ratsdeville

JÉRÉMIE ST-PIERRE + TEHATIKONHSATATIE @ frontenac

jusqu'au 3 juin | until June 3
facebook.com/McFrontenac

 

JÉRÉMIE ST-PIERRE
« SPECTRES »

Jérémie St-Pierre, Ils regardent un film, 2017, acrylique sur toile, 183 cm x 152,5 cm. Photographe : Valériane Noël

L’exposition jette un regard critique sur les bouleversements globaux engendrés par les mouvements migratoires humains, de ses causes à ses effets. St-Pierre s’interroge sur les bouleversements sociaux qui ont un impact sur les enjeux politiques et territoriaux dans des contextes où les conditions de survie sont de plus en plus extrêmes. Par un travail en peinture motivé par des stratégies de défiguration, Jérémie St-Pierre met en évidence de nouveaux espaces psychologiques, à la limite de l’hallucination, en réaction à la déprédation du monde face à l’anéantissement des valeurs humanistes.

 

BABE HEMLOCK & CARLA HEMLOCK
« TEHATIKONHSATATIE : POUR CELLES ET CEUX QUI NOUS SUIVRONT »
Commissaire : Hannah Claus

Babe et Carla Hemlock, Continuance, 2015. Photographe : Stephen Lang

Tehatikonhsatatie offre un panorama de la démarche singulière des artistes kahnawakeró:non (de Kahnawá:ke) Carla Hemlock et Babe Hemlock, avec une sélection de leurs œuvres majeures. Le couple d’artistes transcende les matières coutumières en créations d’art contemporain, fidèles au vécu et aux valeurs des Kanien'kehá:ka (nation Mohawk) et inspirées par la riche histoire de leur peuple. On y retrouve les thèmes des légendaires Équilibristes du Ciel (Skywalkers), bâtisseurs des gratte-ciels qui structurent nos villes ; le jeu de la crosse transmis aux Haudenosaunee (« peuple des maisons longues ») comme médecine régénératrice, ainsi que la résilience des familles face au colonialisme gouvernant les territoires appelés Canada. Une présentation du Printemps autochtone d’Art 3, biennale multidisciplinaire orchestrée par les Productions Ondinnok.

HŌSHANŌ @ visual voice

« PENSER L’APRÈS FUKUSHIMA »
commissaire : Amandine Davre
jusqu'au 15 avril | until April 15
visualvoicegallery.com

 

MICHEL HUNEAULT

Michel Huneault présente huit photographies provenant de sa série Post Tohoku capturant les ruines des villes touchées par le tremblement de terre et le tsunami. Les photographies datent de son premier voyage en 2012 et de son second en 2015-2016. Huneault présente aussi sa vidéo intitulée 10 minutes à Tohoku (2012).

Michel Huneault presents eight photographs from his series Post Tohoku: a material and environmental reconstruction of the disaster areas depicting the ruins of the cities affected by the earthquake and the tsunami. They date from his first and second trips to the disaster zone in 2012 and 2015-2016. He also screens his video 10 Minutes at Tohoku (2012).

 

AI IKEDA

Ai Ikeda présente neuf œuvres, dont Sirvertian Human – Wisdom, Impression, Sentiment (2017) qui répertorie les effets de la radioactivité sur le corps humain, accompagné d’une loupe contenant des chromosomes modifiés par les radiations. Ikeda expose également des œuvres sur le poids de la mémoire après les catastrophes nucléaires d’Hiroshima, Nagasaki et Fukushima.

Ai Ikeda presents nine artworks including Sievertian Human – Wisdom, Impression, Sentiment (2017), which lists the effects of radiation on the human body, accompanied by a magnifying glass containing chromosomes modified by radioactivity. She also presents works about the burden of memory after the radioactive incidents in Hiroshima, Nagasaki, and Fukushima.

 

STEPHEN H. KAWAI

Stephen Kawai suspend un mobile au centre de l’espace d’exposition représentant des atomes et des particules radioactives.

