ratsdeville

CHROMATIC @ sat

MASSIV art présente « CHROMATIC – 360° SUR L’ART »
25 et 26 mai | May 25 and 26
sat.qc.ca

Pour sa troisième édition, Chromatic élève son offre artistique d’un cran et accueille plusieurs nouveautés. On prolonge le plaisir : l’unique journée des dernières éditions se transforme en festival de deux jours. Avec plus de 150 artistes, l’événement n’a jamais compté autant de créateurs de talent. La programmation artistique, chapeautée par Kristian Manchester (Sid Lee), Jean-Sébastien Baillat et Guillaume Cardell (Baillat Cardell & Fils), Andrew Ly et Melissa Matos (TRUSST), Francis Théberge (TiND) et Ximena Becerra, rassemble plusieurs acteurs importants de la scène artistique locale et internationale, notamment, Julien Vallée, Vincent Morisset, Richard Bernardin, Simon Beaudry, Thibaut Duverneix, Rafael Sottolichio et Catherine D’Amours. De son côté, le volet musical, assuré par M pour Montréal et Scène 1425, présente des groupes comme Suuns, Mozart’s Sisters, CLAASS, Cosmetics, Le Matos, Kaytradamus ainsi que plusieurs autres pointures de la scène locale.

PHILIPPE HAMELIN & JULIE TREMBLE @ dazibao

« LA FONTAINE ET LA CHUTE »
jusqu'au 9 juin | until June 9
Salle Fernand-Seguin de la Cinémathèque québécoise
dazibao-photo.org

Fascinés par l’émotion et le pixel (entre lesquels s’établit un lien quasi sémantique, le pixel étant la plus petite surface homogène constitutive d’une image enregistrée par un système informatique et pouvant être transmise), Philippe Hamelin et Julie Tremble dépeignent à travers leurs œuvres des états émotifs exacerbés dans une surabondance d’effets visuels, où le naturel, se jouant des paradoxes, jaillit de constructions artificielles.

Fascinated by emotions and pixels (between which there is an almost semantic link, the pixel being the smallest homogeneous surface forming part of an image recorded by a computer system capable of being transmitted), the work of Philippe Hamelin and Julie Tremble depicts aggravated emotional states in an overabundance of visual effects in which the natural, paradoxically, arises out of artificial constructions.

SIGHT & SOUND @ eastern bloc

« SYSTÈMES SYMÉTRIQUES »
23 au 27 mai | May 23 to 27
vernissage 23 mai 20h00 | May 23 ~ 8:00PM
easternbloc.ca

Sight & Sound est un festival annuel visant à rassembler les artistes des nouveaux médias canadiens et internationaux. Le festival, qui en est présentement à sa quatrième édition, dévoile l’effort des artistes audio et vidéo ainsi que celui des artistes pratiquant les divers modes de production numérique en se concentrant sur la performance audio/visuelle, l’installation audio/visuelle et les pratiques interactives.

Sight & Sound is an annual festival aimed at bringing together Canadian and international New Media artists. The festival, currently in its fourth year, showcases the effort of sound and video artists, as well as other modes of digital production with a focus on live audio/visual performance, audio/visual installation and interactive systems-based practices.

COMPLOT 9 @ cercle carré

« GRAVITÉ / GRAVITER »
18 au 21 mai | May 18 to 21
vernissage & lancement 18 mai 19h00 | May 18 ~ 7:00PM
cerclecarre.coop

Joyce Harmony et Charles-Antoine Blais Métivier

Dans le turbulent contexte de la grève étudiante.

Arpentant les lieux vacants, les parcs fréquentés, les routes de quartiers et les autoroutes au volant d’un camion de déménagement, les artistes de Complot ont réalisé une série d’actions et d’interventions publiques dans la ville de Montréal et ses environs entre le 1er et 13 avril. Au total, dix projets se sont déployés dans l’espace public, questionnant la notion de gravité par des postures artistiques aussi diverses que singulières. À la suite de cette friction de l’art à la réalité urbaine se sont révélées des tendances vers l’élaboration de mises en scène, d’infiltrations clandestines, de microfictions anecdotiques, de rituels factices et d’utopies frivoles. D’autres investissent les lieux tels des aires de jeu ou des territoires empreints d’une réalité historique, sociale et politique. Dans cette exposition, les artistes proposent un deuxième regard sur leurs productions. Sculptures, photographies et vidéos d’art se présentent comme des œuvres autonomes qui prolongent et commémorent les interventions ponctuelles ayant gravité dans l’espace public.

PERTE DE SIGNAL @ joyce yahouda

« CONFLUENCE »
en partenariat avec : Biennale internationale d'art numérique
3 mai au 2 juin | May 3 to June 2
vernissage 5 mai 16h00 | May 5 ~ 4:00PM
joyceyahoudagallery.com

François Quévillon, Dérivées locales, 2012, Animation 3D avec son, 27 min 30 sec.

