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Art market

One of four versions of Edvard Munch’s masterpiece The Scream, (pastel, 1895) fetched $119,9M (Sale price $107M + the buyer’s premium) at Sotheby’s New York on 2 May, a record for auction history. The sale was dominated by two telephone bidders, over a tense ten minutes period. Sotherby’s auctioneer Tobias Meyer was caught exclaiming “I love you!” to one phone bidder when prices soared up to $106M. You can watch an excerpt here. We are all curious to know who won the bidding match for the most expensive artwork ever sold at auction. Petter Olsen, the seller of the painting personally hoped the bidding winner to be MoMA NY…

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PAPIER12 @ place des spectacles

13 au 15 avril | April 13 to 15
vernissage 13 avril 18h00 | April 13 ~ 6:00PM
Place des Festivals, coin Bleury & De Maisonneuve
papiermontreal.com

photo : Alana Riley

PAPIER12 offre la chance de découvrir plus d'un millier d’œuvres d'art produites par des centaines d'artistes, en l’espace de trois jours. Dans le cadre de son cinquième anniversaire, la foire présentera le papier sous toutes ses formes : gravure, dessin, photographie, sculpture, installation, performance, etc. Nous vous invitons à venir découvrir la vigueur de la scène culturelle montréalaise en vous immergeant dans la richesse et la diversité de l'art contemporain, présenté par des galeries provenant de partout au Canada.

PAPIER12 offers the chance to discover over a thousand artworks produced by hundreds of artist all in three days. For its fifth anniversary, the fair will showcase paper threw all types of different forms: print, drawing, photography, sculpture, installation, performance, etc. We invite you to come discover the strength of Montreal’s cultural scene by immersing yourself in the richness of contemporary art presented by galleries from all over Canada.

IANIK MARCIL ~ trahit sua quemque voluptas

NB: Cette chronique est la septième d'une série de réflexions que je consacre à l'histoire de l'économie politique des arts et de la culture:

Penser l'économie des arts (présentation du projet)

1. Le Beau politisé (Platon et Aristote)
   
2. Le paradis sur Terre (la Renaissance et Bernard de Mandeville)
   
3. Les passions partagées (David Hume et le 18e siècle)
   
4. L'artiste contre l'industrie (Adam Smith et l'utilité économique de l'art)
   
5. L'empathie du spectateur impartial (Adam Smith et le partage de l'expérience esthétique)
6. Lumières des arts (Turgot et le rôle de l'État)
   

Dans sa Lettre à d'Alembert sur les spectacles, Jean-Jacques Rousseau écrit:¹

Le bon emploi du temps rend le temps plus précieux encore, et mieux on le met à profit, moins on en fait trouver à perdre. Aussi voit-on constamment que l'habitude du travail rend l'inaction insupportable, et qu'une bonne conscience éteint le goût des plaisirs frivoles: mais c'est le mécontentement de soi-même, c'est le poids de l'oisiveté, c'est l'oubli des goûts simples et naturels, qui rendent si nécessaire un amusement étranger. [...] L'on croit s'assembler au spectacle, et c'est là que chacun s'isole ; c'est là qu'on va oublier ses amis, ses voisins, ses proches, pour s'intéresser à des fables, pour pleurer les malheurs des morts ou rire aux dépens des vivants. [...] Il faut, pour [plaire au peuple], des spectacles qui favorisent leurs penchants, au lieu qu'il en faudrait qui les modérassent.

Jean-Baptiste Greuze (1725–1805), Portrait de René-Louis de Girardin avec le buste de Jean-Jacques Rousseau

"Trahit sua quemque voluptas," précise-t-il. Chacun est entraîné par ses goûts, par ses penchants, par ses plaisirs.²

Il se trouve dans cet ouvrage de Rousseau, et même dans ce court passage, le concentré des rapports problématiques qu'entretiennent les penseurs du 18e siècle avec le rôle des arts dans la société (et dans le système politique et économique). Il y a chez Rousseau, mais chez plusieurs philosophes politiques du 18e siècle des échos de Platon qui excluait les arts "d'imitation" de sa Cité idéale pour leur capacité potentiellement destructrice de l'ordre politique et moral.³

Rousseau n'est pas isolé: à partir du moment où les penseurs sociaux de l'époque cherchent à intégrer les arts et la culture dans leur réflexion politique et économique, ils se heurtent à leur nature particulière. D'abord par les interactions complexes qu'ils entretiennent avec le pouvoir politique, économique et religieux. Mais aussi par leurs caractéristiques particulière en tant qu'objet marchand. Ces interrogations s'expriment à cinq niveaux et constitueront le fondement de l'analyse économique des arts jusqu'à aujourd'hui.