Stephen Kawai suspends a mobile in the center of the exhibition space representing atoms and radioactive particles.

 

HIDEKI KAWASHIMA

Hideki Kawashima présente une installation intitulée 60 secondes - Extinction (2017). Éteindre la lumière pour voir – cette installation vous invite à faire ce geste, afin de contempler de petites formes nébuleuses et phosphorescentes. Extinction nous invite à ouvrir les yeux sur le monde dans lequel nous vivons.

Hideki Kawashima presents an installation titled 60 seconds - Extinction (2017). Turn off the light to see – this installation invites you to make this gesture. Contemplate in darkness for a moment to see nebulous lights glimmering. Extinction asks us to open our eyes to the world we live in.

CHERYL SIM @ popop

« YMX: Migration, Land, and Loss after Mirabel »
29 mars au 13 avril | March 29 to April 13
vernissage 1 avril 15h00 | April 1 ~ 3:00PM
galeriepopopgallery.com

Inspired by the acquisition of two Solari split-flap information displays from Mirabel Airport by Matt Soar, Associate Professor of Communication Studies at Concordia University, Sim’s exhibition speaks to the parallel stories of displacement and forced migration: those dispossessed of their land to build the airport and the thousands of people who arrived at Mirabel escaping war, disaster, or economic adversity. Continuing her immersive installation practice and single-channel video work, Sim enlivens the intersecting narrative lines that run through the airport: of belonging and escape, the force of borders and the perpetuation of colonialism. A labyrinth of crowd control stanchions leads to the memories of Pierre Nepveu, Prem Sooriyakumar, and Kim Thuy: three experiences of Mirabel. Sim’s video work weaves together these voices—both exproprié and refugee—together with archival footage of the airport and the protests that followed its creation.

PRENDRE PLACE @ mai

16 au 25 mars | March 16 to 25
20 $ / performance*
60 $ : accès illimité
m-a-i.qc.ca

Martin O'Brien performing If it Were the Apocalypse I'd Eat You To Stay Alive at Toynbee Studios

• 16 mars: The Sign - Chun Hua Catherine Dong (Montréal) – 20h
• 17-18 mars: I stand in - Julie Vulcan (Sydney, Australie) – 18h
• 17-18 mars: It’s not a thing - keyon gaskin (Portland, Oregon) – 20h
• 23 mars: Make a line - Francisco-Fernando Granados (Toronto) – 19h
• 23 mars: 50 Bulbs - Hee Ran Lee (New York, Séoul) – 20h
• 24 mars: Lectures on flesh and death - Francis Marion Moseley Wilson (Oberlin, USA, Glasgow, UK) – 19h
• 24 mars: If I were The Apocalypse - Martin O’Brien (Londres, R.-U.) – 21h
• 25 mars: Uroborus - La Pocha Nostra (San Francisco) – 20h
  

*À l’exception des performances de Julie Vulcan et de Francisco-Fernando Granados qui sont présentées gratuitement 

La quête identitaire est souvent nourrie par un besoin de trouver un lieu auquel nous appartenons. En 2017, la notion de lieu sera capitale au Canada. Les récits ayant particulièrement trait à l'appartenance et à la cohésion sociale revêtiront une importance cruciale. Prendre sa place est une série portant sur les arts performatifs qui réunit sous un même toit huit artistes exceptionnels issus des quatre coins du monde au moment précis où la notion de lieu devient singulièrement pertinente. Adresse, géographie, attachement territorial. Communauté. La série Prendre sa place a en outre été conçue pour faire référence aux droits civils et aux mouvements de libération qui ont trait à l'inclusion. Il s'agit de prendre sa place au moment où la notion d'équité est toute aussi déterminante. Intersection, identité sociale et frontières indéfinies.

