ratsdeville

KATHERINE MELANÇON @ outremont

« L'ÉTAT DES MATIÈRES »
Commissaire : Nathalie Bachand
18 mai au 18 juin | May 18 to June 18
vernissage 18 mai 17h00 | May 18 ~ 5:00PM
galeriedartdoutremont.ca

Prolonger la pensée par le bras – Joseph Beuys, 2016. Photographie Katherine Melançon

Entre nature morte et composition abstraite, le travail de Katherine Melançon renouvelle notre rapport au numérique par la création d’œuvres qui, loin d’affirmer leurs affiliations technologiques de manière évidente, se présentent plutôt comme autant de « mystères picturaux » dont le processus de création est difficilement décelable. C’est ainsi que des échantillons représentatifs d’un lieu – par exemple des végétaux – sont l’objet d’une manipulation au numériseur, lequel capte des images suggérant des états altérés de ces matières organiques. Pour cette exposition, l’artiste a travaillé à partir d’échantillons provenant de différents arrondissements de la ville. En résulte une série d’impressions numériques dont l’effet mystifiant agit comme une brèche dans le réel, révélant des horizons transfigurés.

BGL @ parisian laundry

« MA SOCIÉTÉ DES TESTS »
19 mai au 1 juillet | May 19 to July 1
vernissage 18 mai 18h00 | May 18 ~ 6:00PM
parisianlaundry.com

Le collectif BGL présente un ensemble d’expérimentations intuitives. L'installation tentaculaire et protéiforme fait feu de tout bois : elle s’est nourrie d’objets trouvés et d’autres sculptés, de branches et de bambous peints, de dessins au feutre, de photocopies à la volée et autres surprises. Puisant son inspiration dans l’empirisme autant qu’à la source intarissable d’internet, elle a allègrement cultivé les doutes et les fausses pépites d’or, testé les filons fertiles et les pseudo-recettes miracles. En voici le résultat : Ma société des tests, c'est une société tricéphale dont l’harmonie est confiée aux vertus de l’improvisation, c'est un collectif anthropomorphisé aux aspirations communes.

Collective BGL presents an ensemble of intuitive experiments. The tentacular and protean installation draws on all available means: found and sculpted objects, tree branches and painted bamboo, felt pen drawings, photocopies on the fly and other surprises. Drawing inspiration from empiricism as much as the inexhaustible sources of the Internet, it happily cultivates doubts as well as counterfeit gold nuggets, testing rich mines and pseudo-miracles. The result: Ma société des tests, a three-headed society where harmony is jauntily entrusted to the virtues of improvisation, an anthropomorphized collective of common aspirations.

SIMON DUMAS & MICKAËL LAFONTAINE @ topo

« CHŒUR(S) POUR CASTELET »
6 avril au 21 mai | April 6 to May 21
vernissage 6 avril 17h00 | April 6 ~ 5:00PM
agencetopo.qc.ca

Chœur(s) pour castelet est à la base une installation dont le cœur est fait de poésie. Dans la vitrine, au centre d’un petit plateau noir, se tiennent un certain nombre de personnages. Ce sont les habitants d’un castelet particulier, hommes et femmes, qui interpellent le visiteur.

« Viens ici. Psst, psst... Veux-tu entendre un poème ? »

Ce sont des poètes, du Québec et de la Belgique. Des présences poétiques différées et ramenées aux proportions du castelet. Lorsque, pour répondre à l’appel, les visiteurs s’approchent de la vitrine, les poètes récitent en même temps un flot de vers qui pourtant ne sont pas confus. Puis, graduellement, ils se cèdent mutuellement la parole. Les vers s’enchaînent, rapidement au début, puis plus lentement jusqu’à ce qu’un seul poète se fasse entendre. Il dit son poème — les autres le laissent dire — puis s’efface graduellement, laissant la place à une trame sonore et visuelle, un paysage faisant écho à la poésie. Puis le sol s'anime, le texte se fait visuel. Quand tombe le dernier mot du poète, les autres reviennent et interpellent de nouveau le visiteur.

NADÈGE GREBMEIER FORGET @ espace projet

« I, »
29 mars au 22 avril | March 29 to April 22
vernissage 30 mars 17h00 | March 30 ~ 5:00PM
espaceprojet.net

Je pluriel.
It’s all about the tears.
Boite à lumière.
Cropping click.
Snif.

