ratsdeville

JOSEPH TISIGA + LUC PARADIS @ parisian laundry

20 oct au 18 nov | Oct 20 to Nov 18
vernissage 19 oct 18h00 | Oct 19 ~ 6:00PM
parisianlaundry.com

 

JOSEPH TISIGA
« IBC: DYSTOPIC AUTONOMY »
Commissaire : Ben Diaz

Joseph Tisiga, Impractical but Necessary, 2017, aquarelle sur papier, 22 x 30"

Une série de tableaux sur toile non tendue représentent des personnages tirés des célèbres bandes dessinées Archie, en pleine interaction avec des clichés de la culture autochtone. Les aquarelles font référence à une légende de la nation Kaska qui évoque une bête mythique mangeuse d’hommes, le déguisement et la transformation. La légende est ici réinterprétée dans des stationnements, en graffiti sur un mur de briques, et dans une exhibition inconfortable de parties génitales. Du gazon artificiel, des intermédiaires de transmission, les victimes de la méthode heuristique sont dévoilées. Les œuvres assemblées pour IBC: Dystopic Autonomy poursuivent la réflexion de Joseph Tisiga sur l’histoire, les identités hybrides et sur sa mythologie personnelle en constante évolution. Ses œuvres combinent des images inspirées par les influences sociales et philosophiques qui teintent le point de vue de l’artiste. Ultimement, le travail de Tisiga manifeste un intérêt indéniable pour les nouvelles approches narratives, en privilégiant toujours un angle atypique.

A series of paintings on un-stretched canvas portray characters from the iconic Archie comic books interacting with representational tropes of indigenous culture. Watercolours reference a Kaska folk legend that features a man-eating mythical beast, disguises and transformation, reinterpreted here in paved car lots, spray painted on brick walls, and in awkward displays of genitalia. Astroturf makes an appearance. Transmissions of proxy occur. And, the casualties of heuristics are revealed. In the works assembled for IBC: Dystopic Autonomy Joseph Tisiga continues to reflect on history, hybrid identities and an evolving personal mythology. His work combines imagery inspired by social and philosophical influences that have shaped his perspective. Ultimately, Tisiga’s work reflects a love of new approaches to storytelling; the more unconventional, the better.

 

LUC PARADIS
« WIPE THE DUST FROM YOUR MIRRORS »

Luc Paradis, I hear a new world calling me, 2017, acrylique sur panneau de bois, 42 x 54"

Le visiteur qui découvre Wipe the Dust From Your Mirrors est une fois de plus plongé dans une représentation à travers l’approche holistique de l’artiste quant à la création d’expositions. Paradis a enveloppé le bunker d’un rideau soyeux, qui rappelle les lieux de théâtre et de performances. Ses toiles reposent sur des chevalets perpendiculaires qui surgissent des murs, comme des marionnettes manipulées par une force inconnue, dissimulée derrière le rideau. Leurs imageries statiques semblent prendre vie grâce à la perception de mouvement suggéré par la théâtralité de cette installation. Une tête grandeur nature tourne sans cesse sur son socle, évoquant la nature cyclique et persistante de la scène. En se déplaçant dans l’espace, on constate que les œuvres récentes de Paradis représentent des êtres pris dans des non-espaces irréels, des êtres hybrides parfois sans visage ni genre, des figures qui ne se situent nulle part, qui ne sont ni l’un, ni l’autre, et qui représentent une certaine liberté, ou une totale négation de la spécificité.

In Wipe the Dust From Your Mirrors, the viewer is once again fully immersed into a scene through the artist’s holistic approach to exhibition making. Paradis has enveloped the bunker in a soft curtain suggesting the space of a theatre or performance. His canvases are installed on perpendicular stands that extend from the walls as if they were puppets to be manipulated from some unknown force behind the curtain. Their static imagery becomes activated by a sense of the potential for movement through this looming installation that heightens the notion of the theatrical. A life size head on a tall plinth rotates endlessly in the gallery space, prompting the scene in its persistent circular cycle. Moving across the room, we see that Paradis’ recent works represent beings in surreal non-spaces, at times they are faceless, genderless and hybrid, these figures are neither here nor there, one or the other, they represent a certain freedom or negation of specificity. As with surreal gestures of the past, Paradis offers the viewer moments of dreamlike projection onto bodies and imaginary places.  

