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mot de l'éditeur | word from the editor

Chers lecteurs, ratsdeville a déjà cinq ans (!) et pour souligner cet anniversaire, il me fait plaisir de vous annoncer le lancement d'une application mobile qui vous aidera à rester branché sur les évènements en arts visuels de la métropole et ses environs. L'application sera présentée les 3, 4 et 5 novembre au Eastern Bloc, lors de l’exposition J.E.U.X.

Tous les détails se trouvent ici : Communiqué de presse

Dear readers, ratsdeville is already 5 years old (!) and to celebrate this aniversary, it is my pleasure to announce the launch of a mobile application that will help you connect with the visual arts events in Montreal and its surroundings. The application will be presented on November 3, 4 and 5, at Eastern Bloc, during the J.E.U.X. exhibition.

All the details here: Press release (French only)

IANIK MARCIL ~ l'Olympe sans Zeus : Apollon, Hermès et Athéna se rencontrent

Hier, 20 octobre, l'initiative CUBE de Québec offrait au cours d'une soirée une rencontre entre un artiste et un dirigeant d'entreprise. Le premier, le Brésilien Claudio Bueno crée des œuvres in situ fort intrigantes: une expérience auditive rendu possible qu’au moyen d’une application sur téléphone mobile par positionnement GPS. Par cette technologie le spectateur est transporté seul avec son appareil dans un univers sonore qu'il habite hors du monde, mais paradoxalement ancré dedans. Le second, Luc Vaillancourt présente les développements de son entreprise, Spatialytics Solutions inc., qui crée des applications logicielles basées sur la même technologies, à des fins d’affaires et géospatiales.

Jacopo Zucchi - The Assembly of the Gods, 1575-76

Deux univers, donc, se côtoient et interagissent. Deux univers qui utilisent à peu de choses près les mêmes moyens pour atteindre des fins très différentes, du moins dans les apparences. Le premier a des visées artistiques, crée de la beauté et du sens pour le spectateur. Le second, a des visées utilitaires et appliquées - pragmatiques.

Cette rencontre entre deux mondes, dont j'ai parlé hier dans un article, est initiée par la Chambre blanche, un centre d'artiste de Québec. Un rapprochement entre le monde des arts et celui des affaires. Il s'agissait d'abord de créer un événement de levée de fonds pour le centre d'artiste. Au final, on cherche à créer des rencontres fécondes entre artistes et gens d'affaires. La troisième dimension du cube, après les arts et les affaires, est la technologie. Plus précisément l'innovation, la recherche-développement qu'on retrouve en arts comme dans l'industrie, qui a comme fin la création de nouvelles technologies ou de nouvelles applications de la technologie.

CLAIRE MOEDER sur SARAH FULLER

Sarah Fuller : clinique onirique
par Claire Moeder

photos : Sarah Fuller & Galerie les Territoires

En étroite connivence avec un laboratoire de recherche médicale sur le rêve, l’artiste Sarah Fuller a élaboré le projet artistique Dream Lab. Intriguée par les possibilités qui s’ouvrent lors de rêves ou d’états seconds, l’artiste manipule son cycle de sommeil afin de toucher à l’instant fragile qui se situe à la frontière du subconscient.

Dream Lab s’appuie sur un protocole scientifique conduit sous l’observation minutieuse du Dream and Nightmare Laboratory de l’hôpital du Sacré-Cœur de Montréal. Durant plusieurs jours, Sarah Fuller s’est pliée au jeu du sommeil contrôlé. Plongée dans un état de somnolence, l’artiste était systématiquement éveillée lorsqu’elle atteignait le niveau subconscient du rêve, grâce au flash de son appareil photographique déclenché par les chercheurs. La photographie prise dans ce bref instant permet de se tenir au plus près cette phase interstitielle entre rêve et conscience.

CEASE IT 2 @ fresh paint

28 oct au 28 nov | Oct 28 to Nov 28
vernissage 28 oct 20h30 | Oct 28 ~ 8:30PM
Fresh Paint : 180 Sainte-Catherine Est

CEASE ART vous invite à prendre part à la production, jusqu’ici jamais réalisée, d’une installation entièrement conçue en un mois dans la galerie « pop-up » montréalaise FRESH PAINT. Ce projet éphémère invitera des artistes d’avant garde et de différentes organisations artistiques tels que EN MASSE, Decover Magazine, Papirmasse and MASSIVart.