I, est une exposition qui vise à réfléchir au médium de la performance en altérant les codes de la représentation et en reconfigurant la dynamique entre l’artiste, le spectateur et l’œuvre. Il s’agit d’explorer comment cette discipline, alors que diffusée dans un format d’exposition, peut redéfinir la fonction de l’objet, créer un espace de narration complexe et interroger l’attitude et la hiérarchie performative. Produite à l’invitation d’Espace Projet, l’œuvre présentée répond à une carte blanche qui a été offerte à l’artiste avec comme seules contraintes d’avoir des collaborateurs et de prendre en compte l’espace d’exposition. Nadège Grebmeier Forget propose un résultat inédit où l’environnement presque vide est pleinement investi d’une réflexion sur le partage des récits pluriels pouvant découler de ces actions performatives. Il s'agit de la première exposition solo de Nadège Grebmeier Forget à Montréal.

CATHERINE ABOUMRAD + OLI SORENSON @ castiglione

8 mars au 8 avril | March 8 to April 8
vernissage 9 mars 19h30 | March 9 ~ 7:30PM
lacastiglione.ca

 

CATHERINE ABOUMRAD
« CONSERVER L'IMMOBILE »

Série Conserver l'immobile, 2009, 40 x 40 po., édition de 12

Le Grand Nord du Québec, lieu de l’infini, du désertique et de l’inaccessible. Laissant la lumière imprégner tout doucement la pellicule photographique, Catherine Aboumrad s’est imposé des heures d’attente dans ces lieux singuliers, n’ayant rien d’autre à faire que de regarder le paysage, l’observer, le posséder, le vivre. La petitesse du soi au sein de l’infiniment grand appelle à l’introspection. La sérénité et le silence du lieu ont un aspect inquiétant : le vertige du vide. Dans ces espaces, la solitude est là, presque comme une présence. Vivre la solitude dans un espace inatteignable, vivre l’espace dans la solitude la plus stricte. Elle enregistre le mouvement pour capter l’immobilité.

The Great North of Canada is composed of an infinite and inaccessible number of desert spaces. To allow for light and space to gently permeate onto the film, the photographer committed to spending long hours in these extraordinary environments with nothing to do but to contemplate, observe, own, and live the landscape. The smallness Self within the infinitely great is a call to introspection. The serenity and silence of the place reveal a disturbing and giddy emptiness. Within this space, there is a presence called solitude. Experiencing solitude in an unreachable space, experiencing space with the strictest soli­tude. Movement is recorded, and stillness captured.

 

OLI SORENSON
« VIDÉO PISTOLETTO »

Série Vidéo Pistoletto, 2017, 18 x 27 po., édition de 7

Le projet Vidéo Pistoletto d’Oli Sorenson s’inscrit en continuité avec plusieurs autres œuvres produites selon une approche remix, en échantillonnant et modifiant des esthétiques existantes comme matière première, en lieu et place d’un matériau brut tel que le bois ou le métal. Sorenson détourne le vocabulaire visuel d’artistes reconnus pour proposer de nouvelles straté­gies plastiques n’ayant pas encore été explorées par ces mêmes artistes. Ainsi le projet Vidéo Pistoletto s’inspire directement des œuvres récentes de Michel­angelo Pistoletto (particulièrement celles qui font éclater ses grands miroirs), pour réaliser une série de performances où Sorenson brise des écrans vidéo d’une façon comparable.

Oli Sorenson’s Video Pistoletto project is produced in connection with several other works subscribing to a remix approach, by sampling and modifying existing aesthetic styles as elemental matter, instead of building from raw materials such as wood or metal. Sorenson adapted the visual vocabulary of established artists to explore new forms and images that have not yet been proposed by the same artists. Thus was the Video Pistoletto project directly inspired by the recent artworks of Michelangelo Pistoletto (particularly his broken mirror series) to deliver a string of performances where Sorenson smashes video screens in a similar fashion.

4 ARTISTES @ fofa

27 fév au 31 mars | Feb 27 to March 31
vernissage 2 mars 17h00 | March 2 ~ 5:00PM
concordia.ca/fofa-gallery

 

NATALIE NADEAU
« CHIP PRODUCTION »
Vitrines du corridor York

Natalie Nadeau, Chip Production.

