ratsdeville

M-KOS : Painting through other forms – In convesation with Anthony Burnham

Anthony Burnham in front of his painting “Perspective Correction” (2009)

From March 31st to May 5th 2012, Anthony Burnham presented a collection of works within Montreal’s René Blouin Gallery, combining his latest paintings with some less recent canvases, to punctuate and contextualize the exhibition with pivotal moments in his studio practice. From a tempered palette of colors and formats, Burnham’s painted surfaces extend from a first perception as conceptual pieces, to open up to preoccupations for lens-based imagery, producing multiple series in parallel, as well as to using the exhibition venue itself as a medium of expression. Burnham shared his thoughts with M-KOS on this latest show.

M-KOS : In a previous article about you, someone was talking about your painting as a conceptual practice. is this still the case here ?

Anthony Burnham : I think conceptual art is historically very specific, it’s a key moment, where modernist theories got broken-up or opened-up, it created an antecedent that can not be ignored. My practice revolves around many approaches by traveling through photography and sculpture to arrive at painting. I have been working around documents, and reinvestigating historical work and I think that’s why the paintings where labeled as conceptual. It’s still the case for the work in this show; the paintings are tools or a form of vocabulary. For me it’s a given. I like to think of this show as a sentence.

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CYNTHIA DINAN-MITCHELL @ piroir

« SALOON STORY PART IV »
jusqu'au 30 juin | until June 30
piroir.com

Pour ce projet d'exposition, je veux explorer la notion d’ornementation en combinant l'installation, la céramique et l’estampe. Par cette approche multidisciplinaire, je veux ainsi créer une installation où on perçoit la rencontre forcée entre des esthétiques westerns (cowboys), japonaises et victoriennes. Premièrement, j'aimerais présenter une série de sérigraphie encadrée rehaussée à la gouache illustrant des vignettes de cowboys et de samouraï. Deuxièment, je veux présenter un papier peint fait en flocage d'un motif imitant la toile de Jouy, mais refaite avec des images de cowboys. Dernièrement, je veux présenter des pièces en céramique ornée de sérigraphie qui répète les mêmes motifs du papier peint. Le tout sera lié par deux couleurs dominantes, soit le rouge et le noir.

By accomplishing this exhibition project, I hope to explore the notion of ornamentation by combining installation, ceramic and printmaking. By using this multidisciplinary approach, I intend to create an installation where various aesthetics meet and force the viewer to confront simultaneously Western, Japanese and Victorian notions. Firstly, I will create a series of silkscreens, framed by gouache vignettes of cowboys and samurais. Secondly, I will create wallpaper imitating the toile de jouy pattern, only with cowboys. Lastly, I will present ceramics decorated with the same patterns as the wallpaper. The whole of the installation brought together by two main colors, red and black.

AISLINN LEGGETT @ d'este

« ENTER THE GREAT WIDE OPEN »
31 mai au 17 juin | May 31 to June 17
vernissage 31 mai 17h00 | May 31 ~ 5:00PM
galeriedeste.com

Je réalise que mon passé ancestral ainsi que la représentation visuelle et historique du paysage canadien sont des éléments importants qui déterminent la façon dont je vois et utilise le territoire et ultimement comment je perçois le paysage. - Aislinn Leggett

Combinant la photographie traditionnelle et le collage numérique, Leggett crée des photographies composites. Elle explore le thème de la mémoire : la photographie et le souvenir sont intrinsèquement liés, l’un permettant à l’autre de subsister dans le temps. Dans cette série, l’artiste emprunte et s’inspire de la représentation photographique du début du vingtième siècle incluant des paysages et des personnages pratiquant des activités en plein-air. Sa démarche artistique l’amène à revisiter le passé par le paysage et à explorer les rapports passées et présents entre l’appareil photo et le territoire.

I have come to realize that my ancestral past and the historical visual representation of Canadian landscape are important elements in how I have shaped the way I see and use the land and ultimately perceive landscape. - Aislinn Leggett

Blending traditional film photography and digital collage, Leggett creates composite photographs. She explores the theme of memory and its complex relationship with photography, one giving the other meaning and permanence through time. In this series, the artist borrows and is inspired by photographic representations from the early twentieth century of landscapes and figures participating in outdoor leisure activities. Leggett’s process has brought her to revisit the past through landscape and to explore the relationships between photography and the land.

MARIE-PIER THÉBERGE @ uqam

« ARTISME® STORE »
jusqu'au 16 juin | until June 16
galerie.uqam.ca

photo : Laurence N. Béland

Cette « entreprise » se spécialise dans la création de fictions et d’activités ludiques interactives qui mettent en scène l’héroïne de l’art contemporain, Super MPier. Venez découvrir cet univers qui, par l’entremise de son dispositif immersif parodiant une réalité commerciale, vous fera vivre les plus belles expériences!