CEASE est un collectif d’artistes montréalais ainsi qu’un organisme à but non lucratif qui a comme intérêt majeur la découverte et la diffusion de l’art distinct. Nous croyons que l’art est pour tous et son contenu, medium et style, sans limites. Si l’œuvre est unique, intéressante et se démarque par son exécution, nous aimons.

PATRICK BERNATCHEZ @ uqam

« LOST IN TIME »
21 oct au 3 déc | Oct 21 to Dec 3
galerie.uqam.ca

Lost in Time, la première exposition monographique de l’artiste Patrick Bernatchez. Le commissariat de l’exposition est assuré par Mélanie Boucher. Des œuvres vidéos et musicales inédites, ainsi que de fascinants objets conçus par l’artiste, tels que l’élément central du projet Lost in Time, c’est-à-dire une montre-bracelet qui effectue une rotation complète tous les millénaires, seront pour l’occasion dévoilés.
Patrick Bernatchez a entamé, à ce jour, deux grands ensembles d’œuvres :

Chrysalides, depuis 2006, et Lost in Time, depuis 2009. Les œuvres de Lost in Time, qui composent la majeure partie de l’exposition, nous montrent des êtres et des choses qui semblent provenir d’univers parallèles au nôtre, tandis que les procédés employés pour les réaliser nous parlent de transformation. L’exposition se développe autour d’une idée maîtresse, celle de la durée, du temps. Temps linéaire, cyclique, réinventé, immatériel, néanmoins pressenti dans l’âme et la chair. Les références aux cycles de vie individuels, sociaux, animaux, végétaux et cosmiques y foisonnent; elles nous invitent à nous confronter à cette certitude ultime de notre mort.

Lost in Time, the first survey exhibition of the art of Patrick Bernatchez, curated by Mélanie Boucher. It features never-before-seen video and musical works, as well as fascinating objects designed by the artist, such as the central piece of the project Lost in Time – a wristwatch that takes a thousand years to complete a full rotation. The vernissage will take place at the Galerie on Thursday, October 20, at 5:30 p.m., with the curator and the artist in attendance.

Patrick Bernatchez has undertaken two major projects so far: Chrysalides, begun in 2006, and Lost in Time, begun in 2009. The works from Lost in Time, which make up most of the show, depict beings and things that appear to come from universes parallel to our own, while the processes used to create them speak of transformation. The exhibition revolves around the central notion of duration, of time. Time that is linear, cyclical, reinvented, immaterial, and yet sensed in body and soul. References to individual, social, animal, plant and cosmic life cycles abound, urging us to confront the ultimate certainty of death.

J.E.U.X. @ eastern bloc

3 au 5 nov | Nov 3 to 5
tables rondes : chaque soir 18h30 | every night ~ 6:30PM
easternbloc.ca

J.E.U.X. est une exploration transdisciplinaire des relations entre le spectateur/joueur et le(s) créateur(s). Ces relations sont elles égalitaires ou existe-t-il une hiérarchie implicite ou explicite qui demanderait à être reconfigurée ? Comment interagir avec des œuvres ? J.E.U.X. est une plateforme idéale pour le développement de formes d'art qui montrent des « systèmes de jeux » régis par différentes règles et en explorent les mécaniques et dynamiques. Sous l’impulsion d’Eastern Bloc et du Studio 303, des collectifs artistiques et des artistes individuels, établis et émergents, proposent des œuvres et des performances in situ à l’Eastern Bloc sur 3 journées au début de ce mois de novembre.

J.E.U.X. is a transdisciplinary exploration of the relations between spectator/player and creator. Are these relationships egalitarian or does there exist an implicit or explicit hierarchy, which needs to be reconfigured? How can we interact with these works? J.E.U.X. is an ideal platform for the development of art forms, which present “gaming systems” that are governed by different rules and explore these mechanics and dynamics. Under the impetus of Eastern Bloc and Studio 303, established and emerging artists and collectives present works and performances at Eastern Bloc over three days at the beginning of November.