JASON ARSENAULT - MYRIAM BESSETTE - ROBIN DUPUIS - FRANÇOIS QUÉVILLON - NELLY-ÈVE RAJOTTE - PAVITRA WICKRAMASINGHE

CONFLUENCE est une exposition collective marquant 15 ans de création numérique au centre d’artistes Perte de Signal. Elle rassemble des œuvres à caractère vidéographique, réalisées pour l’occasion, par six artistes membres de Perte de Signal. Les œuvres présentées se rejoignent toutes dans leur façon d’investir la plasticité de l’espace propre à la vidéo numérique, c’est-à-dire un espace où, une fois traitées et « maltraitées » au montage, le flux des images en mouvement et celui des ondulations sonores s’enroulent, s’entrecoupent et se tiraillent. Le support vidéo fait ici office de liant afin de mettre en relief une diversité d’approches vidéographiques, de la modélisation 3D à la captation statique en plan-séquence, privilégiant, selon le cas, l’utilisation de sons concrets ou de synthèse.

CONFLUENCE is a group exhibition that marks 15 years of digital creation at Perte de Signal. The video-based works it presents were produced for the occasion by six of the art centre’s member artists. Each in its way, these works invest the characteristic spatial plasticity of digital video, a space in which, once edited and “processed,” the flows of moving images and of audio modulations wind about, interact, and tug at one another. The video support serves as a binder to highlight a variety of video practices, from 3D modeling to the static capture of shot sequences, using concrete or synthesized sound, as the case may be.

M-KOS : collapsing foundations – in conversation with Haig Aivazian

Haig Aivazian, Collapsing Foundations, 2010-Ongoing. Courtesy the artist and Parisian Laundry

Beirut-born, NY-based artist and curator Haig Aivazian is now showing his ongoing project at Parisian Laundry’s bunker space. “Collapsing Foundations” is a multi-part project comprised of written text, sculpture, drawing, video and a lecture performance, all of which seek to answer the following question: Can one erect a monument to an individual who has already erased the traces of his life’s work? Initiated from the CAD drawings of the artist’s late architect father, Aivazian here evaluates the potentials of languages and materiality, examines the notion of legacy and explores the relationships between private and public, through a wider body of research and various forms of presentations. M-KOS interviewed Aivazian during the opening of his exhibition.

M-KOS : How did “Collapsing Foundations” start off?

Haig Aivazian : I’ve been thinking about this project for several years now. Initially it was a fairly academic paper that I wrote. I had these drawings my father had done that I needed to do something with. I knew there was a potential in them but I wasn’t quite sure what to do with them. I wanted to explore the lines, explore them almost formally. I was thinking about drawing parallels between the collapse of a building and the collapse of a body, but mostly I was interested in the collapse of language in these moments: At the approach of death, what happens to language? What happens when we speak? What is our relationship to death as we speak? So I got interested in this idea of the very act of speaking, as an effort to ward off death. But the more we spoke, the more we are approaching death. So those are some of the ideas at the beginning point.

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GREGORY CHATONSKY @ fta

« DANCE WITH ME »
15 au 25 mai | May 15 to 25
Place des Arts : Espace Georges-Émile-Lapalme

Installation interactive, photographies / Programmation / Software: Vadim Bernard

Dance with me est constitué de 157 vidéos récupérées sur Youtube. Ce sont de jeunes américaines qui se sont filmées en train de danser sur la même chorégraphie R’n’B. Si le visiteur est muni d’un lecteur MP3, il peut le brancher sur l’installation. Les jeunes femmes dansent alors sur la musique qu’il a choisi, elles en suivent exactement le rythme et le volume.

Dance with me is made of 157 videos taken from Youtube. Every video shows a young American woman interpreting the same R’n’B choregraphy. If a visitor has a MP3 player, he can connect it to the set up. The young women then start to dance on the selected music and follow exactly its rhythm and volume intensity.

JOHN BOYLE-SINGFIELD @ eastern bloc

« PLAYTIME IN NO PARTICULAR ORDER »
18 avril 19h00 | April 18 ~ 7:00PM
easternbloc.ca

L'artiste utilise un large éventail de médias incluant entre autres la vidéo et la peinture. Il met en écho la place de ces médias dans un monde saturé par les contenus à l’heure du média global qu’est Internet. L’artiste s’engage dans plusieurs stratégies, notamment l’appropriation, et travaille sur la notion de « non-auteur » dans ses productions artistiques. Fidèle à sa mission, ce Salon : Data présentera un panel d’œuvres, dont certaines très récentes, et qui seront accompagnées d’un échange libre entre l’artiste et le public.

Boyle-Singfield makes use of a large variety of mediums including video, painting and sculpture. His work questions the place these mediums occupy in a digital world where the Internet is the most predominant of mediums. The artist engages in a dialogue of appropriation and non-authorship throughout his artistic practice. Keeping with our mandate to present works in progress, Data : Salon will offer Boyle-Singfield an opportunity to discuss and propel his most recent projects.