Chip Production déconstruit les procédés de fabrication en imitant ceux d’outils ou de pièces d’automobile, et donne sens aux détritus créés durant ces procédés. L’œuvre vise à illustrer l’élégance et l’attrait que les déchets matériels peuvent revêtir à mesure qu’ils révèlent le produit fini. Des gants de travail coulés dans le bronze traduisent un regard romantique sur l’ouvrier d’usine. L’artiste rend ainsi hommage à la matérialité de la production en série tout en reconnaissant l’importance des mains du travailleur dans un environnement ultramécanique.

Chip Production deconstructs manufacturing processes, emulating that of tool die or auto part production, and gives significance to the waste that is created during these processes. It aims to illustrate the kind of elegance and seduction that material refuse can take on as it reveals the finished product. A romanticized observation of the factory worker is portrayed through the bronze casted work gloves. The work is an homage to the materiality of mass production while recognizing the importance of the hand of a worker within these ultra-mechanical environments.

 

SURABHI GHOSH
« ANANTA UNDONE »
Espace principal

Dans Ananta Undone, Surabhi Ghosh examine comment le motif répétitif réconcilie les limites de l’expérience humaine avec l’infini de l’univers. Au moyen de motifs fondamentaux, comme le bloc, le cercle et la bande, l’artiste évoque les diverses manières dont les êtres humains ont tenté de conceptualiser ou de décrire l’infini. Toutefois, les matériaux idiosyncrasiques utilisés contrarient, de manière imprévisible, les desseins métaphysiques de Surabhi Ghosh et celle-ci, en manipulant ces matériaux à la main, ne fait que révéler l’inéluctable finitude de l’être humain.

In Ananta Undone, Surabhi Ghosh considers how repetitive pattern reconciles the limits of human experience within the infinite universe. Deploying fundamental motifs—such as the block, circle, and stripe—she alludes to a range of ways humans have attempted to conceptualize or describe infinity. But her idiosyncratic materials interfere unpredictably in these metaphysical pursuits, and through manipulating them by hand she reveals an inevitable human finiteness.

 

JESSICA AUER
« STILL RUINS, MOVING STONES »
Boîte noire

Jessica Auer, Still Ruins, Moving Stones, 2014, HD Video, 00:13:15. Featuring: Georg Nyegaard, Henrik Høier, Jacob Noe Bovin. Cinematography & Sound Design: Terryll Loffler. Direction: Jessica Auer. Filmed on location in South Greenland.

Se référant directement à la « découverte » de l’Amérique du Nord par les Européens, Jessica Auer s’inspire de l’archéologie et des sagas islandaises pour examiner cette énigme historique. Après plusieurs années à suivre les traces des premiers explorateurs vikings qui ont foulé le sol du Nouveau Monde, l’artiste s’est rendue au Groenland pour rejoindre une équipe d’archéologues danois œuvrant à la restauration des ruines des colonies nordiques les mieux préservées du monde. Dans ce paysage à mi-chemin entre l’Ancien et le Nouveau Monde, l’histoire se révèle au fil des strates qu’elle parcourt. Des pierres pouvant avoir servi de fondation dans une construction ancienne sont aujourd’hui intégrées dans les murs d’une maison moderne. D’autres pierres ainsi détournées il y a longtemps de leur fonction initiale sont récupérées pour la restauration d’un site archéologique.

Referring directly to the European "discovery" of North America, Jessica Auer draws from saga literature and archeology to examine this historical enigma. After spending several years following in the footsteps of the Viking explorers that first encountered the New World, the artist travels to Greenland where a team of Danish archeologists work on the restoration of the world’s best-preserved Norse ruins. In this landscape, somewhere between the Old and the New Worlds, layers of history drift from one stratum to another. Stones that may once have supported a ruin now punctuate the walls of a modern house. Other stones, previously shifted to new purposes, are shifted back to restore an archaeological site.

 

VICTOR ARROYO
« MTL NORD »
Vitrine Ste-Catherine

Victor Arroyo, MTL Nord (video still), 2016, 35:00 min.