MÉLANIE PERRIER & JULIE LAPORTE « JEUX DE PROMENADES #2 »
Cette œuvre propose un parcours en extérieur pour deux personnes qui ne se connaissent pas encore. Orchestrées par des carnets individuels composés de consignes succinctes, ces promenades explorent la relation entre les joueurs et sollicitent les sens par rapport à l’environnement urbain. Le parcours est créé par les joueurs, munis d’un plan des alentours, sur une durée approximative d’une heure.

This work proposes an outdoor walk for two people who have yet to meet. Orchestrated by individual notebooks containing succinct instructions, these walks explore the relation between the two players and appeals to their sensory connection to the urban environment. The walk is performed by the players, who have been provided with a plan of the gallery’s surrounding neighborhood, over the course of approximately one hour.

SOUFÏA BENSAÏD « CE QUE VOUS AVEZ AIMÉ »
C’est une proposition d’art relationnel doublée d’une installation participative. A l’aube de la quarantaine, l’artiste avait noté chaque jour de l’année 3 choses qu’elle avait aimé faire avant ses 40 ans. L’œuvre présentée ouvre le procédé au spectateur : reçu par l’artiste, il échange autour d’une série d’actions ludiques, puis il est invité dans un espace intime – dans lequel on entre pieds nus – à noter ce qu’il a aimé être ou faire dans sa vie.

This work of relational art doubles as a participative installation. At the dawn of her forties, the artist noted three things each day for one year that she wished to accomplish in the following decade. The piece opens up this process to the spectator: greeted by the artist, the spectator passes through a series of playful activities before being invited into a small private space – which one enters barefoot – to share what they would like to be or accomplish in their lives.

RICHARD E. FLANAGAN « FRACT »
C’est au premier abord un simple jeu d’aventures à la première personne. Mais au lieu d’être une somme d’expériences programmées, comme dans tout jeux vidéo, FRACT mène le joueur à une meilleure compréhension de ses propres idéaux musicaux. Le joueur est en immersion visuelle et sonore, dans un univers post apocalyptique de machines en ruines qu’il est amené à réparer et à transformer en outils pour créer des rythmes, des mélodies et des arrangements de musique électronique.

The piece first appears to be a simple first-person adventure game. But rather than being a sum of programmed experiences, like in all video games, FRACT guides the player to a better understanding of their own musical ideals. The player is aurally and visually immersed in a post apocalyptic universe of decrepit machines, which he is called upon to repair and transform into rhythms, melodies and arrangements of electronic music.

MARIE-PIER THÉBERGE « MPII GOTCHI »
La carrière d’un artiste l’oblige forcément à assumer différentes identités : producteur, médiateur, critique, marchand, etc. Cette application est un jeu, développé pour les téléphones cellulaires Android, qui nécessite l’implication quotidienne des joueurs : ils maintiennent en vie l’avatar d’un artiste. Ils lui procurent notamment l’argent pour son matériel, ou lui proposent des évènements culturels (avec notamment le recours à la fonction géolocalisation, qui permet une interaction avec le réel).

An artist’s career obliges them to assume numerous different identities: producer, mediator, critic, merchant etc. This application is a game developed for Android phones, which requires daily participation from the player: it keeps alive an avatar of an artist. The player procures money for their materials or proposes cultural events using geo-location, permitting an interaction with the real world.

STEFAN HOFFMANN @ arprim

« ALL SYSTEMS NORMAL »
29 oct au 3 déc | Oct 29 to Dec 3
vernissage 28 oct 17h30 | Oct 28 ~ 5:30PM
arprim.org

ARPRIM accueille Stefan Hoffmann (Pays-Bas) en résidence de création in situ, dans le cadre d’un projet spécial en partenariat avec l’Atelier Graff. Pendant cinq semaines, le public est invité à assiter à l’évolution de son travail, par lequel il modifiera l’espace d’exposition d’ARPRIM et des recoins de l’édifice Belgo.