IANIK MARCIL ~ l'empathie du spectateur impartial

NB: Cette chronique est la cinquième d'une série de réflexions que je consacre à l'histoire de l'économie politique des arts et de la culture:

Penser l'économie des arts (présentation du projet)

1. Le Beau politisé (Platon et Aristote)
   
2. Le paradis sur Terre (la Renaissance et Bernard de Mandeville)
   
3. Les passions partagées (David Hume et le 18e siècle)
   
4. L'artiste contre l'industrie (Adam Smith et l'utilité économique de l'art)
   

Auteur des Recherches sur la nature et les causes de la richesse des nations¹, Adam Smith (1723-1790) est pour cela reconnu comme celui qui a marqué l'histoire de la pensée économique par la conceptualisation de la théorie de la main invisible. Cette théorie, qui n'est pas grand chose de plus qu'une simple métaphore pour illustrer l'émergence de l'ordre social créé par l'action isolée et non concertée d'individus agissant dans leur propre intérêt:² 

En préférant le succès de l'industrie nationale à celui de l'industrie étrangère, il [l'individu] ne pense qu'à se donner personnellement une plus grande sûreté ; et en dirigeant cette industrie de manière à ce que son produit ait le plus de valeur possible, il ne pense qu'à son propre gain ; en cela, comme dans beaucoup d'autres cas, il est conduit par une main invisible à remplir une fin qui n'entre nullement dans ses intentions ; et ce n'est pas toujours ce qu'il y a de plus mal pour la société, que cette fin n'entre pour rien dans ses intentions. Tout en ne cherchant que son intérêt personnel, il travaille souvent d'une manière bien plus efficace pour l'intérêt de la société, que s'il avait réellement pour but d'y travailler.³ 

Rembrandt, The spectacle-pedlar, circa 1624-1626

Ce concept, qu'on a voulu central dans l'œuvre de Smith, est, d'une part, marginal dans son édifice théorique et, d'autre part, pas suffisant pour rendre compte de sa vision des interactions économiques et sociales. L'idéologie libérale en a fait le principe central de la fixation des prix de marché: la main invisible smithienne serait ainsi le principe par lequel l'offre et la demande s'équilibrent sur le marché permettant aux agents économiques de fixer les prix et quantités de marchandises échangées. Bien plus, la poursuite des intérêts individuels permet à la fois l'harmonie de la société et son développement économique.

IANIK MARCIL ~ penser l'économie des arts

L'étude des arts et de la culture d'un point de vue économique possède un triple intérêt:

Artiste anonyme - Der Bilderhändler 19e siècle

1. Elle permet de mettre en lumière le rôle des arts dans la société d'une manière particulière. La sociologie étudie de façon approfondie le rôle des arts et de la culture dans la structuration sociale, ainsi que la place et la signification du rôle de l'artiste. En revanche, l'analyse économique des arts se restreint généralement à une seule question: l'impact économique de la production culturelle et artistique et, corolairement, le rôle de l'État dans leur soutien à des fins de développement économique. Pourtant, la pensée économique offre d'autres points de vue qui apporte un éclairage particulier au fonctionnement et à la dynamique du milieu des arts: valeur et prix des œuvres, comportement des amateurs d'art, problématique du métier d'artiste, etc.
2. Elle permet de faire des ponts entre deux sphères de l'activité humaine et d'en souligner les contradictions autant que les points communs. La créativité et l'innovation, par exemple, autant dans la production que dans la diffusion des œuvres artistiques a de tout temps influencé l'activité économique: technologies, marketing, etc. Étudier les dynamiques économiques des arts et de la culture permet de jeter des ponts entre les deux domaines du savoir et du savoir-faire humain.
3. À l'inverse, les artistes ont de tout temps porté un regard particulier sur la société et l'économie qui permet de les appréhender à travers un prisme tout à fait différent de celui des économistes et des sociologues. Étudier les arts d'un point de vue économique c'est aussi (ou cela devrait l'être) une manière d'enrichir et de bonifier l'appareil intellectuel des sciences sociales.

