ratsdeville

MOMENTA @ hugues charbonneau

« PERFORMANCE VIA THE CAMERA »
Momenta ~ expo satellite
9 sept au 21 oct | Sept 9 to Oct 21
vernissage 9 sept 15h00 | Sept 9 ~ 3:00PM
huguescharbonneau.com

 

MARIA HUPFIELD

Maria Hupfield, Waasechign, impression numérique sur tissu, 2017

 

CHLOË LUM & YANNICK DESRANLEAU

Chloë Lum & Yannick Desranleau, I really / I want / Time for / A lie, jet d’encre sur toile, 2016

 

Ami Barak, le commissaire invité de Momenta, a choisi d’explorer le statut de la représentation fixe ou en mouvement à travers la question : De quoi l’image est-elle le nom? Selon lui, l’omniprésence des nouveaux médias dans la vie quotidienne contribue à rendre flou la notion de la photographie comme témoin du réel puisqu’elle est plus que jamais fantasmée par son auteur. Les œuvres/bannières de Maria Hupfield et du duo Chloë Lum et Yannick Desranleau explorent de façon singulière des questions relatives au traitement de l’image contemporaine. Plus précisément, les bannières issues des performances de ces artistes traduisent non pas une photographie de type documentaire, mais davantage une esthétique élaborée de façon préméditée via la caméra. Ici, le langage visuel est mis en évidence à la fois par la retouche photo et la mise en scène d’éléments portant à la réflexion. 

Ami Barak, the guest curator for Momenta, has chosen to explore the status of the still or moving image by way of the question: What does the image stand for? According to him, the ubiquity of new media in everyday life contributes to blur the notion of photography as a witness of the real since it is now being fantasized more than ever by its author. The works/banners by Maria Hupfield and the duo Chloë Lum and Yannick Desranleau explore questions pertaining to the processing of the contemporary image in a singular manner. More specifically, the banners resulting from their performances do not translate a documentary type photography, but rather an aesthetics developed in a premeditated day via the camera. In this case, the visual language is foregrounded both through the retouching of photos and the display of elements that trigger thought.

L'ÉTÉ @ fonderie darling

15 juin au 20 août | June 15 to Aug 20
vernissage 15 juin 17h00 | June 15 ~ 5:00PM
fonderiedarling.org

 

ALISON KNOWLES
« HOUSE OF DUST »
Commissaires : Maud Jacquin, Sébastien Pluot et Jeff Guess

ALISON KNOWLES & A CONSTRUCTED WORLD - STEPHANE DEGOUTIN & GWENOLA WAGON - JEFF GUESS - MARTIN HOWSE - JONATHON KEATS - BYRON PETERS - AURÉLIE PÉTREL ET LES PARTICIPANTS DE ART BY TRANSLATION : LOU-MARIA LE BRUSQ - TYLER COBURN - JOSHUA SCHWEBEL - DANIELA SILVESTRIN

En 1967, l’artiste Fluxus Alison Knowles réalise The House of Dust, l’un des premiers poèmes générés par un ordinateur. Chaque quatrain commence par « Une maison en…» suivi par des permutations aléatoires de matériaux, de sites ou de situation, de sources lumineuse et de types d’habitants. En 1969, Knowles traduit l’un des quatrains sous la forme d’une architecture installée à Chelsea puis à CalArts où converge une communauté foisonnante d’artistes et d’étudiants qui y proposent des installations, performances, concerts, cours de poésie, projections de films. L’exposition présentée à la Fonderie Darling retrace l’histoire de The House of Dust et invite des artistes contemporains à s’emparer de ce poème-partition et à proposer des interprétations nouvelles.

In 1967, Fluxus artist Alison Knowles produced The House of Dust, one of the first computer-generated poems. Each quatrain began with “A house of ...” followed by random sequences of materials, sites or locations, light sources, and categories of inhabitants. In 1969, Knowles translated one of the quatrains into an architectural form, which was installed in Chelsea and then at CalArts, where a burgeoning community of artists and students were creating installations, performances, concerts, poetry courses, and film screenings. The exhibition presented at the Darling Foundry retraces the history of The House of Dust and presents contemporary artists’ new interpretations of the poem-score.

 

ANTOINE CARON
« UNITÉ D’HABITATION »

Antoine Caron, Unité d'habitation (tests)

Antoine Caron produit des œuvres sculpturales engagées politiquement et socialement. Pour l’œuvre de la Place Publique 2017, l’artiste propose de réinterpréter le concept d’unité d’habitation théorisé par Le Corbusier, en construisant un immeuble de verre dont chaque module-aquarium est habité par différentes sortes d’algues. En implantant un composant exogène (culture d’algues) à des composants préexistant (des objets récupérés dans la Fonderie Darling), l’artiste joue le rôle d’un planificateur urbain en portant un regard critique sur le phénomène de gentrification.