Le soir du 9 août 2008, Fredy Villanueva a été abattu par le policier Jean-Loup Lapointe à l’aréna Henri-Bourassa, dans l’arrondissement de Montréal-Nord. Le jour suivant, des émeutes ont éclaté et un mouvement social est alors né : Montréal-Nord Républik. Le meurtre de Fredy Villanueva a non seulement attisé le sentiment d’exclusion sociale et le mécontentement qui sommeillaient depuis des années, mais aussi mis en lumière les tactiques de surveillance policière actuelles, l’asymétrie des pouvoirs institutionnels et le profilage racial. Montréal-Nord existe sous l’œil des autorités. Caméras de sécurité et de surveillance, télévision en circuit fermé, applications Google Maps et Google Street View usent tous d’un regard descendant jeté par divers mécanismes institutionnels asymétriques, qui façonnent des perspectives verticales composites.

On the evening of August 9, 2008, Fredy Villanueva was shot and killed by police officer Jean-Loup Lapointe at the Henri-Bourassa Arena in the Montréal Nord area. Riots broke out the next day, and with that, a social movement wass born: the Montreal Nord Affaire. The killing of Fredy Villanueva not only stirred up years of social exclusion and discontent, but also brought visibility to current tactics of police surveillance, institutional power asymmetries and racial profiling. Montréal Nord operates under the gaze of power; security and surveillance cameras, CCTV, Google Maps and Google street view—all employ a vertical glance operated by assorted asymmetrical institutional mechanisms, forging composite vertical views.

JEAN-PIERRE GAUTHIER @ ellephant

« MARQUEURS D’INCERTITUDE »
25 fév au 1 avril | Feb 25 to April 1
vernissage 25 fév 14h00 | Feb 25 ~ 2:00PM
ellephant.org

L'exposition présente quatre nouvelles machines à dessins. Exposées pour la première fois en 2005 à la  Galerie Leonard et Bina Ellen, puis tout récemment  à la Fondation Guido Molinari, ces machines à dessins robotique sont un projet en cours qui fusionne le son, le mouvement et le dessin mécanique.

Chaque machine génère des dessins élaborés et surprenants sur le mur qu’elle occupe. Chacune semble posséder une personnalité unique qui rappelle différentes créatures imaginaires dont les mouvements engendrent des modèles spécifiques, développés de manière stochastique. Les titres des installations réfèrent d’ailleurs en général aux petits animaux, insectes ou mouvements qu’imitent ces créatures. L’exposition inclut également trois petites sculptures interactives et une œuvre sonore, capturant ainsi le caractère distinctement poétique et ludique de la pratique de Gauthier.

The exhibition presents four new drawing machines. Earlier versions were first presented at the Bina Ellen Gallery in 2005 and more recently at the Guido Molinari Foundation in Montreal. This series of robotic drawing machines is part of an ongoing project by the artist merging sound, movement and mechanical drawing.

Each machine generates elaborate and surprising drawings on the walls they travel across. Each one has its own unique personality, bringing to mind different otherworldly creatures whose movements create specific patterns that develop in a stochastic manner. The installation titles often reference the animals, insects or movements the machines mimic. The exhibition also includes three small interactive sculptures, and a sound work, further exposing Gauthier’s poetic and playful practice.

TERESA MARGOLLES + EMANUEL LICHA @ mac

16 fév au 14 mai | Feb 16 to May 14
macm.org

 

TERESA MARGOLLES
« MUNDOS »
commissaire : John Zeppetelli et Emeren García

Teresa Margolles, Pista de baile del club “Mona Lisa” [Piste de danse de la boîte de nuit « Mona Lisa »], 2016 Impression couleur sur papier de coton. Travailleuse du sexe transgenre debout sur les ruines de la piste de danse d’une boîte de nuit démolie à Ciudad Juárez, Mexique. 125 x 185 cm (encadrée). Avec l’aimable permission de l’artiste et de la Galerie Peter Kilchmann, Zurich

Le Musée présente la première exposition monographique au pays dédiée à l’une des plus éminentes artistes mexicaines de sa génération, Teresa Margolles. Depuis plus d’une trentaine d’années, Margolles développe une pratique en réaction à la violence endémique qui ravage son pays (narcotrafic et morts violentes qui en découlent, marginalités et exclusions, féminicides et injustices sociales). Intitulée Mundos, l’exposition regroupe un ensemble d’œuvres créées pour la plupart au cours de la présente décennie, de même que quelques pièces inédites.

The Musée presents the first-ever solo show in Canada of works by Teresa Margolles, one of the foremost Mexican artists of her generation. For over 30 years, Margolles has developed her practice in response to the endemic violence that ravages her country (violent deaths from the drug trade, marginalities and exclusions, feminicides and social injustice). The exhibition, Mundos, brings together works mainly created in this decade, along with pieces that have never been shown before.