Dans les 30 chroniques qui ont précédé celle-ci, publiées depuis janvier 2011, c'est ce dialogue que j'ai tenté d'établir entre les arts (visuels) et la pensée économique. J'entreprendrai, à compter de la semaine prochaine, une série de chroniques dédiées à l'histoire de la pensée économique des arts et de la culture.

IANIK MARCIL ~ l'unique et sa propriété

Les mégavedettes de l'art contemporain, comme Jeff Koons ou Damien Hirst, emploient dans leurs ateliers des centaines d'assistants. Avec quelques 120 employés, l'atelier de Hirst peut être considérée comme une PME de taille respectable. Ils ne font pas exception, bien entendu. La plupart des artistes établis comptent de tout temps sur l'aide de collaborateurs.

Unknown miniaturist, Brussels Royal Library, deuxième moitié du 15e siècle

Un petit diaporama publié récemment sur un site populaire en recense une dizaine parmi les plus célèbres. J'ai été amusé de constater que sa diffusion sur les plateformes des médias sociaux ait suscité de nombreuses réactions outrées (on peut d'ailleurs en lire quelques unes du même ordre dans les commentaires sous le diaporama). Quoi? Ces artistes ne créeraient pas de leurs divines mains leurs propres œuvres? Le modèle maitre-apprenti existe pourtant depuis la nuit des temps et il a permis à de nombreux génies de produire des œuvres remarquables, aidés de leurs élèves et assistants.

IANIK MARCIL ~ Midas à l'encan

L'année 2011 aura été une année record pour le marché mondial de l'art, comme l'atteste une analyse de Beautiful Asset Advisors, LLC. Globalement, la valeur du marché de l'art, mesuré par l'indice "Mei Moses All Art," a augmenté de 11% l'an dernier. Cette performance dépasse largement celle des marchés boursiers. L'indice S&P500 d'actions américaines n'a augmenté que de 2% au cours de la même période. Depuis 10 ans, le marché de l'art a battu celui des actions boursières six années, enregistrant un rendement moyen de 7,8% contre 2,7% pour le S&P500. Bien plus, il est historiquement démontré que la valeur du marché de l'art est contrecyclique: lorsque les valeurs boursières sont déprimées, celles de l'art sont en hausse. On serait porté à croire que l'art agirait donc comme une "valeur refuge" pour les investisseurs.

Walter Crane, King Midas with his daughter, 1893, from A Wonder Book for Boys and Girls by Nathaniel Hawthorne

En réalité, il semble que nous vivions présentement un deuxième "boom" du marché de l'art, après celui du début des années 1980 (qui avait suivi, lui aussi, une sévère crise économique, après le deuxième choc pétrolier de 1979). Qu'est-ce qui a changé, depuis vingt ans?

IANIK MARCIL ~ sale temps pour l'apocalypse

En ce début de 21e siècle, les arts visuels devraient être apocalyptiques. Nous vivons des temps non pas apocalyptiques, mais catastrophistes. Le catastrophisme et l'eschatologie assurent la bonne hygiène du discours politique contemporain. L'incapacité des États à apporter une réponse rapide et efficace tant au réchauffement climatique qu'aux dérives sous-totalitaires des guerres locales constituent un vecteur de choix à la prolifération de ces idées (cf. Debray 2011).

Jacob de Backer - Memorial Triptych to Christopher Plantin. Central panel of the Last Judgment, c. 1580

Pourtant, les réponses des intellectuels en général et des artistes en particulier à ces réalités me paraissent singulièrement ténues et isolées. Le cyberpunk lui-même s'essouffle et se cherche; les dystopies paraissent ridicules face à la concrétisation des cataclysmes sociaux, politiques, économiques et écologiques actuels.