L’exposition ArtisMe® Store propose un simulacre de magasin issu de la combinaison des sphères du divertissement, de la culture populaire, de l’art actuel et du marketing. L’entreprise ArtisMe® a été conçue afin de rassembler des œuvres dans lesquelles évolue l’héroïne de l’art contemporain Super MPier, un personnage né de l’autofiction. Cette installation donne accès à l’application MpiiGotchi 2.0 pour téléphone intelligent, au jeu de société Super MPier and The Game of Contemporary Art; Life and Creation, ainsi qu’à une panoplie de figurines à l’effigie du personnage.

CHROMATIC @ sat

MASSIV art présente « CHROMATIC – 360° SUR L’ART »
25 et 26 mai | May 25 and 26
sat.qc.ca

Pour sa troisième édition, Chromatic élève son offre artistique d’un cran et accueille plusieurs nouveautés. On prolonge le plaisir : l’unique journée des dernières éditions se transforme en festival de deux jours. Avec plus de 150 artistes, l’événement n’a jamais compté autant de créateurs de talent. La programmation artistique, chapeautée par Kristian Manchester (Sid Lee), Jean-Sébastien Baillat et Guillaume Cardell (Baillat Cardell & Fils), Andrew Ly et Melissa Matos (TRUSST), Francis Théberge (TiND) et Ximena Becerra, rassemble plusieurs acteurs importants de la scène artistique locale et internationale, notamment, Julien Vallée, Vincent Morisset, Richard Bernardin, Simon Beaudry, Thibaut Duverneix, Rafael Sottolichio et Catherine D’Amours. De son côté, le volet musical, assuré par M pour Montréal et Scène 1425, présente des groupes comme Suuns, Mozart’s Sisters, CLAASS, Cosmetics, Le Matos, Kaytradamus ainsi que plusieurs autres pointures de la scène locale.

ALEX MCLEOD @ trois points

« LÉGENDES OUBLIÉES »
26 mai au 23 juin | May 26 to June 23
vernissage 26 mai 15h00 | May 26 ~ 3:00PM
galerietroispoints.qc.ca

Le travail d’Alex McLeod s’inscrit dans la foulée des nouveaux médias alors que l’artiste utilise des logiciels spécialisés pour construit digitalement des environnements hyperréalistes. Fort de la tradition canadienne du paysage et de l’héritage des peintres romantiques, les univers créés par McLeod sont peuplés de montagnes cristallines, de lacs incandescents, de nuages aux courbes claires qui se détachent de ciels douceâtres. L’artiste met de l’avant une palette très bonbon qui contribue à fausser nos perceptions ; l’ambiguïté omniprésente de ses paysages fait naître des contradictions entre le réel et le virtuel, le passé et le présent.

Alex McLeod’s work is in the wake of new media while the artist uses specialized software to digitally constructed hyper-realistic 3D environments. Recalling the wide-open vistas of Romantic landscape painting and the Strong tradition of Canadian landscap, the environments created by McLeod are filled with crystalline mountains, fiery lakes, and rotund clouds, all rendered in a sickly sweet and gooey candy-colored palette. They act as hybrid spaces that imply an almost infinite recombination of the past and present, the real and virtual.

OTHER @ yves laroche

« TEMPEST »
jusqu'au 30 mai | until May 30
yveslaroche.com

La place de l’artiste canadien Other dans le paysage du graffiti international n’est plus à faire. Artiste bohème, ses œuvres peuvent être vus sur les wagons et dans les dépôts de trains, les murs des villes et des galeries d’art à travers le monde. Il est reconnu pour ses œuvres complexes réalisées au pastel à l'huile qui orne les wagons des trains de cargaisons à travers l'Amérique du Nord. Collectionneur d'images et d'expériences, le travail d’Other en galerie correspond à une mise en boîte d’une part de ses voyages et d’autres part du déplacement physique de ses œuvres tel que lorsque réalisées à l'extérieur. Celui-ci devient également le point de départ et l'influence majeure de son travail de graffiti. Le mouvement du corps et le dynamisme inhérent à cette pratique artistique se transpose alors en une multitude de motifs colorés souvent fragmentés, suggérant le tout mais ne montrant qu'une partie créant un mouvement dans sa composition. Ses œuvres très colorées forment un pendant à son art sur les trains souvent uniquement en noir et blanc, puisque réalisées dans une relative obscurité.

Canadian artist Other has long earned his reputation in the graffiti milieu. Bohemian artist, his art can be seen on freight trains, city walls, in train yards, and inside countless art galleries around the world. He is known for his intricate oil stick paintings that grace rolling freight trains across North America. Collecting from a variety of images and experiences, his work inside the gallery constitutes a dynamic approach to counter the limits of a more static environment inherent to established institutions. This art represents the starting point from which his street art evolves. The body involvement and dynamism associated with graffiti translates in a kaleidoscopic vision often fragmented, suggesting the whole picture but focusing only on detail creating the movement within the composition. His highly coloured body of work balances his more monochromatic street art which is often executed in relative obscurity.