Vêtu de sa combinaison de travail bleue, Hoffmann observe attentivement les lieux publics qu’il investit et les transforme en imprimant sur diverses surfaces : murs, fenêtres, panneaux d’affichage, etc. Incorporant des éléments visuels prélevés directement de son environnement d’intervention, il ponctue l’espace de signes inattendus - et pourtant étrangement familiers - qui engagent un dialogue avec les visiteurs. Le travail de Hoffmann souligne l’interaction de l’homme avec son environnement et les codes et signes usuels qui dictent ses comportements. Ce projet spécial lève le voile sur les multiples possibilités de l’imprimé comme média hautement mobile et malléable et comme outil de détournement.

LISETTE LEMIEUX + VALÉRIE POTVIN @ sas

22 oct au 3 déc | Oct 22 to Dec 3
jusqu'au 6 nov | until Nov 6
vernissage 22 oct 15h00 | Oct 22 ~ 3:00PM
galeriesas.com

LISETTE LEMIEUX « DISTILLATS DE LUMIÈRE »

Comme son intitulé l’indique, la lumière et ses manifestations sont les composantes centrales de cette exposition. Du verre, des surfaces de papier perforé, de fines pellicules de porcelaine, des surfaces métalliques blanches et polies, de multiples fragments de pellicules radiographiques découpées, autant de matières qui agissent comme des « percolateurs de lumière ».

As its title announces it, light and displays are the core components of this exhibition. Glass, surfaces made of perforated paper, thin porcelain layers, white and polished metal surfaces, multiple fragments of cut radiographic films... These are all materials that serve as "light percolator". Through a narrow adequacy within the gallery space, a story line links works distributed in the space: those orbiting around luminous phenomena, then with more cosmic ones; finally, works made around language signs slammed between presence and absence.

 

VALÉRIE POTVIN « LES FABULEUX »

Les fabuleux - Cette installation, conçu comme un jeu, est née du désir de Valérie Potvin d’insuffler une vie à ses sculptures en réalisant des objets cinétiques semblant défier les lois de la pesanteur. Avec Les fabuleux, l’artiste nous immerge dans une œuvre à la fois onirique et inquiétante, humoristique et menaçante pour mieux nous confronter aux liens qu’entretient l’homme envers ses semblables et son environnement. La mise en scène des sculptures, à l’instar d’un arrêt sur image, laisse au spectateur la liberté d’imaginer l’histoire et l’interprétation qui s’y rattache. Une expérience esthétique pure qui paradoxalement, fait naître une vérité dérangeante.

Les fabuleux - This installation, conceived as a game, was born from the desire of Valérie Potvin to revitalize her sculptures by creating kinetic objects that seem to challenge the zero gravity conditions. With Les fabuleux, the artist dip us into a work both oneiric and disturbing, humorous and threatening to better confront us to the relationship between the human being, his fellow beings and his environment. The sculptures ‘s scenography, like a freeze frame, leaves to the spectator the freedom to imagine the story and the interpretation that go with it. A pure aesthetical experience that, paradoxically, produces a disturbing truth.

MANUEL MATHIEU @ maudite boîte

« HAPPY PEOPLE »
jusqu'au 6 nov | until Nov 6
lamauditeboite.com

L’exposition présentée à la maudite Boîte regroupe les dernières toiles peintes par l’artiste. Cette série est marquée par une exploration de l’espace, essayant de délaisser le fond blanc et unit pour créer un dynamisme. M. Mathieu approfondie, ici, sa recherche sur la déformation des corps en utilisant de nouvelles textures et techniques. Par leurs différentes combinaisons, ainsi il arrive à rendre une organicité et à accroître l’effet tactile et vivant de ses personnages. Le spectateur se retrouve face à des moments figés irréels, impossibles, où le regard essayant de reconstruire ses monstruosités ne peuvent que se confronter à l’irrémédiable.

Mes recherches s’articulent autour d’une incarnation anthropomorphique générée par une multitude de gestes parfois contrôlés ou laissés à une spontanéité assumée. Ainsi dans cette exposition l’artiste nous invite à porter notre réflexion sur les limites du corps. Un corps imagé, cauchemardé, monstrueux et spontané.