Les propositions des artistes visuels actuels se cantonnent à des zones locales de revendications et d'indignations. Bien sûr la fin des grandes narrations est consommée depuis une éternité. Évidemment l'universalisme des positions esthétiques a trépassé depuis belle lurette. Pourtant, l'appel d'air historiographique du catastrophisme nouveau devrait faire renaître le mouvement des contre-utopies, les visions ancrées dans l'histoire de notre situation actuelle qui semble, pourtant, inéluctablement participer d'un hyper-présent.

IANIK MARCIL sous le tapis ~ chronique

Le besoin et le désir

C'est le plus vieux métier du monde, dit-on. On le pratiquait déjà sans doute dans les grottes du paléolithique. Lascaux en garde incontestablement la trace. La mécanique est aussi vieille et bêtement commerciale. Il y a une offre et une demande. Entre les deux, le marketing. Puis un échange d'argent, une transaction. Le tout finalisé par la consommation.

Dirck van Baburen - The Procuress, 1622

Ah non, j'oubliais: il y a toujours un intermédiaire dans une transaction. Qu'il soit pimp, épicier, trader en bourse ou galeriste, peu importe, la structure demeure la même. L'intermédiaire facilite la transaction en rapprochant dans l'espace et dans le temps l'offre et la demande.

Les économistes ont cette caractéristique très amusante de parler de l'offre, de la demande et du marché comme si c'étaient des objets concrets et palpables qui existaient dans la réalité. Pourtant, après une quinzaine d'années de carrière comme économiste, je n'ai jamais vu une demande ou une offre se promener dans la rue. J'ai vu des individus vendre des marchandises ou des services et d'autres les acheter. J'ai aussi vu des intermédiaires faciliter ces échanges.

Tous ces gens ont deux motivations fondamentales: le besoin et le désir. Le plus vieux métier du monde consiste à transformer le désir en besoin. La courtisane ne fait rien d'autre. Ça n'est pas du sexe qu'elle vend, c'est la possibilité du plaisir. Dans cette transformation du désir en besoin réside son génie économique et marketing.

De même de l'artiste. L'artiste comme la prostituée puise dans nos désirs les plus profonds pour créer le besoin de la possibilité non encore existante d'une jouissance, celle de l'expérience esthétique dans son cas.

IANIK MARCIL sous le tapis ~ chronique

L'artiste en son laboratoire

Il est toujours difficile de définir ce qu'est l'art. La culture - malgré qu'il s'agisse d'un concept très élastique et ouvert à tous les débats - est généralement plus facile à circonscrire, car il est loisible de la rattacher à d'autres notions: identité ethnologique, langue, histoire, etc. Mais définir l'art (autrefois les "arts & lettres," les "beaux-arts"), l'affaire se corse. On n'a que très peu recours à ces anciennes formulations aujourd'hui; les artistes préfèrent souvent se présenter comme "artiste professionnel," par opposition à artiste amateur. Dont le boulot est de faire de l'art.

Giovanni Stradano Il laboratorio dell'alchimista (1571)

Mais cela ne simplifie rien. Car parmi ces artistes professionnels auto-proclamés, certains en vilipenderont d'autres - les taxeront de ne pas être de véritables artistes. Ce sera le cas, par exemple, de l'adepte de l'art conceptuel qui méprisera l'artiste paysagiste, peu importe que ce dernier voit ses œuvres vendues dans de nombreuses galeries, sur la rue Saint-Paul à Montréal ou à Baie-Saint-Paul, disons. Particulièrement si c'est le cas. Je caricature, bien entendu.

Reste qu'objectivement, c'est-à-dire extérieurement, il est fort difficile de distinguer les uns des autres. Pourquoi est-ce important, au-delà de la typologie et de la rhétorique? Parce que l'artiste se positionne, comme nous tous, aux entrecroisements d'un vaste tissu social et interagit avec nombre d'autres acteurs. Ces interrelations définissent son statut, laquelle définition a de nombreuses incidence sur son travail: reconnaissance, positionnement dans l'histoire de l'art, subsides et valeur au marché de ses œuvres, etc. Au final, sa position dans l'écosystème social influencera notablement son vécu, son quotidien et le développement de sa carrière.