Antoine Caron produces politically and socially engaged sculptures. For the work in the Place Publique 2017, Caron reinterprets Le Corbusier’s concept of the unité d’habitation (living unit) by erecting a glass building in which each module (aquarium) is inhabited by a different kind of alga. By establishing an exogenous component (the growing of algae) to pre-existing components (objects gathered in the Darling Foundry), Caron plays the role of urban planner and casts a critical look at gentrification.

 

« PLACE PUBLIQUE »
performances tous les jeudi 18h00 | every Thursday 6:00PM

Modélisation du bar terrasse

Depuis 10 ans, la Fonderie Darling investit chaque été une partie de la rue Ottawa pour en faire un espace d'expression artistique et de rencontres. Cette portion d'asphalte, cible d'une réappropriation citoyenne, regroupe cette année encore, de nombreux acteurs dont les quatre Universités montréalaises qui ont conceptualisé des projets tant en architecture (McGill), en art visuels (Concordia), en design de l'environnement (UQÀM), qu'en histoire de l'art (Université de Montréal). La Place Publique sera ainsi activée, tout au long de la saison, de multiples façons: par des soirées de performance initiées par la Fonderie Darling et ses partenaires (Cercle Carré, GIV, Maison de la Poésie, RIPA), par une œuvre in situ ou encore par la mise en place d'une terrasse/bar.

Every summer for the past ten years, the Darling Foundry has taken over part of Ottawa Street and transformed it into a space for gathering and artistic expression. This year, this stretch of asphalt intended for citizen appropriation brings together participants from four Montreal universities who have designed projects in architecture (McGill), art (Concordia), environmental design (UQAM), and art history (Université de Montréal). Throughout the summer season, Place Publique will be activated in various ways: a series of performances by the Darling Foundry and its partners (Cercle Carré, GIV, Maison de la Poésie, RIPA), in situ artworks, and a bar/terrace.

ANTHEA BLACK & THEA YABUT @ la centrale

« MIRROR DRAWING »
jusqu'au 14 avril | until April 14
lacentrale.org

La singularité est toujours plurielle; les individus sont à la fois uniques dans leurs différences et dans leurs relations avec les autres. Anthea Black et Thea Yabut créent des dessins, des livres, des gravures, des photographies et des films composites, simultanément et individuellement, chacune imitant les mouvements et les marques de l'autre sur la surface ou la page. Cette relation répétitive crée un motif allégorique, qui est une succession de singularités rassemblées et récapitulées dans toutes les directions. La qualité inégale et le poids des lignes enregistrées dans leurs Mirror Drawings permettent à la différence et à l'incertitude de se glisser dans la répétition. Le geste de chaque artiste est le même, mais l'effet ne l’est pas. Chaque mouvement contient sa propre possibilité. La répétition et l'effet de miroir sont des processus qui ne disparaissent pas dans l'image; plutôt, les images de Black et Yabut rendent ces processus visibles, en enregistrant les mains - la matérialité - des artistes ensemble et différemment. - Jen Kennedy

Singularity is always already plural; individuals are at once unique in their differences and relational to others. Anthea Black and Thea Yabut create drawings, book works, prints, photographs, and composite films simultaneously together and individually, each mimicking the other’s movements and marks on the surface or page. This repetitive relationality has an allegory in pattern, which is a succession of singularities brought together and recapitulated in all directions. The uneven quality and weight of the lines registered in their Mirror Drawings allows difference and uncertainty to slip into repetition. The gesture of each artist is the same but the effect is not. Every movement contains its own possibility. Repetition and mirroring are processes that don’t disappear into the image; rather Black and Yabut’s images make these processes visible, registering the hands—the materiality—of the artists together and differently. - Jen Kennedy

INDEXE @ topo

commissaire : Sarah Chouinard-Poirier
2 fév au 25 mars | Feb 2 to March 25
vernissage 2 fév 17h00 | Feb 2 ~ 5:00PM
agencetopo.qc.ca

Projet d'exposition et de performance indexE, initié par Sarah Chouinard-Poirier et réunissant 100 collaboratrices. Le vernissage du projet sera précédé, de 12 h à 17 h, le jeudi 2 février, d’une première radio-performance par l’initiatrice du projet avec des invitées. indexE pose la question de la place des femmes en littérature en recourant à l'oralité comme lieu de partage et de transmission. Sarah Chouinard-Poirier a convié une communauté ad hoc de 100 personnes s’identifiant comme femmes, personnes trans ou queer, réunies par une invitation à proposer une œuvre littéraire revêtant pour elles une importance particulière.

