ratsdeville

CAR LE TEMPS EST LA PLUS LONGUE DISTANCE ENTRE DEUX ENDROITS @ mac

commissaire : Marie-Eve Beaupré
jusqu'au 12 mars | until March 12
macm.org

 

NICOLAS BAIER

Nicolas Baier, Trou noir, 2005, impression jet d'encre, 1/2, 109.9 cm x 143.8 cm. Collection Musée d'art contemporain de Montréal

 

ERIC CAMERON

Eric Cameron, Alarm Clock (3295), de la série Thick Painting, 1979 – 1994, 3295 demi-couches d'enduit acrylique sur réveille-matin, 43 x 46 x 17 cm. Collection Musée d'art contemporain de Montréal

 

SERGE TOUSIGNANT

Serge Tousignant, Le Long voyage, 1986, épreuve à développement chromogène, 4/5, 120.5 x 126.8 cm. Don de l'artiste. Collection Musée d'art contemporain de Montréal

 

SARAH SZE

Sarah Sze, Measuring Stick, 2015, projecteurs vidéo, ventilateur, éclairage, miroirs, bois, pierre, illustrations d’archives, haut-parleurs, acier inoxydable, ballon, sable, fruit, œuf, plastique, papier hygiénique, feuille d’aluminium, herbe. Collection Giverny Capital. Photo : Richard-Max Tremblay

 

Cette exposition qui rassemble une vingtaine d’œuvres s’inscrit dans le cycle Tableau(x) d’une exposition, une nouvelle série de projets développés à partir des œuvres de la Collection. La présentation intitulée « Car le temps est la plus longue distance entre deux endroits » (Tennessee Williams, 1944) rassemble des œuvres qui expriment notre besoin de définir notre rapport au temps et à l’espace et qui révèlent la propension des artistes à vouloir en faire image, de l’infiniment grand à l’infiniment petit.

This exhibition of around twenty works is part of the cycle Pictures for an Exhibition, a new series of projects based on works from the Collection. The presentation titled “For time is the longest distance between two places” (Tennessee Williams, 1944) features works that express our need to define a typology for our relationship to time and space, and that reveal artists’ propensity to want to depict this relationship, from the infinitely large to the infinitely small.

FRANÇOIS LEMIEUX + JÁN MANCUŠKA @ vox

jusqu'au 18 mars | until March 18
centrevox.ca

 

FRANÇOIS LEMIEUX
« UN SOLEIL DIFFICILE »

François Lemieux, image fixe tirée de Efface tes traces, 2016

La nouvelle exposition de François Lemieux, qui comprend un film réalisé spécifiquement pour l’occasion, porte sur les multiples usages de la métaphore de la transparence et les mutations que cette notion a subies depuis les années 1920. Sous la forme d’architectures de verre, la transparence a d’abord symbolisé une métamorphose sociale positive, voire une émancipation politique radicale, avant de connaître une évolution rapide et d’être transfigurée pour alimenter une bonne partie des rêves d’objectivité, d’optimisation, de fluidité, d’accélération, voire d’hygiène qui caractérisent le monde actuel.

This new exhibition of works by François Lemieux, which includes a film made specifically for the occasion, examines the multiple uses of the metaphor of transparency, and the changes it has undergone since the 1920s. In glass architecture, transparency initially was a symbol of a positive social transformation—a radical political emancipation, even—before undergoing rapid evolution and transfiguration, eventually nurturing a fair share of the dreams of objectivity, optimization, fluidity, acceleration and hygiene so characteristic of our modern world.

 

JÁN MANČUŠKA
« MOI, LE DOUBLE ET L’AUTRE »
commissaire : Vít Havránek

Ján Mančuška, Reverse Play, 2007, image fixe, vidéo HD avec son, 9 min 47 s, permission de Ján Mančuška Estate et Andrew Kreps Gallery

À mesure qu’il acquérait une notoriété internationale, le travail de Mančuška se développait selon deux axes distincts, mais en interaction constante. D’une part, l’artiste suivait la tradition post-conceptuelle en remettant activement en question la signification du langage dans le processus de construction narrative (en littérature aussi bien que dans la vidéo, la performance et au cinéma). D’autre part, il a commencé à s’intéresser à des histoires vraies (donc « ready-made »), souvent existentielles, évoquant vaguement un moment décisif de l’histoire sociopolitique, la « révolution de velours », qui a coïncidé avec la chute du mur de Berlin en 1989 et qui a marqué la génération de Mančuška.