ANNIE BAILLARGEON @ d'este

« COSMOLOGIE DES CHAMBRES »
jusqu'au 1 oct | until Oct 1
galeriedeste.com

Chambre 2, 2017 impression numérique et aquarelle, 102 x 127 cm. Photo : Étienne Boucher

À l’abri du bruit, l’artiste se retrouve seule pour créer. Jour après jour, elle entre dans son atelier à la recherche de sens et de beauté, et c’est à partir de sa solitude que le travaille commence. Pourtant, cette solitude cherche à briser son propre isolement. L’artiste ne cherche jamais son propre reflet. Là, dans cet endroit qui la confine, elle ouvre, en creux, un monde qui la dépasse. L’expérience qu’elle nous partage est celle d’une ouverture. Plus elle creuse cette expérience, plus l’artiste s’efface en laissant place à l’autre ; à son regard, à sa propre lecture et à ses rêves. Ce qui apparaît dans la Cosmologie des chambres est cette ouverture par laquelle on peut se rejoindre et rêver ensemble un monde ouvert, comme des insomniaques du jour.

Sheltered from the noise, the artist finds herself alone to create. Time after time, she enters her studio in search of meaning and beauty. Every time, her work starts with solitude. However, this solitude tries to break its isolation. The artist is not looking for her own reflection. There, in that secluded space, she opens a world that transcends her. This opening is the experience that she is sharing with us. The more she delves into this experience, the more she sinks into it and disappears, leaving room for the other: its gaze, its perspective and its dreams. What Cosmologie des chambres exposes is this opening in which we can meet and dream together of an opened world, like daytime insomniacs.

Les dessins de l'éditeur | The editor's drawings

Je vous invite à visionner mes dessins sur Habaku ! Neuf tirages de deux collections, Chakras et Déités. Vous pouvez également lire la petite histoire sur mon parcours et ma pratique de dessin ici, sur ericbolduc.xyz ;)

Éric Bolduc, Rahula, 2015, feutre et aquarelle – tirage numérique, jet d’encre sur papier 100% coton

Check out my drawings on Habaku! Nine prints from two collections, Chakras and Déités. You can also read the story (in French) behind my drawing practice on ericbolduc.xyz. Cheers!

GEIST : LA PRÉSENCE REPRÉSENTÉE @ laroche/joncas

Commissaire : Christian Messier
jusqu'au 3 juin |until June 3
vernissage 6 mai 15h00 | May 6 ~ 3:00PM
larochejoncas.com

Isabelle Demers, Amazone, 2017, pyrogravure et aquarelle sur papier, 78 x 109 cm. Photo: Étienne Boucher

ISABELLE DEMERS - ISABELLE GUIMOND - GABRIELLE LAJOIE-BERGERON - GABRIEL MOREST - FRANCIS MONTILLAUD - ÉLISE PROVENCHER - SOPHIE LATOUCHE

Je regarde des œuvres de Marlene Dumas dans un livre. Je suis frappé, comme chaque fois que je vois une représentation de l’être humain, par une espèce de profondeur, comme si au-delà de la figure, il y avait autre chose; un genre de « je ne sais quoi ». On dirait quasiment, comme moi, que le sujet est conscient de lui-même et de son environnement. Cette impression se situe possiblement dans la même famille que l’effet de profondeur provoqué par la perspective. En effet, selon le neurophysiologiste Alain Berthoz, le cerveau aurait la capacité de recréer virtuellement l’espace sous différents points de vue sans même que nous ayons à nous déplacer. Cette faculté aurait selon lui des liens neurologiques évidents avec l’empathie qui, étant la capacité à se mettre à la place d’autrui, nécessiterait aussi un changement de point de vue et donc, activerait des régions similaires du cerveau.