MARIE-EVE FORTIER + AMY BALL @ les territoires

jusqu'au 21 avril | until April 21
lesterritoires.org

MARIE-EVE FORTIER « POINTS DE SUPENSION »

Points de suspension (détail), installation, bois, verre, miroirs, plexiglas, papier, 2010-2011

interlocuteur A : " Je crois qu'il s'agit d'un meurtre "
interlocuteur B : " Je pensais que nous parlions d'amour "

Des socles de bois, des plaques de verre et de miroirs. Entre celles-ci, des mots se tiennent. Des listes, principalement. Le jeu offert par les couches de verre et de miroir semble décupler la présence des mots. Décupler ou détourner ? La réflexion de chaque extrait de texte semble se mentir à elle-même... Il faut se déplacer autour des socles, changer de point de vue, fureter dans les interstices. On ne peut jamais avoir une vue d'ensemble; on ne peut que grappiller quelques indices.

1st Speaker: " I believe it's murder."
2nd Speaker: "I thought it was all about love."

Plinths, mirrors and glass plates. In between them, words. Lists to be exact. The effect created by the layers of mirrors and glass seems to multiply the presence of the words. Multiply or divert? The reflection of each text fragment appears deceitful. We must move and walk around the pedestals, change our point of view, search in between the interstices. We can never have a complete overview; we can only gather clues.

AMY BALL « JANE YOUNGBLOOD »

Explorer I, collage sur papier aquarelle, 11x14 pouces, 2011

Jane Youngblood est un corpus performatif produit en réponse à l'expérience du paysage par l'artiste. Née d'un désir de mieux comprendre la relation entre les femmes et le territoire qu'elles habitent, Jane Youngblood, alter ego de l'artiste, est construite comme un amalgame d'exploratrices qui ont laissé leur marque dans la région du parc National de Banff et du parc National de Kananaskis lors du siècle dernier. Amy Ball s'approprie et interprète leur parcours et l'histoire qui les entourent par un travail de vidéo, de dessins et de collage. Dessinée à partir de documents d'archives, Jane Youngblood devient un moyen pour l'artiste d'explorer la réalité de ces femmes et leur expérience de leur environnement.

The exhibition Jane Youngblood is a performative body of work created in response to the artist's personal experience of landscape. Founded in a desire to understand women and how they relate to land and location, Jane Youngblood, the artist's alter ego, takes form as an amalgam of female explorers who have thrived in the Banff and Kananaskis National Parks throughout this past century. Through Jane, Amy Ball appropriates their journey and their stories that she translates into video, drawings and collage. Drawn from archival documentation, Jane Youngblood is a way for the artist to explore the realm of these women and their relationship to the environment.

ABBAS AKHAVAN + PEDNEAULT & O'DWYER @ fonderie darling

jusqu'au 27 mai | until May 27
fonderiedarling.org

ABBAS AKHAVAN « BEACON »

Pour sa première exposition solo à Montréal, l’artiste torontois Abbas Akhavan propose de transformer l’architecture caractéristique de la Fonderie Darling afin d’en offrir une expérience unique aux visiteurs. Les deux œuvres sculpturales présentées, hautement symboliques, sont insufflées d’une certaine vulnérabilité qui appelle à une contemplation intelligente et subtile. Fidèle à son travail antérieur, l’artiste y explore les notions de la désolation, de l’aliénation et du conflit, sous la résonnance des thèmes du territoire et du pouvoir. Dominant l’installation, un énorme ballon à air chaud se trouve initialement affaissé au sol, puis il est gonflé de façon à graduellement remplir l’espace, avant de s’affaisser de nouveau. Ce cycle n’est pas sans évoquer le lever et le coucher du soleil, le ronflement d’un orgue, voir un souffle inhalé puis exhalé. Pourtant, le dirigeable est marqué par la désuétude; il n’atteint jamais sa pleine capacité, sa fonction première.

 

JOSÉE PEDNEAULT & MOLLY O’DWYER
« LES CONCORDANCES DU TEMPS »

Au cœur de l’exposition Les concordances du temps se trouve une installation vidéo de grande échelle conçue pour explorer les liens qui unissent les pratiques artistiques de la photographe Josée Pedneault et de l’artiste multidisciplinaire Molly O’Dwyer. Cette œuvre, le fruit d'un travail collaboratif effectué dans le cadre d’une résidence en Islande en août 2011, a vu le jour suite à une rencontre entre les deux artistes qui avaient toutes deux, par pur hasard au cours de la même soirée, filmé le volcan de Snæfellsnes à partir des deux extrémités de la côte de Reykyavik. Leurs deux vidéos ont alors capté l’évolution de la lumière du soleil et offrent ainsi une lecture temporelle du lieu. Projetées l’une sur l’autre, ces vidéos illustrent à la fois les points de vue divergents qu’ont les deux artistes de ce même site et les liens esthétiques qui les unissent. L'exposition présente également des œuvres individuelles des deux artistes qui, réunies pour la première fois, révèlent la qualité poétique inhérente à leur travail.