As its international reception progressed, Mančuškaʼs work came to be characterized by two clearly differentiated but constantly interconnecting thrusts. On the one hand, he developed the post-conceptual tradition of actively questioning language signification in the process of the construction of narrative (the languages of literature, video, performance, and film). On the other hand, his interest grew in recounting often existential, true (“ready-made”) stories. They remotely resonate with an important moment of social-political history, known as the Velvet Revolution or the Fall of the Berlin Wall, in 1989, which shaped Mančuška’s generation.

INDEXE @ topo

commissaire : Sarah Chouinard-Poirier
2 fév au 25 mars | Feb 2 to March 25
vernissage 2 fév 17h00 | Feb 2 ~ 5:00PM
agencetopo.qc.ca

Projet d'exposition et de performance indexE, initié par Sarah Chouinard-Poirier et réunissant 100 collaboratrices. Le vernissage du projet sera précédé, de 12 h à 17 h, le jeudi 2 février, d’une première radio-performance par l’initiatrice du projet avec des invitées. indexE pose la question de la place des femmes en littérature en recourant à l'oralité comme lieu de partage et de transmission. Sarah Chouinard-Poirier a convié une communauté ad hoc de 100 personnes s’identifiant comme femmes, personnes trans ou queer, réunies par une invitation à proposer une œuvre littéraire revêtant pour elles une importance particulière.

The opening of indexE, a project carried out with the support of 100 collaborators, will start with a reading performance from 12 to 5 PM by Sarah Chouinard-Poirier, initiator of the project. indexE raises the question of the place of women in literature, using orality as a mean of sharing and transmission. Sarah Chouinard-Poirier brought together an ad hoc community of 100 people identifying themselves as women, trans or queer person, by asking them to propose a book of particular importance in their life.

THE DEAD WEB - LA FIN @ eastern bloc

commissaire : Nathalie Bachand
jusqu'au 15 fév | until Feb 15
easternbloc.ca

 

FRÉDÉRIQUE LALIBERTÉ
« INFINITISME.COM FOREVER A PROTOTYPE »

Infinitisme.com Forever A Prototype est un projet web éternellement « en progrès », une machine à collage autonome qui génère des compositions virtuelles semi-aléatoires en allant chercher dans une banque de fichiers numériques catégorisés et classifiés : images, sons, gifs animés, vidéos, texte, etc. Le résultat de chaque visite est une série de constructions éphémères, basées à la fois sur la rigidité de l’archivistique et sur la désinvolture propre au hasard.

 

GRÉGORY CHATONSKY & DOMINIQUE SIROIS
« MÉMOIRES ÉTEINTES III »

Troisième itération d’une installation qui suggère la fin – et surtout la découverte, au sens archéologique du terme –, d’un monde tel que nous l’avons connu via l’exhumation de serveurs Internet encore lisibles, Mémoires Éteintes III renvoie à l’idée de notre propre extinction en tant que race humaine, et laisse envisager le futur de nos vestiges numériques.

 

JULIE TREMBLE
« BPM 37093 »

BPM 37093 de Julie Tremble, est une courte animation 3D qui « raconte » – fiction ou réalité, l’incertitude ici est volontaire – la mort d’une étoile et la lente transformation de sa matérialité. BPM 37093 est une étoile qui était très similaire au soleil et qui est aujourd'hui morte. Des scientifiques ont découvert qu'en mourant, l'étoile s'est presque entièrement transformée en diamant, comme le fera le soleil dans des milliards d'années. La temporalité hautement accélérée de cette mort d’étoile – 1:14 pour des millions d’années – questionne ici les notions de durée et d’instantanéité, de transformation, ainsi que nos représentations du monde.