CÉCILE RONC @ chapelle du bon-pasteur

« À CHEVAL SUR MES SOIFS »
1 avril au 14 mai | April 1 to May 14
vernissage 1 avril 13h00 | April 1 ~ 1:00PM
ville.montreal.qc.ca/chapellebonpasteur

À cheval sur mes soifs, 2016, aquarelle sur papier arches, 56 x 76 cm

À cheval sur mes soifs, ces quelques mots empruntés au texte d’Anne Marbrun À port perdu, me paraissent être une belle allégorie du désir ; soifs de nouvelles formes, de nouvelles terres, soifs de nouvelles tâches, de nouvelles traces. Dans cette présentation de mes premières aquarelles, je poursuis en milieu aqueux ma lente et sinueuse exploration vers ce que j’aime appeler un géonirisme : l’exploration des liens pouvant se nouer entre les qualités sensibles de la nature et leur résonance en nous, l’exploration de la façon dont « le paysage donne à penser et dont la pensée se déploie comme paysage. »¹

NELSON HENRICKS + JIM HOLYOAK @ optica

28 jan au 25 mars | Jan 28 to March 25
vernissage 28 jan 15h00 | Jan 28 ~ 3:00PM
optica.ca

 

NELSON HENRICKS
« LIFE SESSION »

Nelson Henricks, Life Session, 2016, film 16mm, 2 minutes 30 secondes

L’installation de Nelson Henricks emprunte son titre au film Falcon no 615 intitulé Life Session (1977). Falcon Entertainment, également connu sous le nom de Falcon Studios, est basé à San Francisco, en Californie. Fondée par Chuck Holmes en 1971, l’entreprise Falcon Studios est l’un des plus grands producteurs de pornographie gaie au monde. Dès le début des années 1980, la compagnie s’est démarquée comme chef de file à une époque où diffuser de la pornographie constituait un délit. Holmes a soutenu activement la politique tant sur le plan local que national, ayant même contribué au financement de la campagne présidentielle de Bill Clinton dans les années 1990.

Nelson Henricks installation takes its title from Falcon Film #615, Life Session (1977). Falcon Entertainment – also known as Falcon Studios – is based in San Francisco, California. Founded by the entrepreneur Chuck Holmes in 1971, Falcon Studios is one of the world’s largest producers of gay porno- graphy. By the early 1980s, it had distinguished itself as a frontrunner at a time when distributing pornography was a criminal offence. Holmes was active in supporting politics at a local and national level, even helping to finance Bill Clinton’s presidential campaign in the 1990s.

 

JIM HOLYOAK
« BOOK OF NINETEEN NOCTURNES »

Jim Holyoak, Book of Nineteen Nocturnes, 2002-2016, conte illustré, 500 pages, divisé en 19 feuillets reliés en accordéon, encre de Chine, graphite, aquarelle, impression jet d’encre et collage sur papier, 30,48 x 43,18 x 30,48 cm

Animal nocturne et passablement solitaire, Jim Holyoak travaille comme le chat maraude : sous la bienveillance des étoiles, dans un silence ponctué de déplacements feutrés, en synchronie avec les ombres. Il laisse généralement derrière lui d’impressionnantes fresques murales où foisonnent d’étranges formes de vie, suspendues entre le temps profond de la terre et un imaginaire qui demeure à venir, où fermentent les potentialités du vivant. Son univers pictural traduit une fascination empathique envers toute forme de vie—disparue, actuelle ou imaginée—et une volonté d’en sonder l’étrangeté inhérente.

An inveterate night-owl and somewhat of a loner, Jim Holyoak works like a prowling cat: in tune with the shadows, his muffled movements hardly breaking the star-lit silence. In his wake, one usually finds formidable mural frescos bustling with curious life forms, suspended between terrestrial deep time and imagined future configurations rising from the ferment of life’s potentialities. His pictorial universe translates a fascinating empathy for all forms of life—extinct, current, and imagined—and a willingness to plumb their inherent strangeness.