The opening of indexE, a project carried out with the support of 100 collaborators, will start with a reading performance from 12 to 5 PM by Sarah Chouinard-Poirier, initiator of the project. indexE raises the question of the place of women in literature, using orality as a mean of sharing and transmission. Sarah Chouinard-Poirier brought together an ad hoc community of 100 people identifying themselves as women, trans or queer person, by asking them to propose a book of particular importance in their life.

THE DEAD WEB - LA FIN @ eastern bloc

commissaire : Nathalie Bachand
jusqu'au 15 fév | until Feb 15
easternbloc.ca

 

FRÉDÉRIQUE LALIBERTÉ
« INFINITISME.COM FOREVER A PROTOTYPE »

Infinitisme.com Forever A Prototype est un projet web éternellement « en progrès », une machine à collage autonome qui génère des compositions virtuelles semi-aléatoires en allant chercher dans une banque de fichiers numériques catégorisés et classifiés : images, sons, gifs animés, vidéos, texte, etc. Le résultat de chaque visite est une série de constructions éphémères, basées à la fois sur la rigidité de l’archivistique et sur la désinvolture propre au hasard.

 

GRÉGORY CHATONSKY & DOMINIQUE SIROIS
« MÉMOIRES ÉTEINTES III »

Troisième itération d’une installation qui suggère la fin – et surtout la découverte, au sens archéologique du terme –, d’un monde tel que nous l’avons connu via l’exhumation de serveurs Internet encore lisibles, Mémoires Éteintes III renvoie à l’idée de notre propre extinction en tant que race humaine, et laisse envisager le futur de nos vestiges numériques.

 

JULIE TREMBLE
« BPM 37093 »

BPM 37093 de Julie Tremble, est une courte animation 3D qui « raconte » – fiction ou réalité, l’incertitude ici est volontaire – la mort d’une étoile et la lente transformation de sa matérialité. BPM 37093 est une étoile qui était très similaire au soleil et qui est aujourd'hui morte. Des scientifiques ont découvert qu'en mourant, l'étoile s'est presque entièrement transformée en diamant, comme le fera le soleil dans des milliards d'années. La temporalité hautement accélérée de cette mort d’étoile – 1:14 pour des millions d’années – questionne ici les notions de durée et d’instantanéité, de transformation, ainsi que nos représentations du monde.

 

JULIEN BOILY
« MEMENTO VASTUM »

Memento Vastum nous parle d’une mémoire perdue. Perte de savoir-faire, mais aussi de connaissances anciennes aussitôt remplacées par de nouvelles – souvent sous forme d’information ou même de données. C’est une dynamique récursive qui s’accélère constamment. Cette notion de vestige croise ici celles d’obsolescence programmée et de vanité. Si au 17e siècle le miroir était un élément récurrent dans la composition des vanités – ces natures mortes évoquant le caractère éphémère de l’humanité – aujourd’hui nos dispositifs électroniques et outils informatiques pourraient remplir la même fonction, dans laquelle Internet agirait comme un miroir sans tain.

 

PROJET EVA (ETIENNE GRENIER & SIMON LAROCHE)
« L’OBJET DE L’INTERNET »

Quoi de mieux qu’un monument pour témoigner de la gloire passée ? Avec L’Objet de l’Internet, une installation évoquant l’idée d’un mausolée destiné à la fin du web, les visiteurs sont projetés dans un futur dystopique où, sur les réseaux sociaux, ne demeureraient sous la forme d’une résonance que les traces de quelques égo-portraits encore artificiellement animés. Ces derniers, condamnés au statut de solipsismes stériles, s’agiteraient dans le vide sidéral de la fin d’Internet.

BNLMTL 2016

« LE GRAND BALCON »
Commissaire Philippe Pirotte
19 oct au 15 jan | Oct 19 to Jan 15
ouverture 17 au 21 oct | Oct 17 to 21
macm.org
mbam.qc.ca
lelivart.com
sat.qc.ca
lachapelle.org
galerie.uqam.ca
lastation

 

ANNE IMHOF

 

CELIA PERRIN SIDAROUS

 

HAEGUE YANG

 

LUIS JACOB

 

MOYRA DAVEY

 

NICOLE EISENMAN

 

NJIDEKA AKUNYILI CROSBY

 

SHANNON BOOL

 

