes of contemporary malaise: the status of women, the representation of cultural and sexual identities’, and our relationship with digital technology. Collectif 13 is composed of twelve art history and museology students from UQAM, supported by the curator and lecturer Véronique Leblanc. This project is the result of their collective reflection during the course Exhibition Organisation.

MATHIEU CARDIN @ nicolas robert

« LA QUÊTE DU SUPERFLU ET LA PRÉCESSION DE LA SUBSTANCE »
25 nov au 13 jan | Nov 25 to Jan 13
vernissage 25 nov 15h00 | Nov 25 ~ 3:00PM
galerienicolasrobert.com

À travers cette exposition, l'artiste propose un corpus d’œuvres qui place en exergue le concept de la précession, qui agit sur les images consommées en cadence. Ce dernier est représentée par le retour de la forme, une palette de couleur spécifique et l’accumulation de mises en abîme. Cardin associe ainsi des objets ordinaires et des petites interventions de manière à créer un rythme qui trouve sa profondeur dans ses échos.

Through this exhibition, the artist proposes a body of works that highlights the concept of precession that acts on images consumed in a swift pace. The precession is depicted here through the return of the form, a specific colour palette and the accumulation of mise-en-abymes. He thus combined ordinary objects and small interventions so as to create a rhythm that takes on a profoundness in its echoes.

MARTIN GOLLAND @ antoine ertaskiran

« NOW, AS BEFORE »
29 nov au 23 déc | Nov 29 to Dec 23
vernissage 29 nov 17h00 | Nov 29 ~ 5:00PM
galerieantoineertaskiran.com

Martin Golland, The Gift, 2017, collage, technique mixte, 97 x 89 cm

Les peintures de Martin Golland illustrent un point de rencontre entre un environnement artificiel et le monde naturel, créant des espaces architecturaux imaginaires. S’inspirant d’un large éventail de langages picturaux qui répondent aux contradictions de l’histoire de la peinture figurative, les sujets traités par l’artiste sont influencés par les propriétés physiques de la peinture. L’artiste cherche ainsi à remettre en question l’acte même de regarder, créant ainsi une confusion entre l’imaginaire et le réel, l’étrangeté et la rêverie.

His paintings present a fictional meeting point between a built environment and the natural world, resulting in imaginary architectural spaces. Golland's work is created from a broad range of painting techniques that respond to the contradicting history of representational painting. Using these subjects gives the artist a way to question the act of looking. This blurs the transition between imagination and reality, the bizarre and reverie.

TÉMOIGNER POUR AGIR ! + LUCIE ROCHER @ frontenac

29 nov au 21 jan | Nov 29 to Jan 21
facebook.com/McFrontenac

 

« TÉMOIGNER POUR AGIR ! »
Commissaire : Jamie Wilson Goodyear

 

GRACE VAN NESS

 

ELOISA AQUINO

 

RICHARD SAWDON SMITH

 

IANNA BOOK

 

ADDÉLI FALEF - KEVIN CROMBIE - SHAN KELLEY - INS A KROMMINGA - ARMHER COLLECTIVE - COCQ-SIDA - COLLECTIF DE FEMMES VIVANT AVEC LE VIH - GRIS-MONTRÉAL - STELLA, L'AMIE DE MAIMIE

Témoigner pour agir se veut un moment de découverte, de mise en relation, à travers l’art, avec le vécu de personnes stigmatisées en raison de leur sexualité, leur genre, leur corps. En un seul lieu, le public aura le privilège d’admirer, d’écouter, de lire les récits de vie d’artistes locaux et internationaux qui s’identifient soit comme personne gaie, lesbienne, bisexuelle, intersexe, queer, travailleuse du sexe, trans ou vivant avec le VIH » précise Maria Nengeh Mensah, directrice du projet.

 

LUCIE ROCHER
« OUTRE MESURES »

Outre mesures est une mise en chantier photographique. Lucie Rocher y poursuit ce désir constant de vouloir faire éclater ses sujets et les matières par lesquelles ils se révèlent et s’assemblent. Elle expose ici au regard des accidents d’impressions tout autant que des tirages travaillés. Et dans l’acte photographique lui-même, au cœur de ce chantier dé-mesuré, surgissent des tête-à-tête d’images fabriquées et fragmentées, d’œuvres accidentées et bousculées. S’ouvre une conversation sourde, parfois bruyante, faite des multiples combinaisons entre ces éléments hétéroclites et minutieusement choisis. Dans ces murs, le photographique est un résident toujours temporaire. Il se déplace et s’échappe pour produire une expérience du sensible qui se construit à travers le temps et dans l’espace. Si les dialogues qui en émergent tendent outre mesures vers un état d’équilibre, cet état restera pourtant précaire et utopique.

VARIATION ET AUTONOMIE @ atelier circulaire

1 au 21 déc | Dec 1 to 21
ateliercirculaire.org

Masanari Murai, Sun and Bird, 1973, 89 x 68 x 3 cm

MASANARI MURAI - TOSHINOBU ONOSATO - YASUKAZU TABUCHI - YAYOI KUSAMA - NATSUYUKI NAKANISHI - HITOSHI NAKAZATO - TOMOHARU MURAKAMI - NAOYOSHI HIKOSAKA - KOSAI HORI - TOEKO TATSUNO

L'exposition Variation et autonomie : Estampes de peintres japonais contemporains, organisée en collaboration avec la Japan Foundation et le Consulat Général du Japon à Montréal, met en lumière un nouveau champ artistique ayant vu le jour dans les années 70, celui des estampes réalisées par des peintres japonais contemporains. Remarquables à la fois en tant que variation en peinture qu’en tant que forme autonome, ces œuvres ont aidé à établir l’estampe japonaise contemporaine en lui insufflant une envergure nouvelle. Cette exposition composée des œuvres de 10 artistes peintres de renom est destinée à encourager les visiteurs à revisiter l'histoire de l’estampe japonaise contemporaine. Aujourd’hui, 70 ans après la Seconde Guerre mondiale, à un moment où l’art imprimé se renouvelle pour affirmer sa pertinence au sein de l’art contemporain, il est nécessaire d’en remettre en question l’histoire à partir d’une variété de regards critiques. 

The exhibition Variation and Autonomy: The Prints of Contemporary Japanese Painters, organized in collaboration with the Japan Foundation and the Consulate General of Japan in Montreal, is designed to shed light on a new artistic field that developed in the 70’s through prints made by contemporary Japanese painters. Notable as both a variation on painting and an autonomous form, these works helped establish the genre of contemporary Japanese prints while imbuing it with a new breadth. The exhibition, composed of artworks by 10 renowned painters, is intended to encourage viewers to reconsider the existing history of contemporary Japanese prints. Today, 70 years after World War II, at a time when printed art is renewing itself to assert its relevance in contemporary art, there is a need to reconsider history from a variety of critical perspectives.