The search for who we are is often fuelled by a need to find a place where we belong. The notion of place in Canada in 2017 will be significant. Narratives particular to belonging and to social cohesion will be critical. Taking Place is a performance art series conceived as a means to group together eight significant performance artists from around the globe under one roof precisely at a time when the notion of place becomes especially relevant.  Place as address, as geography, as territorial attachment. Community. Taking Place was also conceived as a means to reference civil rights and liberation movements, of inclusiveness. Taking one’s place at a time when the notion of equity is equally as climacteric. Intersection, social identity and indefinite borders.

NIKOLAI KUPRIAKOV & STÉPHANIE BROSSEAU @ artus

« L’EXIL ET À LA LIBERTÉ D’EXPRESSION »
10 mars au 5 avril | March 10 to April 5
vernissage 10 mars 18h00 | March 10 ~ 6:00PM
ebama.ca/galerie-artus

Dans le contexte d‘une lutte acharnée contre la discrimination des artistes professionnels du Québec, Nikolai Kupriakov produit en 2013 une œuvre contestataire où figure le portrait de la juge Claudine Roy en excréments. Il est immédiatement réprimé par la police du Québec. Ainsi, sa lutte contre la discrimination se transforme en lutte pour la Liberté d‘expression. Nikolai Kupriakov se voit obligé de s’exiler, et sa femme, Stéphanie Brosseau, aussi artiste-peintre, le suit. Lors de leur séjour dans différents pays, ils créent des œuvres et des performances dans lesquelles le principal sujet s’articule autour de leur exil, la liberté d’expression et les droits fondamentaux. De retour au Québec, ils présentent cette exposition de tableaux qui se veut la synthèse de leur exil.

PAULINE BOUDRY & RENATE LORENZ + GRAHAM FAGEN @ uqam

24 fév au 8 avril | Feb 24 to April 8
galerie.uqam.ca

 

PAULINE BOUDRY & RENATE LORENZ
« SILENT »
en collaboration avec la Biennale de l’image en mouvement (Genève) - direction artistique : Andrea Bellini
commissaires : Caroline Bourgeois, Cecilia Alemani et Elvira Dyangani Ose

Pauline Boudry & Renate Lorenz, Silent, 2016. Permission Centre d’art contemporain de Genève.

Silent débute par l’interprétation de 4’33’’ de John Cage (1952). Convenant à n’importe quel instrument, la partition indique à la personne qui la performe de ne rien jouer pendant les 30 secondes, 2 min 23 s et 1 min 40 s que dure chacune des trois parties. Dans l’installation de Boudry & Lorenz, la musicienne Aérea Negrot interprète 4’33’’ sur une plateforme tournante installée dans un lieu public de Berlin, l’Oranienplatz, occupé entre 2012 et 2014 par un camp de réfugiés protestataires. Aérea Negrot chante ensuite une pièce composée spécialement pour le film.

Silent starts with an interpretation of John Cage‘s score 4´33´´ (1952). The score is conceived for any instrument and instructs its performer not to play their instrument during the entire duration of the three parts of 30s, 2m 23s and 1m 40s.  In the Boudry and Lorenz installation, the musician Aérea Negrot performs the score on a rotating stage placed on Oranienplatz, a public square in Berlin where a refugee protest camp took place between 2012 and 2014. In a second part of the film, she performs a song, which has been composed for the occasion.

 

GRAHAM FAGEN
« COMPLAINTE DE L'ESCLAVE »
commissaire : Louise Déry

Complainte de l’esclave propose un ensemble d’œuvres de l’artiste multidisciplinaire Graham Fagen sur le thème de l’esclavagisme et de l’implication écossaise dans le sort des populations africaines déportées dans les Caraïbes au 18e siècle. Les dessins présentant l’aspect de masques ou de portraits, les photographies de paysage marin ainsi que l’imposante installation vidéographique et musicale réunis dans cette exposition explorent les tensions et les émotions provoquées par le colonialisme et la traite des esclaves noirs. Alors que les manifestations de réconciliation et de rédemption nous mobilisent aujourd’hui de manière sensible par rapport à l’asservissement économique et à l’oppression culturelle des peuples – qu’ils soient autochtones, issus de l’immigration ou soumis aux formes actuelles d’une servitude sournoise –, le questionnement national et identitaire que pose Graham Fagen s’érige avec une rare pertinence sur une critique de l’héritage culturel et social.