HAIG AIVAZIAN - HÜSEYIN BAHRI ALPTEKIN - KNUT ÅSDAM - ERIC BAUDELAIRE - THOMAS BAYRLE - NADIA BELERIQUE - VALÉRIE BLASS - MICHAEL BLUM - DINEO SESHEE BOPAPE - ELAINE CAMERON-WEIR - CHRIS CURRERI - EM’KAL EYONGAKPA - GEOFFREY FARMER - ISA GENZKEN - LIAO GUOHE - LENA HENKE - JUDITH HOPF - IMPURE FICTION - MYRIAM JACOB-ALLARD - BRIAN JUNGEN - JANICE KERBEL - HASSAN KHAN - MEIRO KOIZUMI - DAVID LAMELAS - ZAC LANGDON-POLE - TANYA LUKIN LINKLATER - KERRY JAMES MARSHALL - COREY MCCORKLE - NATHALIE MELIKIAN - LUZIE MEYER - JOE NAMY - SHAHRYAR NASHAT - CADY NOLAND - CAMILLE NORMENT - PME-ART/JACOB WREN - MARINA ROSENFELD - CAMERON ROWLAND - BEN SCHUMACHER - WALTER SCOTT - BENJAMIN SEROR - FRANCES STARK - THIRTEEN BLACK CATS - LUKE WILLIS THOMPSON - DAVID GHERON TRETIAKOFF - LUC TUYMANS - MIES VAN DER ROHE - XU ZHEN / MADEINCOMPANY

 

Le Grand Balcon s’inspire librement de la pièce Le Balcon, de Jean Genet, qui fait de cette plateforme un espace de contestation entre la révolution et la contrerévolution, la réalité et l’illusion. Figure récurrente de l’écriture de Genet, le balcon est un lieu où la représentation peut être perversement troublée. Pour Genet (et pour de nombreux autres écrivains, dont Shakespeare) le balcon est aussi un topos de la galanterie amoureuse : un cadre privilégié mais ambigu qui rapproche les tourtereaux tout en les tenant à distance. C’est un dispositif du désir et un espace théâtral qui articule la relation complexe entre le dedans et le dehors, le haut et le bas. Le balcon est également assujetti à un régime particulier de visibilité, où une personne peut se mettre en scène de façon dramatique et afficher à la fois pouvoir et vulnérabilité.

Le Grand Balcon draws loosely on Jean Genet’s Le Balcon, in which the play’s high porch is a space of contestation between revolution and counter-revolution, reality and illusion. A recurring motif
 in Genet’s writing, his balcony is a place where representation itself can be perversely troubled. For Genet (and for many other writers, including Shakespeare) the balcony is also a topos of amorous flirtation: a privileged but ambiguous space that brings lovers closer while keeping them apart. It is a desiring apparatus and a theatrical space that articulates the complex relationship between inside and outside, up and down. The balcony is also subject to a particular regime of visibility, a space where a person can dramatically stage herself, with power and vulnerability on display.

JONAH MIGICOVSKY & LISA KIMBERLY GLICKMAN @ kirkland library

« ABANDONED RE-IMAGINED »
jusqu'au 30 oct | until Oct 30
vernissage 9 oct 13h30 | Oct 9 ~ 1:30PM
biblioweb.ville.kirkland.qc.ca

Emptied of profit and utility, regardless of cause and despite their initial function, abandoned buildings are gradually embraced by neglect. A building begins to hide in plain sight, quietly rotting in the midst of a community filled with lively businesses and inhabited homes. Besides time's gentle destruction, abandoned buildings may also experience the depredations of curious trespassers and the material effects of their surrounding environment. It is the architecture's new life in this alternate, ruinous, exhausted state that fascinates us, and that we have attempted to record.

AUTOMATA @ arsenal

3 juin au 3 juillet | June 3 to July 3
arsenalmontreal.com

Inferno, Louis-Philippe Demers et Bill Vorn. Photo : Gregory Bohnenblust

BILL VORN - MATTHEW BIEDERMAN - NICOLAS BAIER - BEN BOGART - LAURA KIKAUKA ET NORMAN WHITE - TOM SHERMAN - PHILIPPE INTERNOSCIA - KENNY WONG - PAOLO ALMARIO - ORLAN - PASCAL HAUDRESSY - JULIEN MAIRE - LAURENT MIGNONNEAU & CHRISTA SOMMERER - PATRICK TRESSET - JEON JOONHO & MOON KYUNGWON - KIM JOON - UJOO+LIMHEEYOUNG - LUYANG - MINHA YANG - SHAUN GLADWELL - SÉBASTIEN LACOMBLEZ - FÉLIX LUQUE SANCHEZ - MARTIN BACKES - NELMARIE DU PREEZ - ROBOTLAB - CORY ARCHANGEL - ALEKSANDRA DOMANOVIĆ - OLIVIER LARIC - GRAHAM CALDWELL