JASWANT GUZDER @ mcclure

« NAVIGATING EAST WEST HYBRIDITIES »
3 au 23 juin | June 3 to 23
visualartscentre.ca

Passages (détail), 2005, livre accordéon, encre et aquarelle, 15x10 cm plié

Cette exposition présente un grand nombre d’œuvres sur papier créées dans l’espace de plusieurs années par Jaswant Guzder, artiste, écrivaine, psychiatre et psychanalyste internationalement reconnue. L’art de Jaswant Guzder est intuitif et expressif. Elle emploie des moyens très simples : l’encre, l’aquarelle, les pinceaux et le papier. À ces derniers, elle ajoute à quelques occasions le collage. Sporadiquement, elle travaille sur des toiles de grandes dimensions. Peu importe le type de surface, les médiums fluides que sont l’encre et l’aquarelle conviennent parfaitement à l’articulation d’un monde qui sort de l’ordinaire, sorte de royaume psychique aqueux où la constante métamorphose du soi provoque un relâchement des frontières.

This exhibition showcases a large number of works on paper created over several years by Jaswant Guzder, artist, writer, internationally renowned psychiatrist and psychoanalyst. Guzder’s art is intuitive and expressive. She employs the simplest of means: ink, watercolour, brushes and paper.  To these she may add collage. Intermittently, she works on large canvas.   Regardless of surface, the fluid mediums of ink and watercolour are perfectly suited to the articulation of a world beyond the ordinary, a watery psychic realm where boundaries are loosened as the self shifts in constant metamorphosis.

NADINE FARAJ + SÉBASTIEN WORSNIP @ joyce yahouda

8 juin au 16 juillet | June 8 to July 16
vernissage 8 juin 16h00 | June 8 ~ 4:00PM
joyceyahoudagallery.com

 

NADINE FARAJ
« THE WHOLE WORLD HAS GONE JOYOUSLY MAD »

Nadine Faraj, Carré Rouge N.1, 2016, aquarelle sur papier, 76 x 56 cm

Composée d’aquarelles et de sculptures, The Whole World Has Gone Joyously Mad est une installation de Nadine Faraj inspirée par des femmes activistes qui utilisent leur nudité comme arme pour manifester. Un choix vu par l’artiste comme le moyen pour ces femmes d’attirer l’attention pour la cause pour laquelle elles se battent, mais qui les rend aussi plus vulnérables aux atteintes d’un public souvent déjà hostile à leur présence et leur manière de procéder.

Composed of watercolors and sculptures, The Whole World Has Gone Joyously Mad is an installation by Nadine Faraj, inspired by female activists who use their nudity as a means to protest. According to the artist, this is a way for these women to draw attention to the cause they are fighting for. However it also makes them more vulnerable to the possible reactions of the public, often already hostile to their presence and their tactics.

 

SÉBASTIEN WORSNIP
« REAL MEN DON’T LOOK AT EXPLOSIONS »

Sébastien Worsnip, Piège de Crystal, 2016, acrylique sur toile, 131 x 162 cm

La série de peintures qui compose l’exposition Real Men Don’t Look at Explosions de Sébastien Worsnip se focalise sur la notion même d’explosion, fixant l’instant où tout est bousculé et restructuré pour permettre l’observation du changement. Les peintures de l’artiste évoquent un paradoxe : celui de représenter la violence soudaine de l’explosion grâce à une technique lente et maîtrisée, faisant de celle-ci la source de la transformation.

Sébastien Worsnip’s series of paintings presented in the exhibition Real Men Don’t Look at Explosions depicts moments of explosion, focusing on the instant where all is in flux in order to observe the transformations. The artist's paintings evoke a paradox in representing the violence of the explosive moment - the source of the transformation - through a slow and controlled technique.