The exhibition The Slave’s Lament presents works by the multidisciplinary artist Graham Fagen on the theme of slavery and Scottish involvement in the fate of African people deported to the Caribbean in the 18th century. The drawings, with the look of masks or portraits, the seascape photographs and the imposing video and music installation shown here explore the tensions and emotions brought about by colonialism and the African slave trade. Today considerable feeling has been mobilized with the aim of reconciliation and redemption for the economic servitude and cultural oppression of peoples – whether aboriginal, the product of immigration or subject to current insidious forms of servitude. Fagen’s questioning of nationality and identity, however, is based on a particularly pertinent critique of the cultural and social heritage.

ISABELLE HAYEUR @ rendez-vous du cinéma québécois

« SILENT SPRING »
projection 24 fév 21h30 | Feb 24 ~ 9:30PM
UQAM ~ Judith-Jasmin ~ Jean-Claude Lauzon : 1564 Saint-Denis

Cette vidéo est inspirée par l'ouvrage de la biologiste américaine Rachel Carson, Silent Spring (1962), qui est connue pour avoir contribué à l'interdiction du pesticide DDT, ainsi qu'à l'émergence du mouvement écologiste. Par le biais de métaphores visuelles, l'œuvre fait allusion aux problèmes causés par l'industrialisation, en évoquant son impact sur la santé, les écosystèmes et le climat.

This video was inspired by American biologist Rachel Carson's book Silent Spring (1962), which is famous for having contributed to the ban against the pesticide DDT, as well as to the emergence of the environmental movement. Using visual metaphors, this work alludes to the problems caused by industrialization, by evoking its impact on health, ecosystems and climate.

TERESA MARGOLLES + EMANUEL LICHA @ mac

16 fév au 14 mai | Feb 16 to May 14
macm.org

 

TERESA MARGOLLES
« MUNDOS »
commissaire : John Zeppetelli et Emeren García

Teresa Margolles, Pista de baile del club “Mona Lisa” [Piste de danse de la boîte de nuit « Mona Lisa »], 2016 Impression couleur sur papier de coton. Travailleuse du sexe transgenre debout sur les ruines de la piste de danse d’une boîte de nuit démolie à Ciudad Juárez, Mexique. 125 x 185 cm (encadrée). Avec l’aimable permission de l’artiste et de la Galerie Peter Kilchmann, Zurich

Le Musée présente la première exposition monographique au pays dédiée à l’une des plus éminentes artistes mexicaines de sa génération, Teresa Margolles. Depuis plus d’une trentaine d’années, Margolles développe une pratique en réaction à la violence endémique qui ravage son pays (narcotrafic et morts violentes qui en découlent, marginalités et exclusions, féminicides et injustices sociales). Intitulée Mundos, l’exposition regroupe un ensemble d’œuvres créées pour la plupart au cours de la présente décennie, de même que quelques pièces inédites.

The Musée presents the first-ever solo show in Canada of works by Teresa Margolles, one of the foremost Mexican artists of her generation. For over 30 years, Margolles has developed her practice in response to the endemic violence that ravages her country (violent deaths from the drug trade, marginalities and exclusions, feminicides and social injustice). The exhibition, Mundos, brings together works mainly created in this decade, along with pieces that have never been shown before.

 

EMANUEL LICHA
« ET MAINTENANT REGARDEZ CETTE MACHINE »
commissaire : Lesley Johnstone

Emanuel Licha, Hotel Machine, 2016 (arrêt sur image) Film HD, 67 min, son. Avec l'aimable permission de l’artiste et Les Contes Modernes

L’exposition est la version installative de Hotel Machine, un documentaire de création d’une heure réalisé par l’artiste québécois Emanuel Licha. Licha s’est rendu dans cinq villes — Beyrouth, Sarajevo, Gaza, Kiev et Belgrade – où il a tourné dans cinq hôtels où résident les correspondants de guerre lorsqu’ils couvrent des conflits. Le film est projeté au centre d’un espace entouré de cinq postes d’archives où sont explorés des aspects du concept d’« hôtel de guerre » au moyen de textes, d’images et d’autres documents.