 

JULIEN BOILY
« MEMENTO VASTUM »

Memento Vastum nous parle d’une mémoire perdue. Perte de savoir-faire, mais aussi de connaissances anciennes aussitôt remplacées par de nouvelles – souvent sous forme d’information ou même de données. C’est une dynamique récursive qui s’accélère constamment. Cette notion de vestige croise ici celles d’obsolescence programmée et de vanité. Si au 17e siècle le miroir était un élément récurrent dans la composition des vanités – ces natures mortes évoquant le caractère éphémère de l’humanité – aujourd’hui nos dispositifs électroniques et outils informatiques pourraient remplir la même fonction, dans laquelle Internet agirait comme un miroir sans tain.

 

PROJET EVA (ETIENNE GRENIER & SIMON LAROCHE)
« L’OBJET DE L’INTERNET »

Quoi de mieux qu’un monument pour témoigner de la gloire passée ? Avec L’Objet de l’Internet, une installation évoquant l’idée d’un mausolée destiné à la fin du web, les visiteurs sont projetés dans un futur dystopique où, sur les réseaux sociaux, ne demeureraient sous la forme d’une résonance que les traces de quelques égo-portraits encore artificiellement animés. Ces derniers, condamnés au statut de solipsismes stériles, s’agiteraient dans le vide sidéral de la fin d’Internet.

VALÉRIE KOLAKIS + JEAN-FRANÇOIS LAUDA @ antoine ertaskiran

jusqu'au 11 fév | until Feb 11
galerieantoineertaskiran.com

 

VALÉRIE KOLAKIS

Le travail de Valérie Kolakis est une exploration de l'architectonique, liée aux questions de migration, de déplacement et de changement. Les notions de soustraction, du vide et du rapport illusoire au paysage urbain sont autant de thèmes contenus dans son travail. Par le biais de matériaux industriels fabriqués en série, Kolakis explore l'imagerie de l'espace urbain et l'état transitoire qui le constitue à travers l'utilisation de matériaux pauvres et/ou trouvés ; des matériaux qui travaillent contre l'authenticité de la forme pure et marqués par un caractère éphémère. Ainsi se crée une forme de reconstruction de l’«objet» en contradiction même avec sa fonction première.

Valérie Kolakis’ work is an exploration of architectonics and is linked to questions of migration, displacement and change. The notions of subtraction, emptiness and the illusory relation to the urban landscape are among the themes touched upon in her work. By way of mass-produced industrial materials, Kolakis explores the imagery of urban space and the transitory spaces comprising it through the use of poor and/or found materials; materials of an ephemeral nature that strive against the authenticity of pure form. This leads to the creation of a form of the “object’s” reconstruction that is in direct contradiction with its initial function.

 

JEAN-FRANÇOIS LAUDA

Jean-François Lauda adopte dans sa pratique artistique une approche intuitive de la peinture. Son exploration de la matière brute se traduit par de lentes transformations formelles qui naissent grâce à la dimension expérimentale de son processus. La combinaison d’une facture abstraite et d’un vocabulaire pictural portant la trace du geste caractérise sa pratique. Exposant les marques délibérées d’un processus d’accumulation et d’effacement, ses compositions révèlent leur propre fabrication : traces de repentirs, mémoire d’actions passées, temporalités diverses.

In his art practice, Jean-François Lauda adopts an intuitive approach to painting. His exploration of raw materials is translated through the slow formal transformations that arise thanks to the experimental dimension of his process. His practice is characterized by the combination of an abstract style and a pictorial vocabulary conveying the trace of the gesture. In exhibiting the deliberate marks of a process of accumulation and erasure, his compositions reveal the process of their own making:  traces of regrets, memory of past actions, various temporalities.