 

EMANUEL LICHA
« ET MAINTENANT REGARDEZ CETTE MACHINE »
commissaire : Lesley Johnstone

Emanuel Licha, Hotel Machine, 2016 (arrêt sur image) Film HD, 67 min, son. Avec l'aimable permission de l’artiste et Les Contes Modernes

L’exposition est la version installative de Hotel Machine, un documentaire de création d’une heure réalisé par l’artiste québécois Emanuel Licha. Licha s’est rendu dans cinq villes — Beyrouth, Sarajevo, Gaza, Kiev et Belgrade – où il a tourné dans cinq hôtels où résident les correspondants de guerre lorsqu’ils couvrent des conflits. Le film est projeté au centre d’un espace entouré de cinq postes d’archives où sont explorés des aspects du concept d’« hôtel de guerre » au moyen de textes, d’images et d’autres documents.

The exhibition consists of an installation version of the hour-long creative documentary Hotel Machine by Québec artist Emanuel Licha. Licha filmed in five cities—Beirut, Sarajevo, Gaza, Kiev and Belgrade—in five hotels that house war correspondents covering conflicts. The film is presented in a central space surrounded by five adjacent archive stations, which through texts, images and other documents explore aspects of the concept of the “war hotel.”

TRANSMISSION @ plein sud

commissaire : Pierre Rannou
11 fév au 8 avril | Feb 11 to April 8
finissage 8 avril 15h00 | April 8 ~ 3:00PM
plein-sud.org

Nicolas Grenier, Incoming Flux, 2014, huile et acrylique sur bois, 56 x 41 cm. Collection particulière

YAN BREULEUX - CLAUDINE BROUILLARD - STÉPHANIE CHALUT - CARA DÉRY - MARTIN DÉSILETS - PATRICK DIONNE - NICOLAS FLEMING - NICOLAS GRENIER - MARIE-ÈVE JOSEPH - ÉTIENNE LAFRANCE - ÉLISABETH PICARD - CAMILLE PRATTT

Cette exposition réunit une sélection d'artistes québécois professionnels qui ont comme trait commun d'être passés, à un moment de leur formation, par le programme d'arts plastiques offert au cégep Édouard-Montpetit. Dans le cadre de l'année soulignant les 50 ans d'existence des cégeps, cette exposition met en lumière la pertinence du programme d’art visuel du cégep en plus de réaffirmer son rôle de chef de file quant au soutien et à l'encouragement des arts. Les arts occupent une place de premier plan dans le collège, comme en témoignent notamment sa collection d'œuvres d’art contemporain, ou l'hébergement en ses murs de Plein sud et du Théâtre de la Ville. Alors même que cette exposition célèbre le travail de ses diplômés devenus des professionnels du milieu de l’art, elle reconnaît la spécificité du cégep et contribue à son prestige et à son rayonnement.

MAKING SPACES @ fofa

jusqu'au 17 fév | until Feb 17
concordia.ca/fofa-gallery

Dancer: Jesse McRogers. Choreographer: Dana Dugan. Photos: Hadi Jamali.

L’exposition des étudiants et étudiantes de premier cycle comprend une série de performances par des étudiants du Département de danse contemporaine de l’Université Concordia. Sous la supervision de la professeure Angélique Willkie, les performeuses et performeurs ont été encouragés à répondre par le mouvement et le geste aux œuvres d’art présentées dans le cadre de l’événement. Les performances à l’affiche dialogueront ainsi avec les œuvres correspondantes tous les jeudis, de 17 h à 19 h. Cette initiative transdisciplinaire cherche à stimuler la collaboration entre artistes visuels et danseurs, et envisage les manières dont diverses formes d’art contemporain peuvent se développer en parallèle.

This year’s undergraduate student exhibition titled Making Spaces includes a series of performances by students from Concordia University’s Contemporary Dance Department. Under the guidance of Professor Angélique Willkie, performers were encouraged to respond to the artworks displayed in the Making Spaces exhibition through movement and gesture. Selected performances will be presented in dialogue with the respective artworks every Thursday, from 5 to 7 p.m. This cross-disciplinary initiative seeks to stimulate collaboration between visual and dance artists, and envision the ways in which various contemporary art forms can develop alongside one another.