The exhibition consists of an installation version of the hour-long creative documentary Hotel Machine by Québec artist Emanuel Licha. Licha filmed in five cities—Beirut, Sarajevo, Gaza, Kiev and Belgrade—in five hotels that house war correspondents covering conflicts. The film is presented in a central space surrounded by five adjacent archive stations, which through texts, images and other documents explore aspects of the concept of the “war hotel.”

ADEL ABDESSEMED @ mbam

« CONFLIT »
17 fév au 7 mai | Feb17 to May 7
mbam.qc.ca

Adel Abdessemed, Cri, 2013, ivoire, 138 × 111 × 60 cm © Adel Abdessemed /SODRAC (2016). Photo Dylan Perrenoud.

De notoriété internationale, l’artiste franco-algérien Adel Abdessemed (né en 1971) convoque dans cette exposition deux icônes universelles, deux enfants victimes de la guerre. Le garçon anonyme photographié par un SS dans une rafle du Ghetto de Varsovie est devenu symbole de l’extermination des juifs d’Europe et de la violence nazie. Ambassadrice de bonne volonté pour l’UNESCO, établie au Canada depuis 1994, Kim Phuc fut tristement surnommée « Napalm Girl » et rendue célèbre par une photographie de l’agence Associated Press prise lors d’un bombardement durant la guerre du Viêtnam. Ces deux images sont maintenant des emblèmes de la souffrance liée à la guerre. Documents devenus monuments, les deux sculptures Cri (2013) et Mon enfant (2014) d’Abdessemed questionnent la force de ces images totémiques dans le champ d’un chaos visuel déversé par Internet.

EDDY FIRMIN @ dominique bouffard

« ÉGOPORTRAIT OU L’ERRANCE DES OISEAUX »
9 fév au 12 mars | Feb 9 to March 12
vernissage 9 fév 17h00 | Feb 9 ~ 5:00PM
galeriedominiquebouffard.com

Eddy Firmin dit Ano, 2016, faïence, porcelaine, or et métal, 172 x 42 x 51 cm

« De la récolte d’épices aux soldes commerciaux, l’histoire de l’esclavage se répète-t-elle inlassablement? » Avec l’exposition « Égoportrait ou l’errance des oiseaux », l’artiste Eddy Firmin dit Ano soulève la question. Armé d'humour et d'autodérision, il interroge néanmoins sérieusement le concept de liberté lié à la société de consommation dans laquelle nous baignons.

C'est à l'UQAM que l'artiste franco-caribéen a choisi d'approfondir son processus de création au cours des cinq dernières années par le biais du programme de doctorat. En réponse à une quête identitaire faisant écho à celle inhérente au Québec, l'essence de sa recherche consiste à réinterpréter la philosophie d’une pratique d’art inventée par les esclaves des îles de Guadeloupe: le Gwoka. Le Gwoka est la musique de résistance inventée par les esclaves. C’était un moyen de fuite, d'évasion et de communication, au même titre que la langue créole guadeloupéenne.

« From the spice harvest to retail sales, does the history of slavery unremittingly repeat itself? » This is the question raised by artist Eddy Firmin in the exhibition « Égoportrait ou l'errance des oiseaux ». With self-deprecating humour —but still earnestly enough—, he interrogates the concept of freedom tied to the consumer society in which we are steeped.

It is at UQAM that the Franco-Caribbean artist has chosen to deepen his creative process over the last five years by way of a doctoral program. In response to a quest for identity that finds echoes in that of Quebec, the essence of his research consists in reinterpreting the philosophy of Gwoka, an art practice invented by the slaves of the Guadeloupe islands. Gwoka is the resistance music invented by slaves. It was a means of flight, of escape and of communication, just like Guadeloupe’s Creole language.