ERIKA DUECK + SONNY ASSU + LA REVENTE @ art mûr

jusqu'au 25 fév | until Feb 25
artmur.com

 

ERIKA DUECK
« DIVIDED PROXIMITIES »

Le succès d’un magicien tient en sa capacité à contrôler l’attention du spectateur afin de rendre invisibles les ruses de l’illusion. En ce sens, le travail d’Erika Dueck est bien à l’opposé de la prestidigitation, puisque d’emblée, l’artiste livre tout au spectateur. Au premier regard, on ne peut pas être charmé par ses sculptures. Elles se présentent d’abord comme ensembles de foamcore, de papier collant et de lumières d’appoint dont les fils pendent grossièrement dans le vide. Il est rare que de matériaux si bruts soient exposés dans l’espace de la galerie.

per·i·scope ˈperəˌskōp/ noun - 1. an apparatus consisting of a tube attached to a set of mirrors or prisms, by which an observer (typically in a submerged submarine or behind a high obstacle) can see things that are otherwise out of sight. In Erika Dueck’s optical machines, the viewer can peer through a small opening into a near-pathological state of anxious disorder; a state of things half-accomplished and naggingly remembered.

 

SONNY ASSU
« INTERVENTIONS ON THE IMAGINARY »

Sonny Assu, Choke on an Ovoid, 2014

Le plus récent corpus de l’artiste Sonny Assu nous transporte près de l’univers de la science-fiction, alors que des figures autochtones anciennes semblent envahies par une entité de l’espace. Ces œuvres digitalisées posent ainsi la question: et si la perception occidentale, actuelle et ancienne, des peuples autochtones tenait de la science-fiction?

Sonny Assu, a member of the Liǥwildaʼx̱w of the Kwakwaka’wakw nations, uses humour to unsettle dominant cultural expectations of indigenous art while playing with ideas of brand loyalty, consumerism, ready-mades and pop-culture. In 2014 Sonny Assu began thinking about a new project, what would eventually become the Interventions on the Imaginary series.

 

LA REVENTE

Dang Trinh

EDMUND ALLEYN - BARRY ALLIKAS - JEAN (HANS) ARP - PIERRE AYOT - TED BARKER - RAFAEL BARRIOS - LUC BÉLAND - STÉPHANIE BÉLIVEAU - ROGER BELLEMARE - MARCEL BELLERIVE - JUDITH BERRY - LOUIS PIERRE BOUGIE - KITTIE BRUNEAU - PHILIPPE CHABOT - MARIE-PAULE CHANUT - MAGALIE COMEAU - JEAN-SEBASTIEN DENIS - ALBERT DUMOUCHEL - AMY ELKINS - ERTE - NICOLAS FLEMING - ROBERT FREEMAN - EMMANUEL GALLAND - DAVID GARNEAU - JEAN GOGUEN - SYBIL GOLDSTEIN - MARTIN GOLLAND - BETTY GOODWIN - CLAUDE GOULET - ANGELA HENDERSON - DIL HILDEBRAND - BETTINA HOFFMANN - JACQUES HURTUBISE - GENERAL IDEA - JEAN-PAUL JÉRÔME - HARLAN JOHNSON - DENIS JUNEAU - BRIAN JUNGEN - ANISH KAPOOR - MASKULL LASSERRE - RENÉE LAVAILLANTE - FERNAND LEDUC - JEAN LEFEBURE - PHILIPPE CARON LEFEBVRE - RITA LETENDRE - ANTOINE LORTIE - ATTILA RICHARD LUKACS - JABER LUTFI - MARCELLA MALTAIS - FRANCOIS XAVIER MARANGE - MARCEL MAROIS - JOHN MAROK - JOHN MCEWEN - OLAF MOOIJ - JEAN NOEL - ALAIN PAIEMENT - JACQUES PAYETTE - FABRIZIO PEROZZI - MICHEL PIQUETTE - BRIGITTE POTTER-MAL - ROLAND POULIN - LOUISE ROBERT - ALEXANDRE ROBICHAUD - ISLEY ROJAS - MATT SCHUST - MARC SÉGUIN - CLAUDE SIMARD - STEVEN SOMBERBEE - DAVID SPRIGGS - CLAUDE TOUSIGNANT - THANH TRUC TRINH - DANG TRINH - CHARLES TYLER - IRENE F. WITTOME

Collectionner est une passion difficile à combler et avec le temps une réorganisation est indispensable. Ça peut être frustrant de voir nos murs se remplir sans toutefois posséder la collection désirée. C’est pour vous assister dans cette situation un peu embêtante que nous avons décidé en 2000 d’organiser la première édition de La Revente.