MARIGOLD SANTOS @ d'este

« GATHERER »
7 avril au 1 mai | April 7 to May 1
vernissage 7 avril 17h00 | April 1 ~ 5:00PM
galeriedeste.com

Marigold Santos, shroud (crouching sitting), 2016, encre sur papier, 33 x 25.5 cm

Rassembler, c'est prendre les éléments, les réunir, faire un tout.
Rassembler les idées, l'information, l'expérience, les objets, les croyances, les rituels, les individus pour créer un ensemble, pour donner un sentiment de pouvoir.
Le rassembleur est un collectionneur, un philosophe, un artiste.
- Marigold Santos

Dans ce nouveau corpus constitué de dessins à l'encre, l'artiste aborde le thème de l'identité qui se construit, se transforme et se multiplie. La pluralité et la fragmentation sont au coeur de ses préoccupations. Intéressée par l'action de collectionner et de réunir les éléments, démarche en constante mouvance parfois empreinte d'ambiguïté, elle choisit de laisser voir les étapes de la création. Les titres de même que les oeuvres composées d'objets, de parties anatomiques, de végétaux et d'animaux réfèrent au monde physique et matériel tout en invitant au symbolisme et à la narration. Explorant l'hybridation de l'aswang, créature issue du folklore philippin, l'artiste porte notre attention vers ce qui est partiellement dissimulé, vers cette deuxième peau qui s'offre à l'interprétation. Le travail de Santos soulève plus de questions que de réponses, guidant le spectateur vers des significations multiples et intangibles, sans pour autant faire taire ce désir incessant qui le pousse à vouloir démystifier l'incompréhensible.

To gather is to pick up the pieces, putting pieces together, to make whole.
Gathering ideas, information, experience, objects, beliefs, rituals, individuals to create mass, to empower.
The gatherer is a collector, is a philosopher, is an artist.
- Marigold Santos

With this new body of ink drawings, Santos explores how identity is created, transformed, and multiplied. Plurality and fragmentation are at the heart of her practice. The artist allows the viewer to follow her through the action of collecting and bringing together disparate elements, a subjective and at times ambiguous process. The works are composed of objects in part anatomical, vegetable, and animal, with titles evoking at once the material world and the spiritual realm of symbolism and narrative. Through the hybridity of the aswang, a folkloric creature of the Philippines, Santos brings the viewer's attention to that which is partially hidden, to a second skin of interpretive possibilities. The artist's work offers more questions than answers, guiding the viewer toward meanings both multiple and intangible, enticing rather than satisfying the urge to demystify the unknown.

FUTURS IMAGINÉS @ stewart hall

Commissaire : Manel Benchabane
23 jan au 6 mars | Jan 23 to March 6
vernissage 24 jan 14h00 | Jan 24 ~ 2:00PM
ville.pointe-claire.qc.ca/galerie-d-art-stewart-hall.html

 

ANA REWAKOWICZ

Ana Rewakowicz, LSS (Life Support System). Photo : Galerie B312

 

DANIEL CORBEIL

Daniel Corbeil, Arthropolis, 2007-09. Photo : Guy L’Heureux

 

TRISTRAM LANSDOWNE

Tristram Lansdowne, Observatory, 2010

 

THOMAS KNEUBUHLER

Thomas Kneubuhler, Substation, 2011

 

D’abord un genre littéraire, le sujet de l’utopie a été exploité dans différentes disciplines artistiques, devenant un outil permettant aux artistes d’inventer des géographies imaginaires et des sociétés idéales. L’utopie émerge en général de problèmes profonds et bien réels et elle critique l’ordre social dans une volonté de réforme. Elle s’allie au désir de créer un monde meilleur, présentant des solutions et des futurs imaginés, très souvent magnifiques, la plupart du temps irréalisables, mais teintés de beaucoup d’espoir.

Formerly a literary genre, the notion of utopia has been mined by various art forms, becoming a tool with which the artists could fashion imaginary geographies and ideal societies. Utopias generally stem from very real underlying social problems as a means to criticize the status quo and bring about reform. Usually coupled with a desire to create a better world, utopias present solutions or imagined futures that are often magnificent and – though seldom viable – always tinged with hope.