CLAIRE MOEDER sur Fabuleux Cercles Vicieux

Patrick Bérubé : artiste-commissaire (volet 2)

Michel de Broin, Trou de vers, 2010, Plâtre et fibre de verre
photos : Olivier Bousquet, Galerie SAS

Après Laurent Craste, c’est au tour de l’artiste Patrick Bérubé d’avoir carte blanche pour concevoir une exposition à la Galerie SAS. Avec Fabuleux Cercles Vicieux, l’artiste-commissaire propose une exposition en miroir de son œuvre, où plane le même esprit ludique et absurde qui caractérise son travail.

Patrick Bérubé, L'alliance, 2011, Plexiglas, bois, LEDs, impression photo numérique

Patrick Bérubé a fait une sélection d’artistes homogène et cohérente comprenant Gwenaël Bélanger, Michel de Broin, Mathieu Latulippe, Frédéric Lavoie et lui-même. Il s’est entouré de ces artistes proches de son univers, avec qui il partage affinités et influences artistiques depuis plusieurs années. Exception faite de Michel de Broin, la connivence artistique est palpable entre ces artistes québécois qui font partie de la même génération.

DIL HILDEBRAND @ pfo

« BACK TO THE DRAWING BOARD (REPRISE) »
jusqu'au 30 juin | until June 30
pfoac.com

Spire, 2012, huile sur toile

Les oeuvres de sa récente série ont été remarquées lors de leur dévoilement au centre d'artistes YYZ à l'automne dernier et nous sommes très heureux d'accueillir les nouveaux tableaux et dessins qui poursuivent les recherches formelles entamées par l'artiste dans cette veine.

Propos d'artiste
L'année dernière, j'ai profité de l'occasion d'une exposition à Toronto pour réaliser une série de peintures que j'avais en tête depuis un certain temps. L'exposition s'intitulait Back to the Drawing Board, et répondait au désir d'explorer une manière de peindre différente de la profondeur « pittoresque » du style atmosphérique que j'avais jusqu'alors adopté. Bien que ces nouvelles peintures ne rejetaient pas complètement la profondeur, leurs surfaces étaient relativement planes et minimales. Composées de grilles, de points et de formes géométrique simples, elles ont été conçues en tant qu'approche provisoire d'une description de l'espace visuel, et pour résister à la tentation de se fondre dans la transparence de formes reconnaissables. Tout en ayant l'apparence d'être parfaitement abstraites, elles correspondaient dans mon esprit à des esquisses indéterminées d'images demeurant cachées ou non réalisées – des diagrammes plutôt que des modèles. Nombre des œuvres de cette exposition de 2011 – surtout les toiles plus petites – figurent dans celle-ci.

Following his critically acclaimed exhibition at YYZ Artist Outlet in 2011, Back to the Drawing Board (Reprise) features new drawings and canvases that further explore this direction.

Artist's Statement
Last year I took the opportunity of an exhibition in Toronto to make a series of paintings that I'd had on my mind for some time. The exhibition was called Back to the Drawing Board, and was inspired by a wish to explore a different sort of painting from the deep and atmospheric picturesque style that I had been doing up to that point. While these new paintings did not reject depth entirely, they were relatively flat and minimal. Arranged with grids, dots, and simple geometric shapes, they were devised to attempt a provisional approach to describing visual space, and to resist the temptation to coalesce into transparently recognizable forms. While appearing to be wholly abstract, they were for me indeterminate sketches of images that remained hidden or unfulfilled - diagrams rather than models. Several of the works from that 2011 exhibition - mainly the smallest canvases - appear in this one.

PHILIPPE HAMELIN & JULIE TREMBLE @ dazibao

« LA FONTAINE ET LA CHUTE »
jusqu'au 9 juin | until June 9
Salle Fernand-Seguin de la Cinémathèque québécoise
dazibao-photo.org

Fascinés par l’émotion et le pixel (entre lesquels s’établit un lien quasi sémantique, le pixel étant la plus petite surface homogène constitutive d’une image enregistrée par un système informatique et pouvant être transmise), Philippe Hamelin et Julie Tremble dépeignent à travers leurs œuvres des états émotifs exacerbés dans une surabondance d’effets visuels, où le naturel, se jouant des paradoxes, jaillit de constructions artificielles.

Fascinated by emotions and pixels (between which there is an almost semantic link, the pixel being the smallest homogeneous surface forming part of an image recorded by a computer system capable of being transmitted), the work of Philippe Hamelin and Julie Tremble depicts aggravated emotional states in an overabundance of visual effects in which the natural, paradoxically, arises out of artificial constructions.