Collecting is a difficult passion to fulfill and there always comes a time when it appears essential to reorganize one’s collection. It can be frustrating to witness space being filled up by pieces without feeling like we’ve finally achieved the desired collection. It’s with the mandate to assist you facing this annoying situation that we organized the first edition of The Resale in 2000.

JULIE TREMBLE + DOMINIQUE SIROIS @ b312

jusqu'au 17 déc | until Dec 17
galerieb312.ca

 

JULIE TREMBLE
« LA CAPACITÉ DU TÉLÉSCOPE À CHOISIR PARMI LES MODÈLES DE L'UNIVERS »

© Julie Tremble_ Galerie B-312

Avec cette proposition, l’artiste poursuit ses recherches sur les phénomènes astronomiques et sur notre façon de les découvrir, de les observer, de les comprendre. Elle s’est intéressée plus particulièrement à la magnification de l’objet spatial et à la façon dont les scientifiques s’y prennent pour transformer calculs et données en références visuelles. Cette transcription permet de rendre compte des phénomènes qui resteraient abstraits tant leur perception directe est impossible. Les images que l’on connaît de l’espace sont en fait une construction visuelle avec leur propre grammaire scientifique. Ces représentations permettent de fixer mentalement les théories et conceptions mises de l’avant par les chercheurs.

 

DOMINIQUE SIROIS
« INDICE ÉTERNITÉ »

© Dominique Sirois—Galerie B-312

La vie éternelle, un rêve insensé ? Mimesis Trinity, une société fictive pionnière en finance comportementale, agit comme cadre conceptuel et narratif aux recherches de l’artiste. Ici, l’entreprise propose des services mortuaires de luxe aux actionnaires richissimes qui peuvent désormais entrevoir la possibilité d’une vie prolongée éternellement grâce aux technologies transhumanistes.—Alliant sculpture, vidéo, animation et art sonore, jouant autant avec une esthétique biomorphique que minimaliste, l’installation est pensée à la fois comme un salon funéraire et un lieu de recherche. L’iconographie de l’artiste reflète ces univers, mais recoupe également ceux de la finance, de l’informatique et de l’art.

DONG-KYOON NAM @ circa

« RECYCLED SENSATIONS »
jusqu'au 10 déc | until Dec 10
circa-art.com

Les arts médiatiques, voire hypermédiatiques, offrent des expériences virtuelles et immersives qui permettent aux individus de s(t)imuler les sensorialités de leur corps. Cet univers a engendré au fil des ans un espace qui modifie notre perception de la réalité et place l’illusion aux confins du réel. Proprement individuelles, ces expériences exacerbées nous obligent à redéfinir la notion de relation. Avec l’espace numérique apparaissent de nouvelles formes de connexions qui génèrent un tissu relationnel virtuel et mettent de l’avant l’apparente « nécessité de l’immédiateté ». Cela dit, ne se font-elles pas au détriment des connexions qui tricotent un tissu relationnel social? C’est à partir de ces constats que Dong-Kyoon Nam questionne la nature ontologique de l’environnement virtuel et numérique. - Émilie Granjon

WIM DELVOYE @ dhc

30 nov au 19 mars | Nov 30 to March 19
vernissage 29 nov 15h30 | Nov 29 ~ 3:30PM
dhc-art.org

Wim Delvoye, Car Tyre, 2011, pneu sculpté à la main, 68cm x 13cm. Permission de l’artiste et de la Galerie Perrotin, Paris/New York/Hong Kong.