Inferno est une œuvre robotique inspirée par la représentation des différents niveaux de l'enfer décrits dans l'Enfer de Dante ou les dix tribunaux de l'enfer Haw Par Villa et d'autres représentations religieuses. La spécificité de cette performance participative réside dans le fait que les spectateurs portent sur leur corps des exosquelettes : s'en suit une chorégraphie (inattendue et  involontaire!) programmée et contrôlée par ordinateur. Le public devient alors une partie active de la performance. Louis-Philippe Demers et Bill Vorn ont travaillé ensemble sur de nombreux projets d'art robotique depuis 1992. Inferno est leur dernière collaboration (2015).

TANGERINE DREAM @ pangée

« GÉNIE IN THE BOX WITH DIAMONS »
jusqu’au 13 avril | until April 13
projetpangee.com

Joani Tremblay, Narrative Displacement Onto the Separate Textual Systems, 2016, ink, watercolor and gouache on Arches paper, 35 x 40 inches.

 

SARAH OSBORNE - JOANI TREMBLAY - ELISE WINDSOR

 

Première exposition du nouveau collectif Tangerine Dream Collective composé des artistes Sarah Osborne, Joani Tremblay et Elise Windsor. Avec une vision jeune et actuelle, ce collectif s'amuse à créer avec des formes simples et audacieuses ainsi qu'avec l'installation grand-format composé de plusieurs oeuvres sur papier vues et présentées en tant qu'objets. Leurs influences proviennent de la flore, de l'architecture et du monde de l'art, ainsi que de leur statut en tant que femmes. Pour le temps de cette exposition, la galerie se transformera en une sculpture vivante sous forme d'installation aux couleurs pop, mélangeant tableaux, dessins, photographies, objets, plantes, tablettes et autres dispositifs sculpturaux. Les oeuvres sur papier deviennent ainsi des objets présentés tels que dans une vitrine, permettant d’examiner le lien entre la mise en scène d'objets et le commissariat.

First exhibition of the Tangerine Dream Collective composed of artists Sarah Osborne, Joani Tremblay and Elise Windsor. With a young and contemporary vision, the collective plays with simple and bold forms as well as large-scale installations composed of several works on paper seen and presented as objects. What influences this collective the most are flora, architecture and the world of art, as well as their status as women. For the occasion of this exhibit, the gallery will be transformed into a living sculpture in the form of an installation using pop colors and mixing paintings, drawings, photographs, objects, plants, shelves and other sculptural devices. Works on paper become objects displayed as in a showcase window such as to question the relationship between staging and curation.

AU FIL DE L'HISTOIRE @ diagonale

Commissaire : Anne-Marie St-Jean Aubre
jusqu'au 20 fév | until Feb 20
artdiagonale.org

Vue de l’exposition Au fil de l’histoire, 2016. Photo : Guy L’Heureux

MICHAEL BLUM - LEAH DECTER & JAIMIE ISAAC - KEESIC DOUGLAS

« L’époque de la liberté des hautes mers, là où les compagnies pouvaient opérer selon leurs propres lois et échapper ainsi à l’emprise des États souverains, est-elle vraiment dépassée? » (A Company with Sovereignty and Subjects of Its Own? The Case of the Hudson’s Bay Company, 1670–1763, Edward Cavanagh) 

Colonialisme et capitalisme se rencontrent au sein de ce projet considéré comme une occasion de s’interroger sur l’histoire canadienne. Exemplaire du mouvement qui traverse cette exposition, l’œuvre Trade Me (2010) de Keesic Douglas montre le voyage agrémenté de portages et d’incidents effectué par l’artiste qui emprunte les cours d’eau reliant la réserve Rama à Toronto, pour retourner à la boutique de la Baie d’Hudson la fameuse couverture rayée remise à son arrière-arrière-grand-père en échange de peaux et de fourrures.

“Is the era of high seas, in which companies operate beyond the sovereign grasp of nation-states as laws unto themselves, even actually behind us?” (A Company with Sovereignty and Subjects of Its Own? The Case of the Hudson’s Bay Company, 1670–1763, Edward Cavanagh)

Colonialism and capitalism meet in this project, providing us with an opportunity to reflect on Canadian history. Exemplifying the thread that runs throughout the exhibition, Keesic Douglas’ work titled Trade Me (2010), describes a journey by canoe carried out by the artist, replete with various incidents and portages, as he retraces the voyage from the Chippewas of Rama First Nation to the Hudson’s Bay store in Toronto, in an attempt to return the famous striped blanket given to his great-great-grandfather in exchange for animal hides and furs.