Depuis la fin des années 1980, l’artiste belge Wim Delvoye suscite la controverse et met au défi le statu quo du monde de l’art par sa pratique multidisciplinaire qui comprend la sculpture, le dessin, la photographie, l’installation et la vidéo. Le public montréalais a été initié à son œuvre lors de la présentation de Cloaca N° 5 à la Galerie de l’UQAM en 2009. Issue d’une série, cette machine-sculpture audacieuse reproduisait le système digestif humain par lequel la nourriture est traitée et transformée en matière fécale. Cette œuvre de Delvoye offrait un aperçu du regard critique qu’il pose sur notre société de consommation intensément capitaliste. À DHC/ART, une présentation majeure de ses sculptures, vidéos et dessins récents nous plongera encore davantage dans son étude d’une gamme de sujets connexes, entre autres le branding, la notion de classe, l’économie, la technologie et la mondialisation.

Since the late 1980s, Belgian artist Wim Delvoye has been inciting controversy and challenging the art world status quo through a multidisciplinary practice that includes sculpture, drawing, photography, installation, and video. Montreal audiences were first introduced to his work in 2009 through the presentation of Cloaca No. 5 at the Galerie de l’UQAM. Part of a larger series, this provocative machine/sculptural work reproduced the human digestive system whereby food was processed and transformed into waste matter. This initiation into Delvoye’s oeuvre offered insight into his examination of consumerism and his critique of our intensely capitalist society. At DHC/ART, a major presentation of recent sculpture, drawing, and video will take us deeper into his study of a range of related topics, including branding, class, the economy, technology, and globalisation.

MOLIOR 15 ANS @ boîte noire concordia

« RYTHMES DES IMAGINAIRES, OUTILS ET ŒUVRES TECHNOLOGIQUES »
Commissaire : Marie Perrault
jusqu'au 19 nov | until Nov 19
Boîte noire d’Hexagram-Concordia

Diane Landry, Mandala Naya, de la série Le déclin bleu, 2002, installation avec automatisation. Collection du Musée national des beaux-arts du Québec.

 

INGRID BACHMANN - LUC COURCHESNE - JEAN DUBOIS - JEAN-PIERRE GAUTHIER - DIANE LANDRY - DAVID ROKEBY

 

« L’exposition portera sur le développement et l’appropriation des outils numériques. D'abord chargée de promesses, l'utilisation de la technologie par les artistes constitue aujourd'hui un phénomène bien implanté. Conformément au mandat que s’est donné Molior dès ses débuts, la sélection se concentre sur des œuvres où la technologie contribue à l’expérience sensorielle du spectateur, tout en lui permettant de décoder le monde actuel modulé par ces développements techniques. Les œuvres réunies offrent un aperçu de la variété de pratiques soutenues par Molior jusqu'à aujourd'hui. Elles marquent différentes périodes dans le développement de l’organisme, une majorité ayant été présentée dans le cadre d’évènements produits par ce dernier partout dans le monde. À ce moment charnière, tant dans l'évolution des arts numériques que de Molior, un constat s'impose afin de dégager les avenues à explorer pour l'avenir. À travers l'historique de présentation et d'acquisition des œuvres retenues, l'exposition fournit également des exemples concrets permettant d'alimenter les discussions en vue du colloque Un art contemporain numérique. Conservation, diffusion et marché qui se tiendra du 23 au 25 novembre 2016 au Centre Canadien d’Architecture. »
- Marie Perrault

"I called upon a selection of artists previously featured by the organization to put together an exhibition that explores the development and appropriation of digital tools. At first filled with promise, the use of technology by artists is nowadays well established. In accordance with Molior’s mandate since its foundation, the selection focuses on works in which technology contributes to the sensorial experience of viewers, all the while allowing them to decode a world that is increasingly modulated by technological developments. The works gathered provide a glimpse of the wide variety of practices supported by Molior up until now. They mark different periods in the development of the organization, and a majority of them were shown as part of events produced by Molior all around the world. At this turning point, both in the evolution of digital art and the history of Molior, it is important to assess the situation and prepare for the future. By way of the selected works’ exhibition and acquisition history, the exhibition also provides concrete examples to stimulate discussions in view of the upcoming colloquium Contemporary Digital Art: Conservation, Dissemination and Market Access that will take place from November 23 to 25, 2016 at the Canadian Centre for Architecture."  
- Marie Perrault